MAMÁ SE FUE DE VIAJE

 

Víctor (Diego Peretti) y Vera Garbor (Carla Peterson) llevan 20 años casados y tienen cuatro hijos. Absorbido por su actividad laboral, Víctor vive ajeno a la cotidianeidad de su mujer y de los chicos. Vera, agobiada por la vida doméstica, decide tomarse vacaciones de su familia. Y allí comienzan los problemas.

Prueba del éxito de la fórmula, es que se han hecho adaptaciones en distintos países, bien es cierto que, al menos alguna de ellas, seguramente supera al original.

Y es que la película de Ariel Winograd, tiene un guion en el que echa mano de estereotipos algo anticuados, presentándonos una familia que en algunos aspectos no responde al canon de las actuales, como si se hubiera quedado anclada cincuenta años atrás. Avanza a base de gags y chistes no siempre demasiado logrados, si bien es cierto que entre tantos y tantos, claro, alguna de las situaciones acaba haciendo gracia, con momentos realmente difíciles de asumir, como pretender que los dos muchachos adolescentes (uno de ellos se acuesta ya con su novia), no sepan por donde se va al colegio.

Al final, más que otra cosa da un poco de pena este padre bastante desastroso que se enfrenta a unos hijos, al menos los dos mayores, bastante cabroncetes (sin el diminutivo), mimados, consentidos, ruines y con una actitud hacia su padre que roza el sadismo.

SIN HIJOS

 

Gabriel (Diego Peretti) lleva cuatro años separado y su hija Sofía (Guadalupe Manent), de 9 años, es el centro de su vida; rechazando cualquier posibilidad de una relación amorosa, centra todas sus energías en el trabajo y en Sofía. Entonces aparece Vicky (Maribel Verdú), un amor platónico de su adolescencia que ahora es una mujer hermosa e independiente. El reencuentro lleva a un posible romance hasta que ella anuncia que nunca se involucraría con un hombre con hijos; simplemente no quiere niños en su vida. No queriendo separarse de Vicky, Gabriel dice rápidamente que no tiene hijos. A partir de entonces su vida es un tormento ya que intenta por todos los medios esconder a su hija y sus pertenencias de Vicky cada vez que se ven.

Comedia no demasiado graciosa en la que ni siquiera la expectación por lo que va a ocurrir consigue mantener el interés del espectador, ya que a partir de determinado momento sabes lo que va a pasar y cómo se va a desarrollar aquello más o menos.

Maribel Verdú hace lo que puede con un personaje al que el guion tampoco es que de demasiadas oportunidades. De nuevo, como en otros films de Ariel Winograd, los títulos de crédito resultan de lo más llamativo.

MI PRIMERA BODA

 

Adrián (Daniel Hendler), de religión judía, y Leonora (Natalia Oreiro), católica, finalmente han llegado al día de su boda. Adrián pasa las horas previas a la ceremonia tratando de posponerla, no porque le dé miedo (¿o sí?), sino porque, presa de los nervios, ha perdido los anillos, situación que pretende ocultar a la novia, complicando las cosas cada vez más.

Producto absolutamente comercial, bien técnicamente y, en lo demás, bastante simplón, por decirlo de una manera suave, con un buen número de intérpretes reconocidos y, a mi juicio, desaprovechados, entre los que se incluye Imanol Arias.

Lo más destacable, los títulos de créditos, como en otras películas de Ariel Winograd, originales y realizados con esmero y, también, las apariciones de Marcos Mundstock y Daniel Rabinovich interpretando al cura y al rabino respectivamente. Los diálogos entre filosóficos y religiosos de los dos ex-miembros de Les Luthiers, inteligentes y muy graciosos, hacen que sus breves apariciones, se nos hagan más breves aún y la altura de las secuencias en que aparecen, que echemos de menos momentos como esos a lo largo del film.

PERMITIDOS

 

Camila (Lali Espósito) y Mateo (Martín Piroyansky) son novios desde hace ocho años, se quieren y viven juntos. Una noche, cenando con una pareja amiga, surge el tema de los «permitidos». Cada uno menciona un elegido famoso con quien tendría permiso para una noche de amor, algo imposible en la vida real. Días más tarde, accidentalmente, Mateo conoce a su permitida. Pero lo mejor que le pasó en la vida puede convertirse en todo lo contrario.

Comedia que, seguramente, arrancará alguna carcajada a los más proclives, tras un comienzo más o menos prometedor, la película avanza a trompicones con chistes sin demasiada gracia y algunas escenas demasiado alargadas, cuando no directamente evitables y momentos en los que los intérpretes sobreactúan.

De correcta factura técnica, a pesar de las opiniones tibias de la crítica tras su estreno, la película de Ariel Winograd se convirtió en una de las producciones más vistas en Argentina en 2016.

HARRY, UN AMIGO QUE OS QUIERE

 

Las vacaciones de Michel (Laurent Lucas) y Claire (Mathilde Seigner) prometen ser duras. Sus tres hijas pequeñas, alborotadas por el intenso calor, acaparan gran parte de su energía. Además, su casa de verano está en obras desde hace cinco años y es una fuente permanente de problemas. En estas circunstancias, no es de extrañar que la pareja tenga los nervios de punta. En el trayecto se encuentran, como caídos del cielo, con Harry Ballestero (Sergi López) y su novia Plum (Sophie Guillemin). Harry estudió con Michel en la escuela secundaria y lo conoce muy bien, parece un amigo dispuesto a todo con tal de lograr la felicidad de Michel.

Por su trabajo en este film de 2000, dirigido por el francés Dóminik Moll, el catalán Sergi López obtuvo el Premio del Cine Europeo y el Premio César, como mejor actor.

Aunque tiene bastante de intriga, el argumento del film navega por varios géneros. Vemos un retrato bastante logrado, sobre todo en las primeras escenas, de los problemas que acarrea la vida cotidiana de una familia con tres hijas pequeñas, con las tensiones que lleva aparejadas, envuelta en una conseguida pátina de humor que reaparece de cuando en cuando durante la película.

Por otra parte está Harry y lo que su aparición supone en la vida de la familia desde que se autoinvita a la casa vacacional del antiguo compañero de instituto que no se acuerda de él. Por contra, Harry lo tiene bien presente en su recuerdo y se acuerda de memoria de un poema que escribió Michel para la revista del instituto. Un tipo peculiar, Harry, que parece siente por Michel algo más que puro compañerismo o, quizá, es cierto lo que dice y solamente ve en él su potencial como escritor. El caso es que desde el comienzo observamos que allí ocurre algo raro y que las iniciativas de Harry no son del todo, digamos, normales. 

¿Qué ocurre cuando psicópata se entromete en tu vida? Esto es lo que descubriremos a lo largo del film, cuya mayor flaqueza es, posiblemente, que Dóminik Moll no logra casar las vertientes en que se mueve la narración. Magnífico trabajo de Sergi López, multipremiado en certámenes y festivales, que consigue dar vida a un personaje inquietante y peligroso bajo la apariencia de amistad desinteresada. Un film que resulta atractivo de seguir, con una historia que no es del todo nueva, pero a la que logran dotar de originalidad que la distingue sobradamente de otras de corte similar.

SOLO LAS BESTIAS

 

Una mujer ha desaparecido. Tras una tormenta de nieve, su coche aparece en la carretera que sube a una meseta donde se sitúan unas pocas granjas aisladas. Aunque los gendarmes no tienen pistas, hay cinco personas que saben están relacionadas con la desaparición. Todos tienen sus secretos, pero nadie sospecha que toda la historia comenzó lejos de esta montaña azotada por los vientos del invierno, en otro continente donde el sol pega fuerte y donde la pobreza dicta sus leyes.

El guion adapta la novela del mismo título del francés Colin Niel. Es una especie de puzzle cuyas piezas van encajando hasta que, al final, el espectador tiene una visión de cómo cada relato tiene su encaje en la historia, en la que los personajes, sin saberlo, están interrelacionados.

Es cierto que se puede achacar al guion hacer uso, en alguna ocasión, de alguna pequeña trampa para meter una nueva historia, un nuevo personaje o ambas cosas, de forma un tanto inexplicable, a pesar de lo cual no puede negarse que está bastante trabajado. 

De fondo a la trama principal, que no es sino un relato de intriga y de historias entrecruzadas, hay una cierta crítica a la situación de pobreza de los países africanos y las escasas perspectivas de futuro que los jóvenes tienen en ellos y también una reflexión sobre la soledad y la incomunicación en nuestras sociedades occidentales que dan lugar a curiosas actitudes. 

Aunque en determinado momento ya sabemos, más o menos, de qué va aquello y cómo va continuar, la historia resulta atractiva y consigue atrapar al espectador, sobre todo por ir descubriendo cómo el film entrelaza las historias que lo componen.

THE YELLOW SEA

 

Acosado por las deudas, casi en la miseria, un taxista que vive en Yanji, en la prefectura autónoma coreana de Yanbian, situada en la frontera entre Rusia, China y Corea del Norte, viaja a Corea del Sur cuando un gánster local le ofrece pagar su deuda a cambio de matar a un hombre conocido como "El profesor". Mientras tanto, también busca a su esposa, que había ido también al país surcoreano, pero no ha respondido desde hace seis meses. Su sospecha de que ella le ha traicionado hace que su tensión aumente. La noche en que está dispuesto a matar al profesor, ocurre algo inesperado y de pronto se encuentra huyendo de la policía y de la mafia para salvar su vida.

Peleas violentas e intensas persecuciones en automóvil, en este film del coreano Na Hong-jin, en escenarios y situaciones que nos suenan de otras producciones similares, en esta ocasión con un personaje que viene de una zona remota en que la economía, la supervivencia y la vida misma, se rige por sus leyes particulares. Un entorno duro que destierra a la pobreza y la marginalidad a quien no se suba a la nave que pilotan quienes dominan la situación. Un engranaje de crimen y abuso que acaba engullendo al protagonista.

Al rebufo de los éxitos comerciales de algunos films que el aficionado guarda en su memoria, hubo una especie de eclosión de realizadores surcoreanos que se aventuraban por sendas trilladas haciendo películas, en el fondo, muy parecidas, pero no deja de resultar llamativo que, incluso cuando nos suenan a ya vistas, la calidad técnica de estos directores alcanza altos niveles, incluso cuando, en muchos casos, su carrera anterior es bastante limitada en número de títulos. 

Algo parecido ocurre con este film en el que junto a escenas de cierta brillantez, hay otras en que, a base repetir los mismos esquemas, nos resulta absolutamente falta de originalidad y todo ello, bajo la premisa de saber adaptarse al particular ritmo del cine oriental, pues mientras presenta a los personajes y sus circunstancias, las cosas transcurren con cierta lentitud, hasta que en determinado momento, la acción se torna trepidante y apenas nos da respiro para pensar en las incongruencias de un guion que se torna algo confuso, de manera que no sabemos muy bien las razones exactas que mueven a las bandas a pelear entre ellas.

EL HOMBRE SIN PASADO

 

Hyo-jeong (Kim Hyo-seo), una yonki  que trabaja como bailarina en un club, roba un paquete con heroína a una banda de narcotraficantes. Su vecino es Cha Tae-shik (Won Bin), un antiguo agente encubierto que ahora está al frente de una casa de empeños, al que acude Hyo-jeong para empeñar una cámara de fotos y su funda, ocultando a Tae-shik que ha escondido la droga en su interior.

Los traficantes localizan y secuestran a Hyo-jeong y a su hijita Jeang So-mi (Kim Sae-ron), una niña que mantiene una peculiar relación de confianza con su vecino. Cuando los traficantes descubren que la droga está en el local de empeños, exigen a Tae-shik que les entregue el paquete y cuando éste les pide que liberen a madre e hija, le ordenan que haga una última entrega. Él cumple el encargo, pero al descubrir el cuerpo destripado, con los órganos extraídos, de Hyo-jeon, Tae-shik se da cuenta de que la vida de So-mi también puede estar en peligro y se enfurece ante la perspectiva de que la niña ya esté muerta, preparándose para una batalla, poniendo su propia vida en riesgo.

Mafiosos de maldad extrema, policías en busca de culpables y un hombre misterioso con formación militar, todo nos suena a cosa vista, sin embargo, no de la manera en que nos lo hace llegar Lee Jeong-beom.

La película es una carrera sin descanso, con escenas de violencia extrema que, repito, a pesar de haberlo visto en otras ocasiones, logra mantener la tensión de espectador con los pequeños detalles que la diferencian de otros films del estilo.

CUANDO ÉRAMOS MAYORES

 

Narrado por Rebecca, la protagonista del libro, una mujer de mediana edad, casada a los veinte años después de abandonar a su novio de la escuela secundaria y la universidad por un hombre mucho mayor tras un noviazgo de dos semanas. Se convierte instantáneamente en madrastra de tres hijas, da a luz a los veintiún años a una hija biológica y luego enviuda a los veintiséis, cuando su marido muere en un accidente automovilístico. 

Han transcurrido treinta años desde que pasó todo eso. Ahora es abuela de varios nietos y dirige el negocio familiar organizando fiestas en la antigua y espaciosa casa familiar mientras cuida a su tío político de noventa y nueve años. Todo el mundo ve como algo natural lo que hace, pero ella comienza a preguntarse cómo habría sido su vida si se hubiera casado con su antiguo novio.  Entonces lo busca, aunque tras el reencuentro y algunas citas posteriores, es consciente de que aquello no tiene futuro.

Supongo que las reflexiones de Rebecca son algo por lo que pasarán otras personas. ¿Cómo habrían sido  de distintas nuestras vidas si hubiésemos tomado un camino diferente? 

Seguramente no es la mejor novela de Anne Tyler, con personajes que tampoco es que nos digan demasiado y la secuencia de descripciones de una vida rutinaria en la que no se profundiza demasiado en los numerosos personajes secundarios que desfilan por él. 

La autora reflexiona sobre la importancia de los recuerdos y el inmenso coraje que se precisa para seguir adelante cuando, muchas veces, tus esfuerzos no encuentran, no ya recompensa, sino un simple reconocimiento. 

De cualquier modo, lo mejor del libro es que está bien escrito, pero la banalidad de sus vidas y la forma en que está contado, tampoco nos aporta demasiado en mi opinión aunque sí es cierto que la lectura resulta agradable, pero a más de uno le puede resultar un relato anodino.

LA NOCHE DEL 12

 

El joven capitán Yohan Vivés (Bastien Bouillon) tiene la teoría de que tarde o temprano llega a la vida de cualquier investigador un crimen que le persigue, se encuentra con un caso que duele más que los demás, sin saber muy bien por qué. Comienza uno a darle vueltas en la cabeza hasta el punto de convertirse en una obsesión. Yohan acaba de ser nombrado jefe de grupo en la brigada criminal de Grenoble cuando el caso del asesinato de Clara (Lula Cotton-Frapier) aterriza en su escritorio. Vivés y su equipo investigan la compleja vida y las relaciones de Clara, pero lo que comienza como una inmersión profesional y metódica en la vida de la víctima, pronto se convierte en una obsesión inquietante.

El guion se basa en el libro 18:3 Une Année à la PJ, de Pauline Guéna, publicado en 2018, producto de sus experiencias durante un año en el que estuvo inmersa en la investigación, entre otros, del feminicidio de Maud Maréchal, de 21 años, cuyo cadáver quemado fue encontrado la noche del 13 de mayo de 2013 en Lagny-sur-Marne, en los suburbios de París, llevada a cabo por la Policía Judicial (PJ) de París, caso en el que se inspira el film. 

En la película, el teléfono de Clara es recuperado y, gracias a él, el equipo de policías llega a conocer numerosos detalles de su vida íntima, revelando que ella tiene muchos compañeros sexuales y la mayoría son unos hombres que, de acuerdo con sus testimonios, la ven como una chica fácil. Algunos miembros del equipo policial ven esta situación como un factor determinante para el destino de Clara, ante lo cual Yohan se indigna por el machismo y la misoginia que esconde semejante afirmación. Sin embargo, cada uno de los compañeros sexuales de Clara es un claro sospechoso.

La cinta de Dóminik Moll es un drama policíaco, pero, al mismo tiempo, es un thriller psicológico que trata de indagar sobre cómo los crímenes en sí, la falta de una explicación lógica, la frustración causada por la falta de resolución y la transferencia de la carga emocional causada por el trabajo, afecta la vida personal de los policías. Esto convierte a esta cinta en un trabajo envolvente, incómodo y generador de discusiones y debates, que va mucho más allá de los thrillers al uso.

A BITTERSWEET LIFE

 

Sunwoo (Lee Byung-hun) no es sólo el gerente de un hotel, también es la mano derecha de un mafioso local llamado Kang (Kim Young-chul). El día que éste le ordena que vigile a su joven amante Heesoo (Shin Min-a), de la que sospecha pueda estar viéndose con otro hombre, su suerte cambiará fatídicamente. Enamorado en secreto de la chica, Sunwoo decide perdonarles la vida, aunque tiene la orden de matar a ambos si les descubre. Eso provocará la ira de su jefe, con consecuencias en extremo dolorosas.

Con momentos que podríamos calificar como poéticos y cierto encanto visual, la película se acompaña de una banda sonora realmente llamativa.

A pesar de todas estas cosas, el film de Kim Jee-woon es, por encima de otras consideraciones, una película de acción a través de la venganza del protagonista, con secuencias que reflejan gran brutalidad y tiros a mansalva. Quizá a algunos les parezca un poco larga y puede que la historia les resulte ya contemplada, pero me parece que es un film entretenido y que tiene sus momentos de relativa brillantez.

EL INOCENTE

 

Cuando Abel (Louis Garrel) descubre que su madre, Sylvie (Anouk Grinberg), que ronda los sesenta años, está a punto de casarse con un hombre que está en prisión, entra en pánico. Respaldado por Clémence (Noémie Merlant), su mejor amiga, hará todo lo posible para intentar protegerla. Pero su encuentro con Michel (Roschdy Zem), su nuevo padrastro, podría ofrecer a Abel nuevas perspectivas.

Abel desearía ser el hijo de una madre que lo tuvo cuando era joven, soltera y que lo crio sola, pero tiene la impresión que le toca ser, más bien, el esposo y el padre, debido al carácter ingenuo e incauto de ella. Y es que en la película hay varios inocentes, pero en el sentido de candorosos a los que se la pegan a la menor. 

Abel tiene la certeza de que el hombre del que su madre se ha enamorado como una quinceañera, va a volver a las andadas más pronto que tarde y se debate entre dejar que ella viva una temporada de felicidad o abrirle los ojos ante el desengaño que sabe llegará tarde o temprano.

El film mezcla una historia de atraco, con algún momento bien construido, y una comedia romántica. Tiene momentos divertidos, sobre todo cuando Abel sigue a Michel intentando descubrir sus intenciones y lo hace de forma realmente patosa; también complementa el asunto central con esos toques de humor el divertido personaje de Clémence, una interpretación por la que Noémie Merlant obtuvo el César en 2023 a la mejor actriz secundaria. 

Louis Garrel coescribe el guion, dirige y protagoniza un film que, sin ser una película maravillosa, consigue resultar entretenida, a veces algo simplona e inocente, como su título, pero técnicamente bien hecha y que resulta ideal cuando quiere uno ver algo que no ofrezca demasiadas complicaciones y no resulte absurdo o fallido.

JOINT SECURITY AREA

 

En la zona desmilitarizada que separa Corea del Norte y Corea del Sur, aparecen, en un puesto de control, los cadáveres de dos soldados norcoreanos muertos, supuestamente, a manos de un soldado surcoreano. Pero las 11 balas encontradas en los cuerpos, junto con las 5 balas restantes en el cargador del asesino, equivalen a 16 cartuchos para un arma que normalmente debería tener 15. Para investigar el caso se destina a la zona a una oficial del Departamento de Inteligencia Militar suizo, hija de padre coreano. El equipo de investigación sueco-suizo sospecha que una parte desconocida estuvo involucrada, todo lo cual apunta a algún tipo de encubrimiento. La verdad es mucho más simple y mucho más trágica.

El guion adapta la novela DMZ, del surcoreano Park Sang-yeon. El título de la novela hace referencia a la zona desmilitarizada por sus siglas en inglés (demilitarized zone).

El film, dirigido por Park Chan-wook, plantea el conflicto que se vive en el país asiático, dividido y con un alto el fuego permanente desde hace décadas que obliga a un frágil equilibrio que se vive de manera más intensa en la zona fronteriza. "Esto es como un bosque seco, cualquier pequeña chispa puede hacer arder el bosque entero", dice uno de los personajes. 

La película me ha recordado (salvando todas las distancia) el film de Christian Carion Feliz Navidad, más que nada por el asunto que trata y cómo lo hace, vemos a soldados de ambos bandos que, bajo determinadas circunstancias, descubren que los enemigos a los que les han pintado con cuernos y rabo, son en realidad personas como ellos, incluso hablan el mismo idioma, son de la misma raza y tienen familias, padres, hijos, novias, exactamente como ellos, pero al menor intento de confraternización, los superiores castigarán duramente a quienes se han acercado a sus hermanos del otro lado, tratándoles como traidores, porque no interesa que aquello se acabe y que quienes intervienen en el conflicto se ablanden. 

"En este mundo hay dos tipos de personas: los rojos de mierda y los enemigos de los rojos de mierda, la neutralidad no cabe aquí. Tiene que elegir su bando", le dice un oficial surcoreano de alto rango a la mediadora suiza. 

El film plasma muy bien las dificultades de solucionar aquello de manera racional, si es que hay solución. Aunque ambos países reiteran, a la menor ocasión, su interés supremo por la reunificación, ambos lo hacen desde posiciones que se antojan antagónicas, los unos porque desean que el nuevo estado se rija por los principios comunistas y, los otros, porque exigen que el comunismo quede postergado, hasta el punto de que la impresión que obtiene el espectador neutral es que realmente hay interés por ambas partes en que el conflicto continúe vivo. 

Un film muy interesante, con la parte de intriga planteada de manera que resulte atractiva para el espectador y que ayuda a comprender la situación que allí se vive en este inacabado, y parece que inacabable, conflicto socio-político que supone uno de los puntos de fricción más álgidos del planeta.

EL ROBO DEL SIGLO

 

Acassuso, Buenos Aires, 13 de enero de 2006. En un viernes soleado y aparentemente normal, el instructor de artes marciales y artista plástico Fernando Araujo (Diego Peretti) y su equipo de cuatro miembros cuidadosamente seleccionados llegan al acomodado barrio e irrumpen en la sucursal del Banco Río. Mientras los ladrones vacían docenas de cajas de seguridad repletas de millones de dólares, joyas preciosas y pesados lingotes de oro, los francotiradores del Grupo Halcón están a la espera de una orden. Más de un centenar de policías diseminados por el lugar aguardan las instrucciones de su jefe para asaltar el tranquilo edificio de dos pisos. Cuando reciben la orden de entrar se encuentran con lo inesperado: Armas de juguete y una veintena de rehenes asustados los esperan dentro; no hay señales del grupo de ladrones.

Basada en unos hechos que acapararon la atención mediática en Argentina en enero de 2006, se da la circunstancia de que el guion de la película, además de por Alex Zito está firmado por Fernando Araujo, el cerebro del robo en la vida real.

Además de los hechos ya conocidos, sobre todo por el público argentino, el film pone mucho énfasis en los preparativos, muchas veces a base de flashbacks y, sobre todo, en el retrato de los personajes, principalmente de los dos protagonistas del film, magníficamente interpretados por Diego Peretti y Guillermo Francella. 

Con buen ritmo narrativo y técnicamente muy conseguida, es una película que, además del interés que la historia consigue despertar en el espectador, resulta muy divertida, con un humor que ya en su momento algún crítico del país andino definió como "muy argentino".