LA NOCHE CAE SOBRE MANHATTAN

 

El fiscal del distrito de Nueva York asigna a Sean Casey (Andy García), un abogado novato, su primer caso: hacerse cargo de la acusación en el juicio más polémico y de mayor impacto mediático de la ciudad, en el que un traficante de drogas es acusado de asesinato, pero el asunto tiene implicaciones de corrupción policial. De la investigación del caso en cuestión se ocuparon su padre, que resultó herido, y otro policía, su compañero.

El guion adapta la novela "Tainted Evidence", del escritor, periodista y antiguo oficial del Departamento de Policía de Nueva York, Robert Daley, que, como en alguna otra de sus novelas, aprovecha su experiencia en el Departamento para fraguar la historias que relata.

De hecho, el libro se basa libremente en el caso real de Larry Davis, un traficante de drogas que disparó a seis policías, pero fue absuelto, tras acusar a la policía de intentar matarlo porque ellos estaban involucrados en el caso.

Al principio parece que estamos ante un film policiaco y judicial, pero no tardamos en darnos cuenta de que el verdadero asunto que desarrolla el guion es bien otro, enfrentando la ley y la justicia con los principios morales, incluso con los sentimientos. 

Casey se desempeña como uno más de los varios ayudantes del fiscal de Nueva York, llevando varios casos a la vez, casi siempre con el tiempo justo para preparar sus alegatos y sin apenas poder profundizar en detalles. Por una serie de casualidades, tras pocos meses en su puesto se ve impulsado a un meteórico ascenso, siendo promocionado para el cargo de fiscal general del estado. Al tiempo, irá cayendo en la cuenta de que los asuntos en que le toca intervenir no siempre se resuelven con la claridad de blanco o negro, sino que, como casi todo en la vida, aparecen los puntos intermedios y que ni todos los delincuentes son tan malos, ni los policías unos angelitos, descubriendo que le espera un mundo lleno de transacciones no siempre moralmente aceptables, sobre todo si los sentimientos personales entran en juego. 

Una película muy entretenida de seguir por el ritmo que Sidney Lumet logra imprimirle y con unas actuaciones de nivel. Nos presenta un mundo que se nos antoja muy cercano a la realidad, con arreglos judiciales y situaciones en que el mal menor se impone a la consecución de la verdadera justicia.

EL PRESTAMISTA

 

En el neoyorkino barrio de Harlem, tiene su negocio el amargado y solitario prestamista judío Sol Nazerman (Rod Steiger), un superviviente de Auschwitz carente de emociones y sentimientos. Sol perdió a sus familiares y amigos más queridos en la guerra y, con ellos, su fe en Dios y en la humanidad. Ahora sólo le importa el dinero y lo persiguen ensoñaciones, en realidad recuerdos de la época del campo de concentración. El asistente de Sol es el ambicioso y algo ingenuo Jesús Ortiz (Jaime Sánchez), que trata de separarse de la malas compañías y aprender con Sol a administrar su propio negocio. Cuando Sol se da cuenta de que el dinero que ayuda a blanquear al poderoso gángster Rodríguez (Brock Peters) también provienen de burdeles, recuerda el destino de su amada esposa en el campo de concentración y algo comienza a cambiar en él.

El guion adapta la novela del mismo título del escritor norteamericano Edward Lewis Wallant. 

Este film supuso el debut cinematográfico de Morgan Freeman, interviniendo fugazmente como extra.

Tremendo estudio sobre lo que hoy conocemos como estrés postraumático (en aquel lejano 1964, ni de lejos era contemplado como una enfermedad), el que nos acerca Sidney Lumet en este film tan interesante como olvidado. Con espléndida fotografía en blanco y negro de Boris Kaufman y una partitura de Quincy Jones que, según los entendidos, está entre lo mejor que hizo para el cine, la película se desarrolla en su mayor parte en la tienda de empeños del protagonista, prácticamente enjaulado, toda una metáfora de los peores momentos de su vida con los que sigue conviviendo. El negocio, a su vez, ubicado en un barrio pobre, peligroso y sucio, por el que Nazerman deambula como si lo que le rodea no fuera con él, sin duda, después de lo pasado, ni la miseria, ni el miedo por el entorno amenazador, hacen mella en él. 

Sol es un tipo descreído que lleva sobre sí la losa de su terrible pasado, ver desaparecer entre humillaciones y castigos a quienes más apreciaba, sin poder hacer nada, le ha dejado sin vida, sin sentimientos, vacío y, por si fuera poco, con un cierto sentido de culpabilidad por el simple hecho de haber sobrevivido. 

Enorme la interpretación de Rod Steiger, en este film que transmite como pocos han logrado la pesadumbre del ser humano hundido por las circunstancias de su vida. El film está repleto de flashes que reviven episodios del pasado de Sol, por un lado momentos alegres con su esposa, sus hijos y sus padres en un idílico paisaje fluvial y, por otro, las atroces secuencias del campo de exterminio, de la humillación que sufrieron, de los vagones cargados de seres tratados peor que ganado, de la desesperación. Quizá en estos tiempos, además de lo terrible del Holocausto, sirva para acercarnos y ayudarnos a comprender (si es que ello es posible), lo que puede ocurrir en el interior de algunas personas sometidas a la dura prueba de vivir una guerra, una catástrofe natural, un asalto, una violación, una emigración forzosa o cualquiera de las desgracias a que el ser humano puede verse sometido. Una película digna de ver.

PUNTO LÍMITE

 

Durante la visita del senador Raskob (Sorrell Booke) a una de las bases del Mando Aéreo Estratégico en Omaha, una serie de errores humanos e informáticos desencadenan una alarma que obliga a enviar una escuadrilla de aviones norteamericanos "Vindicator" a bombardear Moscú con armas nucleares. El presidente, para convencer a los soviéticos de que se trata de un error, ordena al Comando Aéreo Estratégico que ayude a los soviéticos a detenerlos.

El guion se basa en el best seller escrito por Eugene Burdick y Harvey Wheeler, publicado originalmente por entregas en el Saturday Evening Post, los días 13, 20 y 27 de octubre de 1962, durante la crisis de los misiles cubanos.

Política ficción pero que nos lleva a situaciones que resultan del todo creíbles para el espectador. Una historia de errores en cadena en la que los propios protocolos de seguridad son los que llevan a que la operación emprendida por los bombarderos norteamericanos sea imposible de abortar traspasado cierto límite, para impedir que los encargados de llevarla a cabo acaten ninguna orden que se les pueda transmitir con engaños procedente del enemigo que podría imitar la voz de propio Presidente o de otras personas para hacer creer a los aviadores que provienen del mando propio.

Filmada en la misma época que la película de Kubrick Dr. Strangelove, en este film, dirigido por Sidney Lumet, desaparece todo atisbo de sátira, para plantearnos una realidad que, por más que se nos olvide o que hayamos aprendido a convivir con ella, está bien presente y que los dirigentes de las grandes potencias, de cuando en cuando, nos traen a la actualidad en toda su crudeza. El peligro de la guerra nuclear, de la desaparición del planeta, pende sobre nosotros como una espada de Damocles, con arsenales de armas capaces de destruír varias veces el mundo conocido a nada que a uno de estos tipos se le crucen los cables en un momento determinado. A pesar de que el film parte de un error de los norteamericanos, que estos asumen y del que se hacen responsables, hacia el final de la película, en la conversación que el presidente mantiene con el primer ministro soviético, parece como si estuviera empeñado en repartir culpas, pero a pesar de estos deslices un tanto maniqueos, el film consigue mantener la tensión y, como digo, presentar una situación que resulta absolutamente posible.

LA OFENSA

 

Alterado psicológicamente por los atroces hechos que ha visto a lo largo de sus 20 años de carrera y alejado moralmente de su esposa, el sargento detective Johnson (Sean Connery), deja salir toda su ira contenida golpeando brutalmente y causando la muerte a un sospechoso de haber violado a varias niñas mientras lo interroga, poniendo en evidencia su propio estado mental, probablemente no mucho mejor que el de algunos de los delincuentes que han cometido los crímenes que tanto le perturban.

El guion adapta la obra teatral "This Story of Yours", del guionista británico John Hopkins.

Al principio nos parece estar ante un film de investigación al uso pero, tras un giro que ya se nos ha anunciado al principio, el film se centra en el verdadero motivo de la película: Un retrato psicológico del protagonista y, en menor medida, del sospechoso.

El personaje de Connery se nos revela como un ser amargado, podríamos decir que decepcionado por la vida, por su trabajo y lo que le ha tocado ver en él y por un matrimonio que le ha dejado insatisfecho. Siempre buscando culpables, los encuentra en los demás, incluída su propia esposa, a la que humilla y maltrata con sus sarcasmos, culpabilizándola de su frustración conyugal. Eso mismo hará con el sospechoso, él está convencido de que es culpable, pero le da igual lo sea o no, ya ha dictado su propia sentencia y decide ir más allá cuando siente que el hombre le ha desnudado y ha penetrado en lo más profundo de su esencia, ya que en un determinado momento, se produce una especie de intercambio de roles y los papeles de interrogado e interrogador, de detective y sospechoso, de culpable e inocente, parecen trastocarse. 

Dirigida por Sidney Lumet, imagino un tremendo trabajo de montaje, porque la narración rompe de cuando en cuando en cuando la línea temporal y porque las tres escenas más importantes del film: el interrogatorio, el diálogo entre los esposos en el domicilio de ambos y la entrevista del detective con el superintendente, están trufados de flashback que se insertan inesperadamente en la narración. Igualmente llamativas son las interpretaciones, sobre todo de Connery, del sospechoso interpretado por Ian Bannen y del gran Trevor Howard. 

Intenso estudio sobre los aspectos recónditos de la mente humana y del pasado que cuando va ligado a miedos, angustias, frustraciones y desesperación, puede llevar a una situación de desamparo y vulnerabilidad tal que, dependiendo de la propia forma de ser del individuo, le puede llevar a reacciones incluso peligrosas para quienes le rodean.

VIVIR PARA GOZAR

 

Johnny Case (Cary Grant), un hombre poco convencional, está prometido con Julia Seton (Doris Nolan), una chica de buena familia; así que debe adaptarse a la alta sociedad neoyorquina. Además, su novia quiere que trabaje en el banco de su padre, actividad incompatible con su carácter. Sólo Linda (Katharine Hepburn), la animada hermana de Julia, es capaz de comprender que Case desee vivir una vida diferente.

El guion adapta la obra teatral "Holiday", del dramaturgo norteamericano Philip Barry, autor, entre otras numerosas obras teatrales, de Historias de Filadelfia, llevada al cine, como esta, por George Cukor. 

Hay una adaptación ocho años anterior, dirigida por Edward H. Griffith. 

No voy a descubrir la habilidad de George Cukor a la hora de sacar partido incluso a asuntos con menos enjundia que este; ni a esos dos grandes intérpretes que fueron Grant y Hepburn, en este caso acompañados por unos secundarios, alguno de los cuales logra magníficas actuaciones; ni tampoco que la obra de Philip Barry, rompía algunas veces los cánones de Broadway y que sus obras más conocidas siguen la estela del teatro moderno de O'Neil, Ibsen o Pirandello, salvando las distancias, pero no nos engañemos, aunque el film es una sátira sobre la clase alta neoyorkina, eso tampoco convierte la película en un film revolucionario, siendo cierto que, repito, pone en solfa el llamado sueño americano y la idolatría por el dinero. No en vano, el autor de la obra teatral era una persona de espíritu más bien conservador, aunque por algunas de sus obras pueda parecer lo contrario, con una hermana monja y autor de algunas obras de carácter didáctico y moralizante y, si miramos con atención lo que vemos en pantalla, observamos a un tipo que no está dispuesto a dejarse seducir por las riquezas que le ofrece Wall Street y prefiere vivir la vida, pero ¡caramba!, se embarca en un crucero hacia Francia, es decir, que tampoco es que vaya con los bolsillos llenos de telarañas, me recuerda al propio Barry, que se pasó un año viviendo lujosamente en la Riviera francesa integrado en un círculo de amistades en el que estaban Scott y Zelda Fitzgerald, Gerald y Sara Murphy, Cole Porter o Archibald MacLeish. 

No obstante, cierto es que el film no es sencillamente una comedia romántica, sino algo más, con algunos diálogos ácidos e ingeniosos, con momentos divertidos, con esa crítica que hemos señalado y que está presente en todo el film y, quizá, con algún giro un poco interesado y nada explicado, como el cambio de actitud repentino de la prometida del protagonista que pasa de estar dispuesta a todo por amor a no querer ni oír hablar de llevar la contraria a su querido papá. En cualquier caso, es una comedia con cierto nivel y con todos los ingredientes para resultar un producto de lo más entretenido.

 

EL REPORTERO

 

David Locke (Jack Nicholson) es un desilusionado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas internacionales que facilitan la implantación de regímenes dictatoriales en algunos países africanos. En el hotel en que se hospeda, en África, se encuentra con un traficante de armas que muere repentinamente. Cuando el periodista es consciente de que tienen una apariencia similar, asume la identidad del recién fallecido, algo que le llevará a vivir situaciones muy arriesgadas.

El film desarrolla una historia de Mark Peploe (El último emperador), que también participa en el guion. 

Con una impresionante fotografía de Luciano Tovoli, además de en Argelia, Munich y Londres, la película se rodó en exteriores de Barcelona y en la provincia de Almería (además de en la capital, en Aguadulce, Rioja, Retamar, Cabo de Gata, Tabernas y Vera, en esta localidad se filmó el mítico plano secuencia final).

El protagonista es un hombre reflexivo, amargado, errático, que en lugar de verse varado en medio de ninguna parte por su deber de transmitir una crónica que nadie leerá sobre una guerra que a nadie le importa, parece estar refugiándose de algo, como si su trabajo en aquel lugar remoto y ardiente no fuera una maldición, sino una bocanada de libertad, de aire fresco, para una vida en la que se siente oprimido, prisionero. 

Antonioni nos ofrece su particular y pesimista reflexión sobre la vida, de la que hace una metáfora, con el polvo, el calor asfixiante y algunos de los diálogos, como el cuento/parábola del ciego que le cuenta David a la chica, sobre un hombre que recobró la vista siendo ya adulto y cuando vio lo sucio que era el mundo quedó tan aterrado que decidió suicidarse. 

Resulta recomendable verla en versión original, entre otras razones, para poder oír a Nicholson diciendo alguna frase en su peculiar castellano. Además, para nosotros, la película resulta muy curiosa, rodada en los estertores de la dictadura, ver a toda una figura de Hollywood, porque ya lo era entonces, mezclarse con los uniformes de la entonces Policía Armada o la Guardia Civil, interactuar con José María Caffarel, o la aparición de Joan Gaspart como recepcionista de hotel, igual que verlo deambulando por un paisaje poblado de logotipos comerciales españoles (Kas, El águila...), taxis y autobuses o modelos de vehículos que en aquellos años circulaban por nuestras carreteras. 

Es un cine sugerente cien por cien Antonioni, de lento desarrollo, con secuencias bien planificadas, plagado de silencios, miradas y sugestivos planos. Deudor del cine de autor, la cinta no tuvo el éxito esperado, pero en los últimos tiempos se ha recuperado como uno de los mejores trabajos del cineasta. Y además están Nicholson, muy contenido en este film, contra lo que suele ser habitual en él y la malograda Maria Schneider que jamás conseguiría quitarse el sambenito de mito erótico de los setenta.

GOOD MORNING, VIETNAM (BUENOS DÍAS, VIETNAM)

 

Un militar, locutor de radio, Adrian Cronauer (Robin Williams), es trasladado desde Creta a Saigón para trabajar en la emisora del ejército norteamericano. En contraste con sus aburridos antecesores, Cronauer es pura dinamita: sus comentarios irreverentes, tacos, improperios y sus críticas al vicepresidente le hacen ganarse el aprecio de las tropas. Sin embargo, su superior, el teniente Hauk (Bruno Kirby), no es de la misma opinión. 

En sus horas libres intenta conocer a los nativos del país, especialmente chicas, y comienza a ver cosas de la guerra real, esa que nunca aparece en la radio.

El guion desarrolla una idea del propio Adrian Cronauer, primero concebida como serie televisiva y, más adelante, al no ser aceptada por los estudios, como película para la televisión, aunque, según confesó él mismo, lo que se relata en el film y la forma en que se hace, no responde a su experiencia personal durante el tiempo que estuvo trabajando en la emisora del ejército en Vietnam y que únicamente toma algunos detalles de la misma.

Centrada en la figura del protagonista y sus monólogos, el resto de asuntos está tratado de forma somera, así en sus relaciones con los vietnamitas, los vemos divididos o bien en terroristas o en gente que asiste a las clases de inglés, donde aprenden, al tiempo, algo de la cultura norteamericana. En cuanto a esa crítica al ejército y sus métodos, tampoco es que sea nada del otro mundo ¿Qué se espera de una emisora que está dirigida por el propio ejército?: Censura, lógicamente, eso ha ocurrido, ocurre y ocurrirá en todas las guerras modernas donde la propaganda y la información cobran tanto valor como los propios combates. Además se nos presenta a los militares, el protagonista incluído, como seguros de que están allí para ayudar al pueblo vietnamita y las mofas al enemigo y, por extensión, al resto de la población, son constantes, es cierto que también se ataca a los dirigentes propios, pero, repito, creo que tampoco es para tanto. 

La parte cómica pierde bastante, tanto pon el transcurso de los años, como pon la dificultad de pillar algunas de las gracias desde una cultura que no sea la norteamericana, pues recurre mucho a la imitación y la parodia, tanto de personajes, como de acentos y formas de vida estereotipadas propias de EE.UU., así que no es únicamente cuestión de ver en V.O. o doblada, sino de que, salvo que estés muy sumergido en aquella cultura, apenas se pueden apreciar los chistes sobre el argot de Brooklyn, o el acento de este o aquel estado de la Unión. 

En definitiva, el film es Robin Williams y su personaje y lo demás queda un tanto marginado y, aunque la idea resultara original, no desarrolla con ninguna profundidad otros asuntos y, si encima, la parte cómica, excepto un par de chistes que sí nos arrancan una sonrisa, tampoco es que resulte demasiado graciosa (estoy hablando de mí, claro), pues eso, un film entretenido, pero que tampoco es nada del otro mundo.

EL REY PESCADOR

 

Jack Lucas (Jeff Bridges) fue una vez el presentador de un programa de radio famoso, arrogante y egoísta de la ciudad de Nueva York. Tras un comentario que le hace a uno de sus oyentes habituales, se produce un tiroteo con varios muertos y Jack se siente abatido por el remordimiento y el dolor, ya que se siente culpable. Tres años después, el único apoyo emocional y financiero que recibe es el de Anne (Mercedes Ruehl), su actual novia, propietaria de una tienda de vídeos. Cuando Jack toca fondo e intenta suicidarse, es atacado por unos jóvenes que le toman por un indigente y pretenden quemarlo vivo, siendo salvado por un hombre aparentemente loco y sin hogar que se hace llamar Parry (Robin Williams). Parry, antiguo profesor universitario, tiene problemas de salud mental a raíz de haber perdido a su esposa en una masacre, concretamente sufre alucinaciones y está obsesionado con obtener el Santo Grial. Cuando Jack descubre los antecedentes de Parry y la razón por la que llegó a donde está, siente que necesita tomar parte en su salvación. Se imagina que la manera de hacerlo es conectar a Parry con Lydia Sinclair (Amanda Plummer), una mujer tímida y descoordinada a quien Parry ama platónicamente. Al hacerlo, Jack puede que logre redimirse de su pasado.

Terry Gillian nos presenta en esta fábula un drama teñido de comedia, tratando de salvar los estándares de este tipo de films en su planteamiento y con un claro mensaje de esperanza que nos lleva al feliz final de la película.

Quizá esa originalidad y el particular sentido del humor que destila sea lo que resulta difícil de entender para algunos que tildan el film de barroco y de excesiva duración. En el fondo no deja de ser una historia de amistad y de búsqueda de redención de una culpa a la que Jack ha llegado por culpa de su soberbia, hasta que es consciente de lo que debe a los demás, dispuestos a sacrificarlo todo para ayudarle en su vida marcada por el egoísmo, que le lleva a reconocer que cuanto más tiene, más vacío se siente.

SIRENAS (MERMAIDS)

 

Rachel Flax (Cher), una excéntrica y sexy madre soltera, tiene dos hijas. La mayor, Charlotte (Winona Ryder), una adolescente que se avergüenza de las extravagancias de su madre, que atraviesa un momentos confuso en su vida que la lleva a querer convertirse en monja, a pesar de que ellos son una familia judía. La pequeña, Kate (Christina Ricci), sueña con llegar a ser nadadora olímpica. Rota su última relación sentimental, como de costumbre, Rachel se muda con sus hijas a una nueva ciudad. Allí, Charlotte descubre el primer amor, y Rachel conoce a Lou Landsky (Bob Hoskins), un peculiar vendedor de zapatos.

El guion adapta la novela del mismo título de la norteamericana Patty Dann, publicada en 1986.

Ambientada en los años 60, concretamente a caballo entre el 63 y 64 (el asesinato de Kennedy y el desconcierto que produjo en la población, queda reflejado en el film), estamos ante una película emotiva, con escenas muy divertidas y, por momentos, con un toque dramático. 

Bien interpretada, con una Cher a la que parece que le han hecho un papel a medida; Winona demostrando ya lo que más tarde se confirmaría, que es una espléndida actriz; Cristina Ricci, una niña encantadora que, como se dice coloquialmente, está para comérsela y Hoskins realmente bien. 

Es una historia de crecimiento, el de Charlotte, con las hormonas revolucionadas y de maduración, el de la madre, una mujer fuerte que, para evitar la dependencia de los hombres y que una relación fracasada la hunda en la miseria, cada vez que barrunta un problema, deja caer su dedo sobre cualquier lugar del mapa de los EE.UU., y sale por pies hacía un futuro sin ataduras sentimentales. Claro, esto, mientras las chicas son pequeñas (la menor aún lo es), se lleva más o menos bien, pero cuando empieza a afectarlas y te lo recriminan, comienzan a saltar las chispas, así que la madre tendrá que comprender que no puede seguir tratando a su hija mayor como a una niña.

LA MUERTE OS SIENTA TAN BIEN

 

La actriz Madeline Ashton (Meryl Streep) le "roba" el prometido, el cirujano plástico Ernest Menville (Bruce Willis), a su amiga Helen Sharp (Goldie Hawn) y se casa con él. Siete años después, Madeline solo vive por y para su físico, Helen tiene sobrepeso y depresión, y Ernest es un borracho que maquilla cadáveres. Pasan otros siete años, Helen ha escrito un libro y, para sorpresa y horror de Madeline, está delgada y guapa. Presa de la envidia y los celos, acude a visitar a Lisle Von Rhuman (Isabella Rossellini), una moderna bruja, cuya dirección le han facilitado en el centro de estética al que acude. Lisle le proporciona un elixir que le hace recuperar la juventud, pero descubre que la inmortalidad tiene un precio.

Película que marcó la senda de futuro en los efectos digitales. Estaba la tecnología, pero apenas se había hecho un uso somero de ella en el cine y este film, que ganó el Oscar a los mejores efectos visuales (por delante de films como Alien o Batman Returns), supuso el despegue de la utilización de los nuevos medios digitales que fue seguido de forma imparable hasta el presente.

Comedia en tono negro sobre el mito de la eterna juventud ambientada en el hipócrita mundo de Hollywood. Ni siquiera el trio de superestrella que encabezan el reparto, a los que se une el nombre de Isabella Rossellini, o la siempre espléndida puesta en escena, sello inconfundible de Robert Zemeckis, logra elevar el nivel de un film que es difícil tomarse en serio. Quizá la escena más divertida sea en la que interviene Sidney Pollack, interpretando a un médico que intenta hallar una explicación al enigma de que Madeline siga viva cuando su corazón no late. 

Parodia divertida solo a ratos y con un tono bastante exagerado.

1280 ALMAS

 

Lucien Cordier (Philippe Noiret) es el policía de un miserable poblado al que nadie toma en serio. Es un fracaso, todos, incluida su esposa Huguette (Stéphane Audran), lo humillan. Nunca arresta a nadie y mira hacia otra parte cuando ocurre algún altercado. Pero un día se convierte en un maquiavélico ángel exterminador.

Adaptación de la conocidísima novela negra 1280 Almas, de Jim Thompson. La acción de la novela transcurre en un lugar del sur de EE.UU., escenario que la película traslada al África Colonial Francesa en 1938, inmediatamente antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Para mi gusto, es una adaptación poco conseguida de la novela, el sentido de historia universal que se halla en esta, queda algo desvirtuado, pues parece que en a película de Tabernier, la narración está más ligada al entorno y a la época donde se desarrollan los hechos, eso sí, un entorno muy logrado, resultando la ambientación de los más atractivo del film. 

A cambio, el realizador francés nos obsequia con algunas secuencias de gran nivel, un par de ellas las recuerdo especialmente: La potente escena de apertura que, en cierta forma enlaza con el final y aquella otra en que el protagonista acude al cine al aire libre acompañando a la maestra. Ambas se desarrollan sin diálogos, salvo el final de la segunda, puro lenguaje visual, cinematográfico, cargado de lírica belleza, como versos intercalados en el relato.

LA CARNAZA

Tres jóvenes amigos parisinos, fascinados con el lujo y el dinero, planean asaltar a dos hombres ricos que forman parte de la lista de amistades de la guapa Nathalie (Marie Gillain), que se ofrecerá como cebo para engatusar a sus admiradores y robarles. Con el deseado dinero, los jóvenes pretenden abrir en Estados Unidos una tienda de ropa, y hacerse ricos.

El guion se basa en una novela del escritor francés Morgan Sportès, sobre un hecho real acaecido en Francia en l984.

Aunque por la propia naturaleza del asunto que trata lo sea, no estamos ante la mera crónica negra de unos horribles sucesos, ni ante el simple retrato de unos jóvenes niñatos, dos varones vagos, que ni siquiera buscan trabajo y viven a costa de Nathalie, en el piso que la madre de ella alquiló para su hija, mientras se pasan el día ganduleando, viendo la tele y quejándose del escaso rendimiento que les proporcionan los sablazos que propinan a la madre y la abuela de uno de ellos. Nathalie, por su parte, trabaja, como ella dice, de modelo-dependienta en una tienda de ropa y está absolutamente engatusada por su novio, que la maltrata y la hace de menos, ella se queja de que la trata como a una tonta, pero sigue con él y con el parásito de su amigo, un tipo reprimido y voyeur. Todos ellos tienen prisa por hacerse ricos, sin trabajar, claro, y más que una tienda de ropa, sueñan con montar toda una cadena de establecimientos en EE.UU., con establecimientos y dependientes que trabajen para ellos, mientras se dedican a gastar el dinero que supuestamente les van a rendir. Son unos inmaduros que se creen lo que ven en las películas, con una escasa formación intelectual, chapuceros y no demasiado inteligentes a la hora de preparar sus asaltos.

A través de ellos, Bertrand Tavernier muestra la miseria moral e intelectual de parte de la juventud contemporánea inmersa en el consumismo y la sociedad de masas. Ninguno de los tres protagonistas manifiesta turbación ni remordimiento alguno por tener que asesinar a sus clientes. Esta insensibilidad ante el crimen, ante el sufrimiento ajeno, no empujados por la necesidad, sino por el egoísmo y el afán de riqueza, es la reflexión a que nos lleva el relato de Tavernier; su mirada es desapasionada, es la de un distanciado terror sobre el vacío, el sinsentido y la amoralidad de esos jóvenes sin alma.

EL SEÑOR DE LA GUERRA

 

Decimotercera y última entrega de la saga "Sajones, vikingos y normandos", creada por la pluma del británico Bernard Cornwell.

Esta será la última aventura de Lord Uhtred de Bebbanburg, en ella, el autor crea un relato ficticio de la batalla de Brunanburh, librada en otoño del 937 d.C., en la que Aethelstan, soberano de los reinos de Wessex, Mercia y Anglia Oriental, derrotó al ejército capitaneado por el rey del territorio irlandés de Dyflin, Anlaf Gthfrithson y por Constantino de Escocia, a los que se había unido Strath Clota y sus guerreros nórdicos de lo que hoy son las Orcadas y las Hébridas. La Crónica anglosajona señala que "jamás hubo en nuestras islas una matanza semejante", y muchos años después, todavía se la conocía como "la gran batalla".

Fue indudablemente un choque formidable, una degollina como pocas ha habido y una de las más importantes contiendas habidas en suelo británico. Según los estudiosos, los hombres que combatieron y murieron en ese campo de justas forjaron la carta política futura. El futuro de la nación se decidió en un solo día y en un único escenario. Esa nación era Inglaterra y Brunanburh fue el instante de su fundación.

En cuanto a la novela y a su protagonista, Uhtred, después de haber contribuído de manera decisiva a la victoria del soberano al que había jurado lealtad, se retira a su fortaleza de Bebbanburg como auténtico Señor del Norte, dueño de unas tierras que se extienden desde el ventoso mar del Norte a las costas que miran hacia Irlanda, responsable de frenar a los escoceses e impedirles que desciendan hacia el sur y se adentren en las tierras que desde entonces serán conocidas como Englaland. Su gobierno impera sobre tierras más vastas que las de muchos que se hacen llamar reyes, pero Uhtred no se da a sí mismo otro título que el de señor de Bebbanburg, lo único que siempre quiso ser y mientras, ya anciano para la época, espera en su formidable fortaleza el momento en que las Nornas (esas viejas hilanderas del destino), corten los hilos que le unen a la vida, comparte su cama con la bella Benedetta y con su espada, "Halito de serpiente", para tenerla a mano y poder empuñarla en el instante de su muerte a fin de que los dioses le permitan entrar en el Valhalla y, una vez se encuentre en el vasto salón de los dioses, coincidir con muchos de los hombres con los que en su día luchó y envió al más allá, reconciliados por fin, festejando juntos y observando el mundo desde arriba, donde los hombres seguirán batallando, hasta que llegue el fin del mundo y todo perezca devorado por el caos.

Wyrd bid ful araed (El destino es inexorable).

DISTRITO 34: CORRUPCIÓN TOTAL

 

En medio de las calles neoyorquinas dominadas por la corrupción y la violencia, surge Mike Brennan (Nick Nolte), un oficial de policía que utiliza métodos poco ortodoxos. Después de matar a sangre fría a un ladrón de poca monta, alega que ha sido en defensa propia. De la investigación del caso se encarga Al Reilly (Timothy Hutton), el ayudante del fiscal del distrito. La inocencia de Brennan resulta difícil de probar, sobre todo cuando algunos testigos clave comienzan a estar amenazados. Todo parece apuntar a que alguien está tratando de encubrir a Brennan.

El guion adapta la novela Q & A, del escritor y Juez de la Corte Suprema de Nueva York, Edwin Torres, publicada en 1977, que trata sobre un teniente de la policía de Nueva York acusado de un presunto delito de corrupción.

Con música de Rubén Blades y diseño de vestuario de Ann Roth (El paciente inglés), Sidney Lumet nos acerca esta historia mil veces vista en el cine y que es una constante dentro de su obra: La corrupción policial. Pero lo hace con el pulso suficiente como para hacérnosla atractiva, sacando de los interpretes lo mejor de sí mismos (algo de lo que también tiene fama) y extendiéndola más allá del ámbito policial, hasta los grupos de poder que, en muchas ocasiones, toleran, si no alimentan directamente, esta compra de voluntades para manejar de cerca a quienes están llamados a mantener el orden. 

Cuanto más bajo te halles en la escala social, más papeletas llevas para que te sancionen si te saltas una luz roja. Si eres de los de arriba, por contra, seguramente viajarás por la vida rodeado de patrulleros que irán parando a los demás en las intersecciones para que te puedas saltar, no una, sino todas las luces rojas que encuentres a tu paso. Algo así nos viene a decir Lumet en esta pesimista y desesperanzada cinta que nos habla de un ingenuo y joven abogado, ahora trabajando en la oficina del fiscal, al que asignan un caso aparentemente sencillo: Un asesinato en defensa propia. Lo hacen por estar convencidos de que Al Reilly es un pardillo y que, por su condición de ex-policía, va a simpatizar con Brennan y sus métodos, siguiendo la senda que le marquen. Pero hete aquí que cuando va descubriendo los entresijos del caso y es consciente de cómo se las gasta el presunto homicida, está dispuesto a llevar a los corruptos ante los tribunales hasta que, con el alma partida, un amigo cercano a los círculos de poder oficiales, le revela la triste y cruda verdad: El sistema es capaz de enterrar este caso y otros de más grueso calibre. Algo que todos sabemos, porque cuando nos creemos curados de espanto, saltan a la palestra sospechosas decisiones de jueces y políticos sobre flagrantes actuaciones que quedan impunes o, como mucho, cargan con las consecuencias peones secundarios que son puestos a los pies de los caballos y a los que se tendrá en cuenta para futuras compensaciones.