NOVELAS A MARCIA LEONARDA

Marta de Nevares Santoyo fue el último amor de Lope de Vega. Se conocieron hacia 1616 en un jardín madrileño con motivo de una reunión literaria cuando el poeta -ya ordenado sacerdote- rozaba los sesenta años y Marta apenas había cumplido los veinticinco. Así comenzó una larga, difícil y apasionada historia que duraría hasta 1632, año de la muerte de Marta. Fruto literario de esta relación son las Novelas a Marcia Leonarda.

Son cuatro narraciones breves, de temática amorosa y técnica de enredo, que mezclan verso y prosa: Las fortunas de Diana (incluida por primera vez en La Filomena, 1621), La desdicha por la honra, La prudente venganza y Guzmán el Bravo (incluidas en La Circe, 1624). Al final de la cuarta novela, Lope promete otra quinta, El pastor de Galatea, que anuncia para Laurel de Apolo, novela que no llegó a publicarse.

Lope las escribió por encargo, o al menos a petición de la propia Marta, no son nada del otro mundo y el propio autor reconoce que no tiene interés alguno por convertirse en novelista.

Una de esas novelas, la primera, es la titulada "Fortunas de Diana", en la que unos bellos y jóvenes protagonistas se ven envueltos en una cadena hilarante de aventuras que los lleva a paisajes exóticos y a experimentar sentimientos tan dispares como son el amor, el deseo, la seducción, la culpa, el honor y la venganza para finalmente llegar -tras un largo suspense- a un final feliz.

LA REINA VICTORIA (THE YOUNG VICTORIA)

Victoria (Emily Blunt), hija del duque de Kent, es considerada por todos como la heredera legítima al trono de Inglaterra, pues ninguno de sus tres tíos ha tenido descendencia, incluído el actual monarca, Guillermo IV (Jim Broadbent).

Durante su infancia y juventud, Victoria vive prácticamente recluida en el Palacio de Kensington, sometida a un particular sistema educativo, llamado el "sistema Kensington", un conjunto de reglas y protocolos elaborados por su madre y su ambicioso y dominante mayordomo, sir John Conroy (Mark Strong), que según algunos rumores era amante de la duquesa. Merced a ello, Victoria no puede leer novelas, ni bajar sola las escaleras, ni recibir a personas que no tengan el visto bueno de su madre y de Conroy, entre otras muchas extravagancias. El sistema pretendía hacer de ella una mujer débil y sometida a los dictados de ambos, algo que se puso de manifiesto cuando contrajo una fuerte fiebre durante una estancia en Ramsgate, en octubre de 1835 y su madre y Conroy, intentaron, aprovechando su debilidad, que firmara un documento nombrando a éste su secretario personal, algo a lo que Victoria se negó.

El rey de Bélgica, Leopoldo (Thomas Kretschmann), envía a Alberto Saxe-Coburg und Gotha (Rupert Friend) y a su hermano a Inglaterra para que conozcan a su prima Victoria, pues abriga la esperanza de casar a Alberto con Victoria que, a su vez, le recibe favorablemente. Sin embargo habrá de pasar algún tiempo hasta que Victoria, ya coronada reina, pida a Alberto en matrimonio, el 15 de octubre de 1839. Ambos se amaban.

El guión ofrece unas pinceladas sobre la infancia y juventud de la heredera, su vida familiar y sus conflictos con su madre y el secretario de esta, durante los que cuenta con el apoyo de su institutriz, la baronesa Louise Lehzen (Jeanette Hain), para centrarse después en el año que antecede a su reinado y los primeros pasos tras su coronación.

En realidad, estamos ante una historia romántica, si bien, en líneas generales, la narración respeta los acontecimientos históricos, a pesar de tomarse alguna importante licencia en beneficio de la dramatización del relato.

Estupenda la ambientación, la fotografía y el vestuario, por el que obtuvo el Oscar de aquel año, la película se beneficia de unas espléndidas interpretaciones, con una Emily Blunt que realiza un magnífico trabajo, la sencillez con la que da vida a su personaje hace que parezca algo carente de dificultad, además el buen feeling con Rupert Friend, en las escenas románticas o con Paul Bettany, que da vida al personaje de Lord Melbourne, hacen que sus apariciones las veamos con sumo agrado.

El realizador, Jean-Marc Vallée, se mueve a lo largo del film al borde de lo pasteloso, una inclinación que sabe evitar dando los giros adecuados a la historia cada vez que el edulcorante está a punto de arruinar la escena, dando paso a otras facetas de la personalidad de la reina que el film destaca: su inteligencia o su rebeldía; o incidiendo en otros aspectos como los conflictos que le acarrean sus relaciones con los partidos políticos.

Una película romántica, muy bien contada, fácil de ver y con una lección de historia, hábilmente dosificada y que no viene nada mal, precisamente para evitar ese peligro de caer en lo pasteloso a que antes aludía.

FUENTEOVEJUNA

Estamos ante una de las obras más conocidas del autor. Escrita en 1610 para ser representada en tres actos, presenta dos vertientes, una histórica y otra en la que se mezclan amor y justicia.

Tiene un carácter marcadamente social y reivindicativo, toda una llamada a la rebeldía de los humildes frente a la tiranía del poder. Quiero imaginar el impacto que tendría ante el público de la época, ya que las acciones del comendador, son de tal calibre y denotan un abuso de poder tan llamativo y un desprecio a sus inferiores tan claro que enardecen el alma más templada y desatan un deseo de venganza que, sin duda, supongo que haría que el público se sintiera de todo punto alineado con las decisiones de los aldeanos de Fuenteovejuna.

Los hechos se desarrollan en el pueblo cordobés de Fuente Obejuna durante el reinado de los Reyes Católicos y el texto es una de las obras cumbres del barroco español.

ÁGORA

Alejandría, año 391 d.C. Hypatia (Rachel Weisz)enseña astronomía, matemáticas y filosofía a un grupo de jóvenes estudiantes, uno de los cuales, Orestes (Oscar Isaac), está enamorado de ella, igual que su esclavo, Davos (Max Minghella).

Los cristianos de la ciudad, encabezados por Amonio (Ashraf Barhom) y el obispo Cirilo (Sami Samir), están intentando ganar el poder político e imponerse a los otros credos que conviven en la ciudad. Con el paso de los años, Orestes es nombrado prefecto de Alejandría y consigue mantener una precaria paz con los cristianos, pero estos acaban enfrentándose a paganos y judíos y no aceptan sino el bautismo de todos los habitantes de la ciudad.

Hypatia no está interesada en la religión, sus preocupaciones son el movimiento de los astros y la paz entre las personas. Sin embargo, Cirilo ve con malos ojos la influencia de Hypatia en Orestes y la acusa de impiedad y de brujería. A partir de ese momento, la vida de Hypatia está en peligro, pero también el saber y el desarrollo de la ciencia que ella representa. Para el nuevo credo dominante, todas esas cosas son símbolos del paganismo y ha de acabarse con ellas.

Película española, dirigida por el que entonces era el realizador emergente más prometedor del panorama nacional, Alejandro Amenábar; el guión, del propio realizador y de Mateo Gil, plasma su visión personal de lo que pudo haber sido la vida de esta mujer, rara avis en la época y en muchos siglos posteriores.

Es evidente que Amenábar tiene que realizar un ejercicio de imaginación, aunque esta sea siguiendo una línea de cierta coherencia, pues, como el mismo film advierte, poco se sabe de esta mujer, de cuya peripecia vital nos ha llegado su prodigiosa inteligencia y su cualidad de adelantada a un tiempo que no le era nada propicio en su doble condición de mujer y de pensadora y científica.

Con un presupuesto no muy habitual, por lo cuantioso, en el cine español, la película cuenta con una maravillosa ambientación, una más que correcta fotografía y una banda sonora del italiano Dario Marianelli, emotiva y no exenta de elegancia.

Interpretaciones desiguales, para mi gusto, con un buen trabajo de la protagonista, que creo que supera incluso lo que el guión da a su papel, con varios secundarios que tienen bastante presencia, entre los que a mí me ha llamado especialmente la atención Max Minghella.

Yo pienso que Amenábar sabía que el proyecto era arriesgado y que su planteamiento no iba a ser bien recibido en todos los ámbitos, sin embargo, celebro que aprovechara el crédito que tenía en aquellos momentos para embarcarse en este film, que yo calificaría de personalísimo y didáctico por encima de otras connotaciones.

La película es técnicamente casi perfecta, las disensiones, tanto de crítica como de espectadores, vienen a la hora de enjuiciar la historia en sí, porque hay cosas, como el ritmo del film o el feeling con el público, que yo pienso que se derivan de ese principio, es decir de que sepas o no entender la pretensión del realizador-guionista, o de que estés de acuerdo o no con el enfoque que da sobre el personaje y el corolario que desea transmitir de esa historia.

El resultado es esa división, casi radical, de opiniones, desde quien acusa al film de manipular la historia, hasta quienes ven la reivindicación de la mujer, pero sobre todo, del valor de la cultura frente a la intolerancia y el fundamentalismo religioso.

 

 

 

EL CASTIGO SIN VENGANZA

Pieza de senectud, pero inserta en una etapa de sobresaliente creatividad, El castigo sin venganza (1631), es la última obra maestra que Lope legó a las tablas y, quizá, la más desesperanzada. A partir de una novela de Matteo Bandello, que se inspira en un acontecimiento real ocurrido en la Italia del quattrocento, enriquecida con ecos clásicos y de las Sagradas Escrituras, el dramaturgo construye una tragedia "al estilo español", en la que los amores fatídicos de Federico y su madrastra Casandra, llevan al duque de Ferrara a debatirse entre el deseo de venganza y la piedad paterna, y conducen a un desenlace sin redención posible.

Valores como el honor o el amor, se unen a una reflexión sobre la imagen del padre y su relación con el hijo.

ENEMIGOS PÚBLICOS

En 1933, John Dillinger (Johnny Depp), es conducido a la prisión estatal de Indiana por su compañero John "Red" Hamilton (Jason Clarke), que se hace pasar por policía, pues lo que en realidad pretenden es liberar a varios miembros de su banda que están cumpliendo condena en el penal.

Todo va conforme a lo planeado, hasta que uno de ellos, en un ataque de ira, golpea a uno de los guardianes hasta matarlo y otro de los bandidos, dispara sobre otro de los agentes, con lo que salta la alarma y se produce un tiroteo en el que hay muertos por ambos bandos.

Es la presentación que el film nos hace de John Dillinger, uno de los atracadores más famosos de todos los tiempos que se acabará convirtiendo en el hombre más buscado por la policía norteamericana.

John Edgar Hoover (Billy Crudup), director de la Oficina Federal de Investigación (F.B.I.), cuya solicitud de ampliación de fondos ha sido rechazada en el Senado, ve en la captura de Dillinger el golpe de efecto que está buscando para conseguir sus objetivos. Nombra encargado del caso a Melvin Purvis (Christian Bale), un agente que ha adquirido cierta notoriedad pública por haber abatido recientemente a Pretty Boy Floyd (Channing Tatum). La guerra contra el crimen está declarada y Dillinger se verá cada día más acorralado.

El guión se basa en el libro del mismo título del novelista Bryan Burrough, y se centra en lo que podemos considerar el periodo más trepidante de la vida de Dillinger, incluida su fuga de la cárcel de Crown Point utilizando una pistola de madera, una semana antes de ser sometido a juicio.

También se refleja su relación con Billie Frechette (Marion Cotillard).

Aprovecha para ofrecernos algunos aspectos de los nuevos métodos de investigación que estaba introduciendo en esos años el F.B.I., con su inefable director a la cabeza. Resulta muy interesante comprobar cómo la detención de Dillinger se produce, precisamente, gracias a estos métodos, cuando logran cercarle por haber investigado la procedencia de un abrigo que ha dejado el gánster a una rehén que liberó tras el asalto a un banco.

El film se rodó en locaciones reales en las que estuvo Dillinger, como el Biograph Theater de Chicago (en donde vio Manhattan Melodrama, protagonizada por Clark Gable, William Powell y Myrna Loy), el Little Bohemia, que era una especie de hostal para turistas y ahora es un restaurante, que conserva los agujeros de bala y la cama en la que durmió Dillinger; y la cárcel de Crown Point.

Muy interesante la banda sonora, que va marcando la emotividad de cada escena, con la agradable sorpresa de escuchar la emblemática “Bye bye blackbird”, en la voz de Diana Krall, quien aparece en la escena del club. Se escuchan otras canciones, como el blues de Otis Taylor “Nasty setter” y “Ten million slaves” o “Dark was the night, cold was the ground”, de Blind Willie Jonson.

Pero el fondo musical que sigue a casi toda la cinta y refleja buena parte de los sentimientos de Dillinger es la inigualable voz de Billie Holiday, con la tristeza, incertidumbre, amor y soledad de canciones como “Love me or leave me”, “Am I blue?” y “The man I love”.

Sin embargo, a pesar de lo atractivo de la historia, la película no acaba de atraparle a uno. Las razones son diversas, yo creo que el guión no es bueno y después hay detalles que van sembrando la incertidumbre e incluso el cansancio en el espectador.

Por ejemplo, hay una escena, cuando Dillinger llega al aeropuerto de Indiana, donde ha sido trasladado, que podría haber sido muy buena, bajo la lluvia, con la nube de periodistas disparando sus carburos, que sin embargo se pierde, a mi juicio, por los continuos movimientos de cámara que estropean la acción, porque están hechos sin demasiado criterio.

Un film entretenido, porque la acción es trepidante y hay mucho tiroteo (algunos pobremente rodados y no precisamente porque duren poco) y algunos personajes que se pierden en el conjunto, cuando podían haber dado más de si, Marion Cottillard incluída.

En algunos momentos se hace un poco larga y el resultado final es un tanto decepcionante.

EL CABALLERO DE OLMEDO

Basada en un hecho histórico, –la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521–, es una de las obras maestras de Lope de Vega, con un mecanismo poético y teatral que alcanza notable perfección.

Don Alonso, un noble caballero de Olmedo, al ir a la feria de Medina junto con su sirviente, Tello, ve a una hermosa dama vestida de labradora, de la que se enamora. Entonces contrata a una alcahueta, de nombre Fabia, a la que le da una carta amorosa que ésta tendrá que dar a doña Inés, la dama vestida de labradora.

Los amores entre doña Inés y don Alonso, se desarrollan con algún enredo de por medio, hasta terminar en tragedia. Una tragedia al servicio de la cual está todo la obra, incluso el desenfadado y casi festivo inicio. Lope de Vega desarrolla en sus versos todo el ingenio que atesora y una calidad artística y literaria por encima de toda duda, que convierten esta pieza en uno de los hitos de teatro español de todos los tiempos.

Que de noche le mataron

al caballero,

la gala de Medina,

la flor de Olmedo.

BATHORY

La condesa Erzsébet Báthory (Anna Friel), siendo aún una niña, es prometida en matrimonio al barón Ferenc Nadasdy (Vincent Regan); ambos pertenecen a dos familias de las más ricas e influyentes de Hungría y con esa unión aseguran unir los patrimonios y el poder de los dos clanes.

En esa época, el país está en guerra contra los turcos que pretenden adentrarse en el territorio y además, los nobles están divididos por culpa de la diferencias religiosas entre católicos y protestantes, sin embargo, ante la amenaza exterior, dejan a un lado sus diferencias y se enfrentan al enemigo común.

El conde Báthory, como el resto de los miembros de la nobleza, toma parte en algunas de las batallas, será conocido como el Caballero Negro de Hungría y combate con fiereza y determinación a los otomanos, hasta que muere en una de las refriegas.

Erzsébet soporta como puede las largas ausencias de su esposo, dedicándose sobre todo al cuidado de sus hijas y a investigar las propiedades curativas de las plantas, poniendo en práctica sus conocimientos y ayudando en la sanación de muchas de las personas que habitan sus territorios.

Cuando se produce la muerte de su esposo, la condesa habrá de enfrentarse a un terrible enemigo, Thurzo (Karel Roden), otro noble, que peleó junto a Ferenc y que ambiciona las posesiones de los Báthory.

El guión adapta, dando la vuelta a los documentos y a la tradición, la vida de la enigmática condesa Báthory, conocida como la Condesa Sangrienta. La acción se sitúa en la Alta Hungría a finales del siglo XVI.

Seguramente, quienes idearon la narración y la película, pretendían dar una visión completamente distinta a la que podemos hallar en las crónicas de la época, bajo el pretexto de que esa historia oficial, está influida por la leyenda negra.

Sin embargo, el resultado es casi una aberración y un insulto a la inteligencia. Si se pretende que esta mujer, en realidad fue víctima de un complot que perseguía arrebatarle sus dominios en beneficio de la corona y de la Iglesia y que todos los crímenes que se le achacan formaban parte de ese complot, no se puede acompañar esta reinterpretación de la Historia, con una bruja que tiene poderes cuasisobrenaturales y otras cosas por el estilo.

Por no hablar de la parejita de monjes, un mal remedo del protagonista de "El nombre de la rosa" y su ayudante, que se sirven de inventos totalmente anacrónicos, eso sí, basados en esos dibujos sobre artefactos imposibles ideados por Leonardo, y con los que no sabes si tomártelo a broma o llorar de pena; más cuando, para acabar de rematar la faena, nos meten allí, nada menos que al pintor Caravaggio (Hans Matheson), para que tenga un affaire con la condesa.

La banda sonora, de Simon Boswell, es acertada, con música tradicional húngara, que nos ambienta en la época y nos sumerge en las diferentes escenas; incluye una canción de la cantautora eslovaca Katka Knechtová, una especie de salmo que oímos entonar a la protagonista.

Al final el film resulta un producto delirante, bastante malo, metido en un precioso envoltorio, pues tanto la fotografía, de Ján Duris, como el diseño de vestuario, de Julia Patkos, son una auténtica maravilla, como lo es, en general, la ambientación de la película, que se beneficia de haber sido rodada en los escenarios donde transcurrió la historia real.

Y, por si fuera poco, se han excedido en el metraje, con lo que aquello que de bueno pudiera tener la historia, se pierde ante las ganas que le entran a uno de que acabe de una vez.

 

 

 

BEN-HUR

Ben-Hur (Ben-Hur: A tale of the Christes) la celebrada novela del escritor, militar, abogado, político y diplomático estadounidense Lewis Wallace, publicada por primera vez el 12 de noviembre de 1880, llegando a convertirse casi de inmediato en un aclamado best seller, mucho antes de ser llevada al cine por primera vez.

Narra las peripecias de Judá Ben-Hur, joven perteneciente a una noble familia judía y su enfrentamiento con un antiguo amigo de la infancia, Messala, que le acusa de haber intentado asesinar al gobernador romano de Jerusalén y está ambientada en la época de Jesús de Nazaret.

El autor, de convicciones profundamente cristianas, escribió la obra como testimonio de su fe. Es magnífico el inicio de la novela en el que idealiza la visita de los Reyes al Portal de Belén, guiados por la estrella de oriente, al igual que los fugaces encuentros del protagonista con Jesús.

La novela se ha convertido en todo un clásico, escrita con un lenguaje sencillo, la narración suscita el interés del lector por lo trepidante de la acción y se convierte en un canto a la amistad, el valor y el triunfo final de la justicia por encima del engaño y la traición.

FLAMMEN & CINTRONEN

Bent Faurschou-Hviid (Thure Lindhardt) y Jørgen Haagen Schmith (Mads Mikkelsen), pertenecen a un grupo de la resistencia danesa que opera en la capital.

El primero de ellos, apodado Flame por el color rojo de su pelo, es un antiguo combatiente de la Guerra de Invierno en Finlandia, al otro, Haagen, se le apoda Citron, un juego de palabras, pues aunque la palabra significa limón, en realidad su apelativo viene de que trabajó en la fábrica danesa de Citroën, en Copenhage, donde saboteó los coches y camiones que iban a ser utilizados por los alemanes.

Aunque ellos lo vean de otro modo, son en realidad dos pistoleros que se dedican a cumplir los encargos que reciben de sus superiores. Al principio, solamente asesinan (ejecutan, en su terminología) a ciudadanos daneses (delatores, un editor que hace propaganda nazi en su periódico, colaboracionistas...), pero a partir de cierto momento, su jefe inmediato, Aksel Winther (Peter Mygind), que se supone recibe órdenes directas de Londres, ordena atentar contra personal alemán, lo que, a su vez, significa el inicio de las represalias por parte de los ocupantes.

Sin embargo, las confidencias de una espía doble a la que ha conocido Bent, les hacen albergar la duda de si Winther, se guía por motivos puramente estratégicos o está pretendiendo borrar las huellas de su pasado cuando les ordena las ejecuciones de ciertas personas.

¿Recuerdas el día que llegaron? ¿Recuerdas el 9 de abril? Seguro que sí, nadie puede olvidarlo. De pronto estaban por todas partes: La Gestapo, La Wehrmacht, las SS... todos los cuerpos alemanes, nazis alemanes... y nazis daneses. Habían salido de sus escondites, donde aguardaban a que llegara su momento. Saliste a la calle a verlo... ¿qué pensabas?

Sobre imágenes de archivo pertenecientes al inicio de la ocupación nazi de Dinamarca, una voz en off va recitando el párrafo anterior, al tiempo que desfilan los títulos de crédito.

No estamos ante la típica película bélica en la que la acción lo puede todo y el resto gira alrededor de los atentados. El film va más allá de todo eso y, por más que esté ambientado en determinado momento histórico y que los dos "ejecutores", sean el centro del mismo, se trata de profundizar en los motivos y las consecuencias de las acciones que acometen.

Muy bien caracterizados, los dos protagonistas soportan el peso de la trama, saliendo con nota alta de sus trabajos. Quizá el contrapunto que ofrece el personaje de Ketty Selmer (Stine Stengade), la enigmática mujer con la que Flame mantiene una relación, deje algo que desear y esa parte de la historia, sea la que haga cojear un poco el film.

Muy bien ambientada, la película se apoya también en una magnífica fotografía, con muchos momentos en los que predomina el ambiente oscuro, casi de cine negro, acorde con la idea que el realizador quiere plasmar, en cierto modo, cercana a las maneras gansteriles.

El estudio de los perfiles psicológicos de los protagonistas es magnífico, el inmaduro e impulsivo Flame y el tipo oscuro, con problemas de relación que se refleja en la personalidad de Citron.

Igualmente retrata el juego de intereses, algunas veces, nada claros, de quienes dirigen la tramoya entre bambalinas, los negociadores y jefes que desde su refugio en la capital sueca, hacen y deshacen y marcan pautas de actuación a quienes están en primera línea.

Al final, los resistentes que actuan en Copenhage, no tienen muy claro quienes son y qué esperan de ellos aquellos que les manda, dando la impresión, por momentos, de que son utilizados.

Una película con una concepción original y diferente de este asunto tan retratado en el cine, que profundiza en el lado oscuro de los grupos de resistencia, que se mueven en el filo de lo moral y lo inmoral. Hay un momento en el que Citron trata de autojustificarse con una frase que resume el mar de dudas en el que se mueven estos sujetos: "A veces se me olvida que no matamos persona, matamos nazis".

Por más que en algunos pasajes puede hacerse algo lenta, incluso en ocasiones nos da la impresión de que se les va un poco la mano a la hora de tratar de plasmar el ambiente de confusión en el que se mueven los protagonistas, el film resulta muy interesante y nos acerca la historia de estos dos hombres, convertidos en héroes nacionales por quienes manejan la propaganda.

LA CAZA DEL SNARK

La obra se desarrolla a lo largo de ocho “Espasmos”, como denomina Lewis Carroll a los pequeños capítulos. Los personajes, son los que conforman la tripulación de un barco bajo las órdenes del Hombre de la Campana, un desquiciado capitán cuyo único interés es cazar al Snark, criatura mitad serpiente, mitad tiburón, que simboliza la realización de su destino. Esta a primera vista extraña pasión, es compartida por todos los tripulantes: la cacería representa la búsqueda de sus sueños más profundos. Cada personaje posee una profesión diferente que lo caracteriza y sella una identidad particular en la búsqueda. Pero uno de ellos cuenta una historia: el Snark siempre puede ser un Boojum, una variedad de Snark tremendamente peligrosa. A partir de ese momento el fervor de la tripulación por la cacería se mezcla con un errático temor.

Está considerado como el gran poema paródico de Carroll. En él, según Sidney Williams y Falconer Madan, se describe “con humor infinito, el viaje imposible de una tripulación improbable, para hallar a una criatura inconcebible”.

A la manera de Moby Dick y la obsesiva idea del capitán Ahab en persecución de la ballena, en este libro, el viaje y la búsqueda es más importante que lo que se encuentra.

OORLOGSWINTER (WINTER IN WARTIME)

Un avión de la R.A.F. es derribado sobre territorio holandés, ocupado por las tropas alemanas; uno de los pilotos, consigue salvarse al saltar en paracaídas, está herido y ha quedado suspendido en un árbol. Un soldado alemán de patrulla por la zona, le descubre, pero el británico le mata.

Estamos en en último invierno de la II Guerra Mundial, Michiel (Martijn Lakemeier) es tan sólo un adolescente, que vive la guerra en parte como un juego, sin ser consciente de todo el peligro que encierra la situación en la que se encuentra su país. Su padre es el alcalde del pueblo, un hombre al que le preocupa que sus vecinos corran el menor riesgo posible y procura intermediar en los conflictos que diariamente se suceden con las tropas de ocupación, pero a Michiel le parece que tiene una actitud demasiado condescendiente con ellos y a él le gustaría hacer algo más.

La ocasión se le presenta cuando su amigo Dirk (Mees Peijnenburg), que colabora con la resistencia, le entrega un sobre para, en el caso de que salga mal algo en la próxima misión en que va a participar, sea entregado a Bertus (Tygo Gernandt), otro miembro de la resistencia.

Dirk es detenido y Bertus tiroteado por los nazis antes de que Michiel le pueda entregar el sobre, así que este decide abrirlo y descubre en su interior un papel con una especie de coordenadas para localizar algo que Michiel no sabe qué es. Cuando va al bosque, trata de seguir las indicaciones del papel y descubre un refugio disimulado bajo el suelo, en él se halla escondido el piloto inglés. Michiel decide que será su responsablidad sacarle con vida del país.

El guión se basa en una novela escrita por el político (fue vicepresidente de su país), físico y escritor holandés Jan Terlouw. Terlouw ha escrito unas cuantas novelas, casi siempre (si no siempre), dirigidas al público infantil y juvenil, de hecho, ha estado propuesto para el Premio Hans Christian Andersen. Como en otros de sus libros, Terlouw retrata a un joven con inciativas y espíritu emprendedor. Sin embargo, la película da un pequeño sesgo a la manera de enfocar la historia y la dirige a un público más adulto.

El film, cuya narración tiene un ritmo vivo y dinámico, tras la fachada de la aventura que vive Michiel y los peligros a los que se expone, en ocasiones de manera inconsciente, examina y reflexiona sobre otros asuntos, en primer lugar, el más evidente, la acelerada madurez que ha de ir adquiriendo el protagonista azuzado por las circunstancias, pasando prácticamente de niño a adulto sin solución de continuidad.

Pero no menos interesante es el tratamiento que da a lo que sería vulgarmente etiquetado como colaboracionismo, indicándonos el curso de los acontecimientos que no siempre se puede ser reduccionista en estos temas tan delicados. En primer lugar estamos juzgando unos hechos que ocurrieron en un momento y circunstacias determinados, desde la comodidad de nuestra butaca, en casa o en el cine, sabiendo cómo acabó aquello y quién salió triunfante, algo que desconocían quienes lo vivieron como protagonistas. La actitud del padre de Michiel, a quien éste ve como un tipo que no quiere problemas con los nazis y del que se siente un tanto decepcionado, la realidad nos demuestra que lo que desea es contemporizar en lo que puede, salvar el poco de dignidad que le queda y, con la desventaja de estar en inferioridad ante las armas y la brutalidad de los ocupantes, tratar de hacer la vida de sus vecinos, lo más cómoda y menos peligrosa posible.

Al final, cuando puede salvarse, se ve la integridad heroica de este hombre que no consiente que se elija al azar a otro ciudadano cualquiera de su pueblo para ocupar su lugar y planta cara al pelotón de fusilamiento. Sin duda cuando acabe la guerra, la memoria que quedará de este hombre será la de un héroe fusilado por los nazis, pero si la guerra hubiera acabado unos meses antes, hubiera sido el alcalde que tuvo miedo y colaboró con ellos.

Oorlogswinter (Invierno en tiempo de guerra, sería su traducción aproximada), es una película que trata el asunto de la ocupación y la resistencia, de una manera original, sin ensañarse con los ocupantes y sin ensalzar desmesuradamente a los resistentes. En ambos casos son personas que están en un bando u otro a veces, por las circunstancias, otras por convencimiento, pero nos narra sus historias de una manera sencilla, con un cierto tono de aventura y sin explotar (no se si de manera consciente, o porque no han sabido hacerlo), la vertiente de intriga y tensión que conduce al final de la historia, un final con sorpresa, en el que se manifiesta el profundo cambio que ha sufrido el protagonista que encarna a toda una generación.

Muy interesante y entretenida. Una buena película.

FANTASMAGORIA

Alguien definió a Lewis Carroll como un gran bromista. Lo cierto es que no puedo estar más de acuerdo con esta impresión tras leer este poema narrativo del autor británico en el que un hombre, al regresar a su casa, se encuentra con el fantasma que la habita.

Todo el relato se desarrolla de forma distendida, sin asomo alguno de terror, misterio, ni nada parecido. Ambos personajes cambian impresiones y el fantasma va poniendo al día a su casero de cómo es el mundo de los espectros y en qué condiciones se desarrollan sus existencias.

Al principio, incluso le ofrece una relación de cuál es la jerarquía entre estos seres y por qué criterios y preferencias se guían a la hora de establecerse en una mansión:

"los espectros eligen los primeros, a la hora de cubrir una vacante.

Luego, los fantasmas, los elfos, las hadas y los duendes...

Y si todos éstos fallan, se invita al espíritu necrófago más simpático que se encuentre".

 

 

 

JODHAA AKBAR

Jalaluddin Mohammad Akbar (Hrithik Roshan), es un príncipe mogol, cuyos territorios se extienden por la zona norte del Indostán. En su afán por expandir el imperio hacia el centro de la India, Akbar se enfrenta a diversos rajputs, a los que primero ofrece la rendición y la incorporación a su reino, pero si se niegan, como hacen muchos de ellos, arrasa sus territorios a sangre y fuego.

Uno de los gobernantes que pacta con él, es el Raja Veer Bharmal (Kulbhushan Kharbanda), que para asegurar su alianza con Akbar, le entrega como esposa a su hija Jodhaa Bai (Aishwarya Rai Bachchan).

Sin embargo, el matrimonio entre ambos, que se celebra con gran pompa, no será un camino de rosas, Jodhaa no está dispuesta a ser un mero elemento decorativo, un objeto que se entrega como presente para afirmar un pacto, y pone una serie de condiciones, en primer lugar, conservará sus propias creencias, ella es hindú y su esposo musulmán y además, como quiera que acaban de conocerse, Jodhaa no se entregará a Akbar hasta que él logre conquistar su amor.

En adelante, el principal objetivo de Akbar no serán las conquistas territoriales, sino conseguir atraer a su propia esposa.

El guión, del propio realizador del film, Ashutosh Gowariker (Lagaan), recrea de manera idealizada el periodo histórico correspondiente al siglo XVI, en el que este hombre, Jalaluddin Mohammad Akbar, se apoderó del norte y centro de la península indostaní, donde trató de conciliar las diferencias entre los dos pueblos que convivían, separados sobre todo por motivos religiosos difíciles de conciliar, al parecer fue un personaje abierto, tolerante y amante de las artes, además de un gran guerrero.

 

 

La película, al gusto de Bollywood, es larga, casi cuatro horas, que se pasan de manera agradable, aunque parezca mentira. Con un gran presupuesto a su disposición, Gowariker, hace todo un despliegue de figurantes, pero también de medios, sobre todo en las dos escenas de batalla (al principio y al final del film), en las que aparecen elefantes, caballos y, por supuesto, como decimos, gran cantidad de extras.

Los decorados son grandiosos y para algunas de las escenas se han utilizado palacios y otros monumentos reales; a ello hay que unir el suntuoso vestuario, de la diseñadora Neeta Lulla, todo un referente, no sólo en la India, sino fuera de sus fronteras.

Una fotografía muy conseguida y una banda sonora, que lleva la firma del oscarizado A.R. Rahman, que resulta fascinante, con unos cuantos cortes, también tan del gusto del público indio, que son auténticas maravillas, con coreografías esplendorosas, en alguna de la cuales vemos en pantalla más de cien bailarines reproduciendo figuras caleidoscópicas. Todas las canciones son muy buenas, pero a mí me gustó especialmente la escena musical que se corresponde con la boda de ambos protagonistas.

 

Con un agradable sabor añejo de aquellas antiguas superproducciones norteamericanas, todo en la película es grandioso y, quizá, un tanto decadente, pero pasado por el tamiz de los medios y las técnicas actuales, un cine que, ahora mismo, sólo se hace en Bollywood, porque allí gusta este tipo de películas "excesivas" y a quienes nos atrae el cine, nos hace disfrutar viendo estas historias sencillas de amores envueltos en enredos, un tanto infantiles, pero en las que no hay que pensar demasiado para seguir el hilo de la trama y acompañadas de esa especie de interludios musicales, tan bien coreografiados, que actuan también como entretenimiento para distraerse un poquillo en films de tan largo metraje y que resultan de lo más agradable.

Una peli para disfrutar, protagonizada por dos auténticas bellezas, el imponente Hrithik Roshan y la bella Aishwarya Rai, otro aliciente más para quienes se conformen con el disfrute puramente visual, que no es poco.