miércoles, 13 de diciembre de 2017

POSDATA: TE QUIERO

Holly Kennedy (Hilary Swank) es hermosa, inteligente y está casada con el amor de su vida: un irlandés apasionado, divertido e impetuoso llamado Gerry (Gerard Butler).
La vida de Holly cambia de manera radical cuando Gerry fallece a causa de un tumor cerebral. Holly no encuentra sentido a su existencia sin tener al lado a la persona que llenaba sus días y precisamente, quien podría ayudarla es esa persona que ya no está allí. Realmente, nadie conoce a Holly tan bien como la conocía Gerry y el hecho de que la muerte fuera algo anunciado por la enfermedad, hizo que este ideara un plan que le será de gran ayuda a su esposa cuando él ya no esté. Antes de morir, Gerry le escribió a Holly una serie de cartas que la guiarán, no solo a través de su dolor, sino también la ayudarán a redescubrirse a sí misma. El primer mensaje llega en el 30 cumpleaños de Holly en forma de pastel, y para su sorpresa, una grabación de Gerry, que le dice que salga y procure divertirse. En las semanas y meses que siguen, más cartas de Gerry llegarán de maneras sorprendentes, cada una enviándola a una nueva aventura y cada una terminando de la misma manera, PD: Te quiero. La madre de Holly y sus mejores amigos comienzan a preocuparse de que las cartas de Gerry mantengan a Holly atada al pasado, pero de hecho, cada carta la empuja a seguir adelante en la vida.


El guión se basa en una novela de Cecelia Ahern y aunque la trama es algo diferente, el texto de las cartas, es más o menos, el mismo que en el libro.


Divertida por momentos, algo reiterativa en otros, sobre todo porque parece que el muerto no acaba de morirse, con esas cartas que van llegando de forma espaciada para guiar a su esposa por la vida, echando mano del increíble recurso de que parece que tenga dotes adivinatorias para saber exactamente donde y con quién estará cuando lea las cartas y, no sólo eso, sino incluso lo que están pensando quienes acompañan a Holly durante esa lectura.


Lo cierto es que la película empieza bastante bien, para después ir cayendo en algunos tópicos, aunque es cierto que no estamos ante la típica película que derrama edulcorante por los cuatro costados, sino que nos presenta a un matrimonio normal, con sus disputas, frustraciones, puntos de vista divergentes y, por supuesto, sus reencuentros y renuncias para que la pareja siga adelante.
Ya digo que está salpicado con buenas dosis de humor y que trata de huir de la búsqueda de la lágrima fácil, aunque a los más sensibles les hará mella en su corazoncito.
A tener en cuenta la buena selección musical y las correctas actuaciones.
Entretenida.




martes, 12 de diciembre de 2017

VENGANZA

Dos familias, Los Delahaye y los Clancy, por un lado socios y por otro enfrentados por el control de un exitoso negocio de importación y exportación con ramificaciones en el mundo del automóvil. Dos muertes misteriosas y unas cuantas preguntas sin respuesta encontramos en esta nueva entrega (la quinta de la saga de Quirke, el patólogo borrachín metido a investigador aficionado), en la que John Banville escribe bajo su seudónimo de Benjamín Black.
La prosa es, por momentos, portentosa, particularmente cuando Quirke, de vuelta a la bebida, nos traslada sus reflexiones.
Sin embargo, en algunas cosas, parece menos conseguida que otras de sus novelas, como si la intriga fuera demasiado blanda. La conexión de los dos mellizos Delahaye con la venganza, es tan obvia que se pierde el poder de conmoción sobre el lector. Quizá Black es consciente de ello y juega un poco con nosotros cuando uno de sus personajes dice que una novela de Agatha Christie es "bastante aburrida" o cuando la hija de Quirke discute la extraña necesidad de pistas falsas en las novelas de detectives.
De cualquier modo, las novelas de Benjamín Black no echan mano de todos los clichés del drama criminal y ahí radica buena parte de su disfrute.



lunes, 11 de diciembre de 2017

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

El cazador y veterano de Vietnam Llewelyn Moss (Josh Brolin), un hombre atormentado por los recuerdos que se ha traído de la guerra, descubre por casualidad la escena todavía caliente de una carnicería entre narcos en algún lugar de la frontera entre Texas y México en 1980. Moss descubre también, entre los cuerpos agujereados y los paquetes de heroína, algo más de dos millones de dólares depositados en un maletín. La droga quedará allí, pero Moss se ve incapaz de hacer lo mismo con el dinero que podría cambiar su vida y la de su esposa, Carla Jean (Kelly Macdonald), a la que ama y adora, pero con el dinero, se llevará también todos los problemas del mundo, porque su acción activa a esa implacable máquina de matar que es Anton Chigurh (Javier Bardem) -un mercenario a sueldo de los capos del cartel- para quien recuperar el dinero de sus jefes es apenas la excusa para apretar el gatillo, una y otra vez, de su extraña pistola cruzada con martillo neumático y poner en práctica su "mantra": nunca dejar testigos. Entre uno y otro, clásicos personajes típicos de estos relatos de frontera: esposas fieles y curtidas y un viejo sheriff -Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones)- veterano de la Segunda Guerra Mundial, recordando los viejos buenos tiempos y escondiendo un secreto que le duele pero lo mantiene vivo.


El guión, de los propios realizadores del film, los hermanos Ethan y Joel Coen, se basa en la novela del mismo título del escritor norteamericano Cormac McCarthy.
Aunque hay cosas de la novela que no aparecen en la película, prácticamente todos los diálogos están tomados de la misma, si bien de forma condensada.


Muy esperada película, en su  momento, del tandem Coen, tras la aclamada Fargo y después de que las siguientes no alcanzaran tanto beneplácito entre sus seguidores.
Lo cierto es que deja un sabor agridulce, por un lado, la violencia que retrata muy bien, como si fuera un elemento más del crudo paisaje, solo apto para hombres y mujeres con la piel curtida, por otro, algunas cosas que no acaban de encajar bien para el espectador medio, aunque quizá los más avezados (o quienes se dan de serlo) y, posiblemente, quienes hayan leído la novela de Cormac McCarthy, logren entenderlas y es que hay cosas de la novela que aquí no se captan bien, por ejemplo, el personaje de Tommy Lee Jones, que no es que lo haga mal, todo lo contrario, pero es que a veces no sabemos cómo encajar en el argumento sus disertaciones, sus frases cargadas de un humor negro que hace poca gracia o sus sueños recurrentes que no quedan explicados y se cierran con el abrupto final que acaba por descolocarnos del todo.
Además de eso, pequeños detalles que parece que los guionistas y realizadores, se sacan de la manga para que avance la historia y personajes a cuya presencia no encontramos demasiada justificación.


Perfecta realización en el apartado técnico, con planos muy buenos y un gran trabajo de montaje, para esta película en el mejor estilo del cine de violencia con cierta calidad que algunos califican como nuevo western y un sensacional trabajo de Javier Bardem que le valió los parabienes unánimes de la crítica y un bien merecido Oscar como mejor actor de reparto.




jueves, 7 de diciembre de 2017

ERES MI HÉROE

Dicen que la adolescencia es una etapa de descubrimientos, pero para Ramón (Manuel Lozano), como para la mayoría, fue un momento de confusión: el futuro, los estudios, el sexo, los cambios hormonales, el choque generacional... Ningún adulto de hoy en día saldría mínimamente cuerdo de los cambios que de la noche a la mañana le caen a un chico al borde de los 13 años en la Sevilla de 1975-76.
Dicen que la adolescencia es la parte más importante de la vida y para Ramón lo fue. Los acontecimientos que le ocurrieron aquel año, hicieron que resurgiera el luchador que llevaba dentro. Los que le rodearon y los que le amaron fueron los que le ayudaron a afrontar esos cambios tan cruciales. Dicen que la adolescencia te cambia para siempre... y para Ramón así fue.
"Eres mi Héroe" es una historia sobre los "cates" que te empieza a dar la vida a esa edad. Sobre la iniciación al sexo y los primeros pelos del bigote. Sobre la primera borrachera y las "guarrerías" de la edad. Sobre las leches que te pegan y las otras, las que te metes en la vida a los trece años cuando no tienes ni idea de nada.
"Eres mi Héroe" es también la historia de una época convulsa y agitada, la España de comienzos de La Transición. Unos tiempos marcados por el cambio, la ilusión y la lucha que, de una forma u otra, fueron decisivos en la formación de la personalidad de aquellos que los vivieron con intensidad. Unos tiempos que, también de una forma u otra, actualmente estamos volviendo a revivir.


En su segundo largometraje para la pantalla grande, Antonio Cuadri (realizador durante años de programas de televisión como "Las noticias del guiñol" y "Lo + Plus" o la serie "Al salir de clase"), vuelve a contar con buenos actores, menos internacionales quizá que los de su primer film, pero con un resultado que posiblemente es mejor. Eres Mi Héroe, desde el comienzo, te sumerge en la historia de Ramón, primero a base de humor, para seguir luego con cuestiones más serias como la amistad, el amor y la política. El inicio de la película puede hacerte pensar que va por un camino determinado de recuerdos de una época, pero enseguida te das cuenta de que detrás hay algo más. Eres Mi Héroe es un film para gente de varias generaciones, gente de todas las edades, el público adolescente se identificará con muchas escenas, mientras los más mayores recordarán esa etapa en la que cambió tanto la vida en nuestro país.


El mensaje político es una de las partes principales de la película, introducido por un Toni Cantó que consigue una buena interpretación dando vida a un sacerdote contestatario. El otro gran peso del film es la amistad, amistad que surge a costa de alguna nariz rota entre el protagonista y los chicos más problemáticos de la clase, cuatro actores noveles seleccionados entre más de 2.000 niños, que realizan un papel más que aceptable, entre ellos, Manuel Lozano (el niño de La lengua de las mariposas), estrella de la película con tan solo 13 años, también hace un buen papel.
La película utiliza de manera muy adecuada las nuevas tecnologías y los efectos especiales, aunque disimulados, están presentes en toda la película. Alex G. Ortoll, que ha colaborado en superproducciones como Titanic, Black Hawk Derribado o Minority Report, ha sido el encargado de reconstruir la Sevilla de los años 70, totalmente transformada tras la revolución urbanística del 92, con un resultado bastante sorprendente.
Tampoco quiero dejar de mencionar la cuidada banda sonora, con música de la sueca Carita Boronska y que incluye también canciones de la época en que transcurre la narración ("El Peso del Mundo" de Hilario Camacho, "Acalorado" de Los Diablos, una versión especial de "Señora Azúl" de Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, "Eres Tú" de Mocedades...)


La verdad es que en la película se alternan algunos momentos quizá un tanto panfletarios, que echan mano del recurso fácil de lo sentimental, con otros realmente logrados. Impagables, por ejemplo, esas escenas en las aparece Antonio Dechent haciendo de indio, que sale de la pantalla para hablar con el niño, o lo hace desde dentro del televisor mientras se enfrenta al general Custer.
En definitiva, una interesante película, bien realizada, con la que reiremos e incluso alguno se identificará. Un film en el que se hace un paralelismo entre el despertar al mundo adulto de un joven y el recorrido de toda una nación (la nuestra), hacia la democracia, uno y otros, encontrarán (encontraremos) que no todo va a ser vida y dulzura y que la libertad implica también decepciones, humillaciones, lágrimas, desengaños y, por supuesto, también sonrisas y buenos momentos.




miércoles, 6 de diciembre de 2017

LA NIEBLA

Después de una violenta tormenta en una localidad de Maine, el artista local David Drayton (Thomas Jane) se dirige en su automóvil desde su casa, junto al lago, con su hijo Billy (Nathan Gamble) y su arrogante vecino, el abogado Brent Norton (Andre Braugher), hacia el supermercado, para obtener suministros. En el camino, ven una neblina pesada, y más tarde, ven convoyes militares, policías, camiones de bomberos y ambulancias que se dirigen a ella. En el supermercado, un hombre llega gritando frenéticamente que hay algo vivo en la niebla. El gerente cierra la entrada principal pero la tienda está rodeada por la niebla. David, otro cliente y tres empleados van a la parte posterior de la tienda para poner en marcha el generador de emergencia. Cuando abren la entrada posterior, uno de los hombres, es capturado y arrastrado por unos grandes tentáculos. David y los tres supervivientes logran cerrar la puerta. Cuando le cuentan al resto de la gente de la tienda lo que sucedió, Brent no confía en su percepción, creyendo que es una broma. La temerosa de Dios Sra. Carmody (Marcia Gay Harden) , predica el Apocalipsis y dice que ella es una enviada del Señor en la Tierra. Pronto el grupo descubre que están bajo el asedio de criaturas sedientas de sangre de otra dimensión que han llegado a nuestro planeta a través de una ventana abierta por un proyecto de investigación militar fallido. La perturbada Sra. Carmody  tiene muchos seguidores y comienza a pronunciar discursos peligrosos. Sin ninguna alternativa, un pequeño grupo liderado por David decide arriesgarse, salir del supermercado y llegar a su automóvil, con la esperanza de escapar de la niebla.


Basada en la novela del mismo título de Stephen King. Se trata del tercer largometraje basado en una obra de King que dirige Frank Darabont, tras las exitosas Cadena perpetua y La milla verde.


Como otras películas basadas en las obras del maestro del terror, es una historia perturbadora que Darabont, que se ha convertido ya en un director de género y que domina bastante bien este tipo de adaptaciones, sabe trasladar a la pantalla, no solo en la forma, sino el mensaje implícito en la novela.
Con un formato que a muchos les recuerda las películas de Serie B, Darabont quería rodarla en blanco y negro, pero los productores no lo permitieron y quizá hubiera quedado mejor, ya que con el color, alguno de los efectos especiales no queda muy bien.


Y es que aparte de la tensión por ver cómo se resuelve la aterradora circunstancia que viven las personas encerradas en el supermercado, la película nos traslada un demoledor mensaje de fondo: La peor catástrofe para el ser humano, es el propio hombre y los peligros que nuestras propias veleidades nos pueden acarrear.
Darabont se inventa un final que no está en la novela y que hace aún más desolador el mensaje del film.
Una película entretenida, en la que quizá falte algo de tensión por lo previsible que resulta.




martes, 5 de diciembre de 2017

MUERTE EN VERANO

Richard Jewell, localmente conocido como Diamond Dick, dueño, entre otras cosas, del temido periódico sensacionalista Daily Clarion, aparece con la cabeza reventada por un disparo de su propia escopeta que aún sostiene entre sus manos. Su periódico insiste en que falleció a causa de una hemorragia cerebral (nótese la ironía), mientras en los mentideros se habla de suicidio. Sin embargo, la policía y Quirke pronto sospechan que se trata de un asesinato y se concentran en sus presuntos enemigos. Ardua tarea si tenemos en cuenta que muchos ciudadanos estarían felices de bailar sobre la tumba de Dick Jewell.
Quirke encuentra las dificultades típicas del investigador aficionado: acercarse demasiado a un testigo, ser "advertido" por amenazantes desconocidos..., pero también toca el territorio mucho más infrecuente del antisemitismo irlandés.
Sin embargo el punto principal de la novela, como lo es en otras de John Banville, es su brillante forma de trabajar con las palabras. Su manejo de la prosa y las referencias que encontramos a otros antihéroes del género, propician una adición fascinante a las filas de admiradores de este personaje lleno de imperfecciones personales en libros que nos invitan a esa mezcla de novela que sigue la linea del género, con una escritura brillantemente original.



lunes, 4 de diciembre de 2017

LA CARTA ESFÉRICA

Coy (Carmelo Gómez), un marinero desterrado del mar por un accidente de navegación ocurrido durante su guardia, conoce en Barcelona, en una subasta de objetos navales, a una mujer atractiva y misteriosa, Tánger Soto (Aitana Sánchez-Gijón),  que trabaja en el Museo Naval de Madrid y que, en dura pugna con un aventurero italiano, Nino Palermo (Enrico Lo Verso), consigue hacerse con una joya cartográfica: el Atlas Marítimo de Urrutia, destinado a los fondos del museo. Un cuarto personaje aparecerá aquí también en escena, Horacio Kiskoros (Gonzalo Cunill), un argentino de oscuro pasado que utiliza métodos mucho más expeditivos para conseguir lo que persigue. Coy irá descubriendo poco a poco que estos tres personajes tienen un objetivo común: el Dei Gloria, un bergantín hundido cerca de las costas de Cartagena hace ya tres siglos y que transportaba un misterioso tesoro relacionado con la expulsión de los jesuitas de España.
Fascinado por Tánger, Coy tomará partido por ella, defendiendo sus intereses y convirtiéndose en su escudero y protector aunque ello implique seguirla primero a Madrid y luego a un verdadero periplo iniciático que les hará recorrer la costa mediterránea de Cádiz a Cartagena, a bordo de El Buenaventura, un velero propiedad de el Piloto (Javier García Gallego), amigo leal de Coy que participará también en la búsqueda de este tesoro que les cambiará la vida a todos ellos.
El guión se basa en la novela del mismo título de Arturo Pérez-Reverte.


Poca chicha para una historia que merecía mucho más y que, salvando las distancia, podría haber sido una puesta al día de las clásicas películas de piratas, para quedarse en un quiero y no puedo, de aceptable factura técnica, con imágenes de fondos marinos y del velero recorriendo el Mediterráneo, pero claro, para ver estampas, puedes hacerlo con cualquier documental, que los hay y muy buenos.
Buen acompañamiento musical de Bingen Mendizábal y poco más, con unos actores que no dan más de sí, quizá porque el guión y la dirección tampoco lo hacen y algunas escenas realmente penosas.
Al final, película entretenida, siendo benévolos, y con una repetitiva voz en off del protagonista que llega a hacerse molesta.
Para redondear el sinsentido, de cuando en cuando, nos meten algunas frases literales de la novela de Pérez-Reverte que quedan pretenciosas y mal encajadas.




viernes, 1 de diciembre de 2017

EXPIACIÓN, MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN

Inglaterra, 1935. A pesar de la creciente amenaza de la II Guerra Mundial, Briony Tallis (Saoirse Ronan, a los 13 años; Romola Garai a los 18 y Vanessa Redgrave en la madurez) y su familia viven como auténticos privilegiados en su enorme mansión victoriana neogótica. Toda la familia se reúne para el fin de semana, pero el opresivo calor y las emergentes emociones reprimidas crean una soterrada sensación de peligro. Briony, una precoz escritora en plena adolescencia, es una chica con mucha imaginación. Una serie de catastróficos malentendidos provoca que acuse a Robbie Turner (James McAvoy) —el hijo del ama de llaves y amante de su hermana Cecilia (Keira Knightley)— de un delito que no ha cometido. La acusación destruye el amor naciente entre Robbie y Cecilia, además de cambiar dramáticamente el curso de sus vidas.
Los Tallis habían pagado los estudios de Robbi en Cambridge y ahora planea comenzar a estudiar medicina. Tras un equívoco incidente que se desarrolla en la fuente que adorna los jardines de la mansión y que Briony malinterpreta , esta lee una carta de Robbie destinada a su hermana Cecilia, llegando a la conclusión de que el chico es un depravado, así que cuando se produce la violación de su prima Lola (Juno Temple), Briony declara a la policía que vio como Robbie cometía el hecho.


Basada en la novela Expiación (Atonement en inglés) de Ian McEwan.


La historia está estructurada en tres partes, la primera transcurre durante el día más caluroso de 1935 en casa de los Tallis, en Surrey; un día extraño en que el calor parece afectar el comportamiento de los miembros de la casa.
La segunda transcurre en 1940, durante la II Guerra Mundial y la tercera, es lo que podríamos llamar la expiación del pecado de Briony.


La película, con siete nominaciones a los Oscar, se llevó el de mejor banda sonora, que incluye una delicada música de Dario Marianelli, parte de la cual gira al compás de las teclas de la máquina de escribir, todo un acierto y, en cierto modo, un homenaje y un signo de respeto al texto de Ian McEwan en el que el proceso de creación literario de Briony, está siempre presente.


Con una ambientación prácticamente perfecta y una lograda fotografía, la película tiene dos elementos icónicos, uno que es totalmente superfluo para mucha gente, el vestido verde que luce Keira Knightley durante la noche del caluroso día de verano, elegido por algunas revistas especializadas como uno de los más llamativos del cine de todas las épocas; el otro elemento es el sensacional plano secuencia de cinco minutos en el que la cámara está siempre en movimiento, un prodigio de planificación, con personajes desapareciendo y volviendo a aparecer en escena y con un continuo desplazamiento de seres y objetos, todo ello encajando como las piezas de una perfecta maquinaria. Se que se hicieron cinco tomas para este plano y creo que se eligió la tercera, lo que no se es cuanto tiempo estuvieron preparándolo todo para que saliera tan redondo.
He leído críticas al respecto, diciendo que el larguísimo plano no aporta nada a la historia, lo que en cierto modo es verdad, que sólo contribuye al lucimiento de Joe Wright. Y yo me pregunto, si cualquier película no es un ejercicio de lucimiento, igual que lo es un cuadro o una composición musical, más allá de que quiera expresar otras cosas. En cualquier caso, alguna gente va al cine, no sólo a seguir una historia, que también, sino a regalarse los ojos con buenas imágenes.


Con unas espléndidas interpretaciones y algunas imágenes realmente muy bonitas y técnicamente complicadas, el film trata de resolver, recurriendo a flashbacks, lo que en la novela es una constante, que es la narración desde puntos de vista diferentes. El montaje, que se encuentra con dificultades a la hora de casar estas cosas, está bien resuelto, pero no siempre se logra trasladar a la pantalla lo que nos da el libro y es que realmente es complicado.
De cualquier modo, estamos ante una desgarradora historia a amor, original y atractiva. Es cierto que la primera hora de película, de gran fuerza narrativa y visual, puede hacer que algunos queden un tanto decepcionados con la segunda mitad, más oscura y quizá menos llamativa, pero en cualquier caso, estamos ante una película bien hecha, con un guión que adapta una buena historia y con algunos planos realmente muy bonitos.




jueves, 30 de noviembre de 2017

TIERRA Y LIBERTAD

A la muerte de David Carr (Ian Hart), su nieta Kim (Suzanne Maddock), encuentra dentro de una maleta, algunos recuerdos de su abuelo (recortes de periódicos; un pañuelo rojo con tierra, presumiblemente española envuelta en él; añejas fotografías...). A partir de ahí, la película narra la historia del propio David Carr, un joven inglés en paro que decide dejar su Liverpool natal y acudir como voluntario antifascista a la España de 1936 en plena guerra civil. Lógicamente combatirá del lado de la república, ya que está afiliado al partido comunista de Inglaterra. Luchará al lado de otros muchos voluntarios procedentes de países vecinos (Italia, Alemania, Francia...) y de Norteamérica que, como él, llegaban para combatir contra el fascismo en España.
David es destinado al frente de Aragón, allí conocerá a Blanca (Rosana Pastor), una atractiva española, militante del POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista). David y Blanca están convencidos de luchar por la defensa de la libertad. La igualdad entre las personas y el compartir tierra y bienes, sin existencia de clases sociales son los ideales que defienden. Pero a veces el enemigo no solo está en las filas del bando adversario, sino que aquellos que parecen luchar por sus mismos o parecidos ideales, pueden acabar convertidos, por razones de interés político, en sus enemigos más peligrosos.


Con guión del propio Ken Loach (realizador del film) y de Jim Allen en base al visionado de numerosos documentales (nada de ficción) y de leer textos básicos de protagonistas directosHomenaje a Cataluña (George Orwell) o Cuaderno rojo español (Mary Low y Juan Breá), es una coproducción española, alemana y británica.


En Tierra y libertad no hay sitio para el romanticismo, aunque haya una historia de amor dentro de ella, porque, como asegura su realizador, "la guerra civil española nunca fue una historia romántica". No aparecen los románticos escritores o poetas que la literatura se ha encargado de mostrar. Es la clase obrera la que lucha en las barricadas. "La misma idea de que la guerra tenga algo de romántica también sirve a una función política y oscurece o tapa lo que ocurrió de verdad". Lo que de verdad atrajo a Loach es lo que para él era la historia de una gran esperanza, uno de los pocos momentos en la historia de la humanidad en los que se ve que la gente toma el control de su propia vida.


La película nos acerca a uno de los episodios más vergonzantes y olvidados de la Guerra Civil Española: El aniquilamiento del POUM acusado de formar parte de una pretendida conspiración internacional contra el comunismo y la Unión Soviética, deteniendo a sus dirigentes y disolviendo sus milicias en el frente. El partido trotskysta se había convertido en una molestia para las autoridades de la República acuciadas por los comunistas y la necesidad de que Stalin siguiera vendiendo armas y suministros a los republicanos españoles hizo que el partido de Nin y Maurín, descabezado y proscrito, pasara a la clandestinidad.
Todo esto, los intentos de colectivización de la tierra, llevados a cabo por poumistas y anarquistas en Aragón y Cataluña, se ve reflejado en la película, si bien es cierto que, bajo mi punto de vista, quien no conozca la historia, puede que encuentre la narración algo embarullada.
Rodada con no muchos medios, en algunas escenas, como la del debate y posterior votación para decidir si se colectiviza o no la tierra, interviene gente de los lugares donde fue rodada, incluso con frases de guión, como si fueran uno más de los actores del film, lo que, en algunos pasajes le da un cierto aire de frescura y de documental.
En cualquier caso, es una película muy interesante que deja al descubierto algunas de las vergüenzas del bando republicano y los manejos del todopoderoso PCE, convenientemente aleccionado por los asesores soviéticos enviados por Stalin.
Es verdad que la película da algunas pinceladas sobre los debates entre si primero era ganar la guerra y después vendría la revolución y los que defendían que ambas cosas iban unidad; el papel de la mujer, que fue cambiando a lo largo del conflicto; el propio enfrentamiento entre los republicanos o la intervención de los voluntarios extranjeros, sin entrar en mayores detalles, como la importancia que para la CNT tenía el edificio barcelonés de telefónica o la represión, tortura y asesinato de los miembros del POUM, que se ve reflejada someramente, pero lo que sí logra el film es poner de actualidad estos hechos medio escondidos por la historia y despertar el interés de quienes quieran profundizar en otras fuentes sobre aquellos acontecimientos.




miércoles, 29 de noviembre de 2017

EL CORAZÓN DE LA TIERRA

España, finales del siglo XIX. Una poderosa compañía inglesa obtiene una concesión para explotar durante 30 años las minas de Riotinto, en Huelva. Blanca Bosco (Catalina Sandino Moreno), una niña de nueve años, y su inseparable amiga inglesa Kathleen (Sienna Guillory), sobrina del director británico, son testigos de las miserables condiciones de vida de los trabajadores, entre los que abundan niños, y de la terrible contaminación atmosférica. Cosechas, ganado, árboles, ríos, pero sobre todo la población, desde la sierra de Sevilla hasta el sur de Portugal, sufren la agresión de los humos tóxicos. La llegada al pueblo de Maximiliano Tornet (Pablo Durán), un revolucionario anarquista llegado desde Cuba, de quien se enamora la madre de Blanca, representa una esperanza para todos. Mineros, agricultores y miles de personas venidas de toda Huelva, lo siguen el 4 de Febrero de 1888 en una manifestación pacífica: la primera protesta ecológica de la Historia. Exigen la mejora de las condiciones de trabajo y que se ponga fin a la emisión de los gases tóxicos, que ha sido prohibida por el Parlamento Británico desde hace 30 años. Pero la influyente compañía no está dispuesta a reducir sus beneficios económicos. Medio centenar de soldados, enviados por el Gobernador, hombre muy dócil a los dictados de los ingleses, toman posiciones dispuestos a abrir fuego en la Plaza de Riotinto.


El realizador y guionista Antonio Cuadri (Trigueros, Huelva, 1960), adapta la novela homónima de otro paisano, el riotinteño Juan Cobos Wilkins, en la que narra los acontecimientos del llamado “El año de los tiros”. El 4 de febrero de 1888, cuando mineros, agricultores y miles de personas venidas de toda Huelva, se manifiestan de forma pacífica en Riotinto. Exigían mejorar las condiciones de trabajo y que se terminara la emisión de los gases tóxicos, prohibidos por el Parlamento Británico desde hacía 30 años, pero que las compañías inglesas seguían utilizando en sus "colonias" (en este caso, en España). Este sistema consistía en la extracción del mineral en “teleras”, método de calcinación al aire libre. La contaminación atmosférica afectó a las cosechas, ganado, árboles, ríos, pero sobre todo a la población humana, que venía sufriendo sus consecuencias desde 1873, cuando la Rio Tinto Company se hizo con la concesión minera.
BlancaKathleen vivieron estos acontecimiento siendo niñas y quince años después, convertidas ya en jóvenes, reciben en un acto festivo en la estación de ferrocarril al nuevo director de la mina y a su apuesto guardaespaldas venidos de Estados Unidos, una dolorosa cicatriz perdura silenciosa y profunda en el corazón de todos.


Película de impecable factura técnica y de gran belleza formal, estupendamente ambientada, con escenas de auténtica postal destacando las tomas de las minas con gran angular y el empleo de grúas para los planos aéreos.
Las críticas, sin embargo, son, por lo general, demoledoras con la forma de narrar la historia a la que tachan de falta de garra, de no saber retratar en condiciones el conflicto y refugiarse en la parte de la historia sentimental de sus protagonistas y de deficiente dirección de los actores.
Mi sensación es que, por momentos, parece todo muy artificial, los actores con falta de garra en sus interpretaciones y los movimientos de masas poco conseguidos y faltos de una cierta épica que le vendría bien para enganchar más al espectador.
Sin embargo, hay que saber apreciar el esfuerzo de aproximarnos a un acontecimiento prácticamente desconocido de nuestra historia reciente, aunque sea con este aire de telenovela que quizá desluce un poco el resultado final del relato de esta lucha desigual que mantuvieron nuestros paisanos andaluces con la todopoderosa empresa inglesa que blandía como argumento principal que les daba de comer aunque fuera a cambio de hacer irrespirable el aire.




martes, 28 de noviembre de 2017

EN BUSCA DE APRIL

April Latimer, es amiga de la hija de Quirke, Phoebe, y Phoebe teme que April esté muerta, por lo que decide pedir ayuda a su padre, para ver si logra enterarse de qué es lo que le ha podido pasar a su amiga para que desaparezca sin despedirse de nadie. La búsqueda de Quirke lo lleva rápidamente a un conflicto con la familia de la chica, con muchas y buenas conexiones en Dublín, un clan que sabe que el poder hace lo que quiere, que la ley tiene un precio, y que cuenta con un antepasado que es toda una leyenda de la independencia irlandesa. Quirke, persistente, recurre a la ayuda de un amigo policía, el inspector Hackett y ambos se enfrentarán al muro familiar que no quiere que el asunto se remueva.
La escritura tiene una elegancia y una ligereza que supera a la sencilla trama que, casi, pasa a ser lo de menos. Black evoca el Dublín que conoce con un amor que destila cierta amargura. La sensación es que Black le debe mucho a Ross Macdonald, Raymond Chandler o Georges Simenon, grandes escritores de misterio del período en el que John Banville ha elegido colocar sus propias incursiones en el género.
El libro está impregnado de cierto pesimismo temático al que da brillo la escritura y las descripciones que parece que iluminan la densa niebla dublinesa.



lunes, 27 de noviembre de 2017

EL AMOR EN LOS TIEMPOS DEL CÓLERA

Florentino Ariza (Javier Bardem), un joven que trabaja como telegrafista, se enamora locamente de Fermina Daza (Giovanna Mezzogiorno), una joven que pertenece a una familia acaudalada. Comienza entre ellos una apasionada correspondencia epistolar que se verá abruptamente interrumpida cuando el padre de ella, tras descubrir el idilio, decide llevársela lejos de su amante.
Para garantizar que Fermina permanence lejos de Florentino, Lorenzo Daza (John Leguizamo) la somete a un penoso viaje para llevarla a vivir con unos parientes en una zona rural alejada pero Fermina y Florentino encuentran una forma de enviarse telegramas secretos, continuando así su romance personal. Pero la promesa de una vida juntos se desvanece cuando Fermina vuelve a Cartagena hecha toda una mujer y descubre que el sueño de su amor es muy diferente en la realidad.
Ella acabará casándose con Juvenal Urbino (Benjamin Bratt), un médico culto, mientras Ariza buscará consuelo en los brazos de cientos de mujeres en un intento desesperado de sanar su corazón roto, pero jamás encontrará el amor en ninguna.
Tras cincuenta años de matrimonio, Urbino cae accidentalmente de un árbol y como consecuencia de ello, fallece. Ariza acude al funeral e inmediatamente retoma el cortejo a su antigua novia que ha seguido siendo durante todos esos años el gran amor de su vida.
El guión se basa en la conocida novela del Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, inspirada en la historia de amor de sus propios padres


El clásico film que se ven con ojos distintos quienes han leído el libro y quienes no lo han hecho.
Para estos últimos, quienes todavía no se han asomado a las páginas de la novela de García Márquez, pienso que puede ser una película, cuando menos, entretenida, si no emotiva y muy agradable de ver, con una bella fotografía que saca partido de los paisajes colombianos en que se rodó el film y un buen trabajo de Javier Bardem en su papel de peculiar y constante enamorado. Una historia de amor hermosa y diferente, tratada con sensibilidad y que acaba enamorando al espectador.
Los que leyeron la novela, en su mayoría, dejan ver que el film les decepciona y es que trasladar la magia del autor colombiano a la pantalla es una tarea tan complicada que, hasta ahora, las adaptaciones que se han hecho de las novelas de García Márquez para el cine, no es solo que salgan perdiendo, es que son bastante malas comparadas con la excelsa prosa del Premio Nobel.




viernes, 24 de noviembre de 2017

CHUECATOWN

Leo (Pepón Nieto) y Rey (Carlos Fuentes) son una pareja de gays que viven en el barrio madrileño de Chueca. Son un tanto atípicos, no tienen gusto para la moda, les gusta el fútbol, no tienen un duro y están pasando por una crisis de pareja, pero dentro de lo que cabe, viven felices.
Al mismo tiempo, en el barrio se están produciendo extraños crímenes de ancianas. El asesino, Víctor (Pablo Puyol), es el dueño de una inmobiliaria cuya máxima aspiración es convertir Chueca en un barrio modelo donde todos sus habitantes sean jóvenes, modernos y guapos viviendo en casas de lujo reformadas. Para ello se dedica a asesinar a todas aquellas ancianas que no quieren venderle el piso
Víctor mata a la vecina de Leo y Rey que, sin que ellos lo supieran, había testado en favor de la pareja dejándoles el piso. Rey le regala el piso a Antonia (Concha Velasco), su madre, una mujer mayor, fumadora, desvergonzada, contestona, que odia a Leo a muerte. Víctor, al ver que el piso ha sido ocupado por una nueva anciana se dedicará a partir de ese momento a intentar deshacerse de la nueva inquilina. Pero Antonia es un hueso duro de roer.
Víctor, en su afán de conseguir el piso y de cargarse a la vieja, algo que ya se ha convertido para él en algo personal, se acercará poco a poco a Leo, seduciéndolo y engañándolo, haciendo que su ya maltrecha relación con Rey empeore aún más.


El guión se basa en la serie de comics del mismo título de Rafael Martínez Castellano, aunque en palabras del propio Rafael, la película no tiene absolutamente nada que ver con el cómic.


Es una lástima que los productores se empeñaran en hacer una película tipo "Torrente", cuando la idea de los comics, creo que da para hacer una comedia bastante más imaginativa que esta.
Aunque los protagonista son una pareja gay y se desarrolla en el barrio de Chueca, el centro de la película son los asesinatos de ancianas y la resolución de los mismos, con una cierta crítica de fondo al problema inmobiliario, así que los protagonistas podrían haber sido otros cualesquiera.
Creo que a la película le falta mucha fuerza, se va hacia lo vulgar, incluso chabacano y trillado a la hora de busca el punto humorístico y eso hace que acabe por hacer poca gracia, para colmo, la resolución final está muy poco conseguida.




jueves, 23 de noviembre de 2017

EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA

Irlanda, 1920. La Irlanda rural es el cruel escenario de la batalla que libran las fuerzas de seguridad británicas y la población unionista irlandesa que se opone a ellos. Unos campesinos se unen para formar un ejército de guerrilleros voluntarios y enfrentarse a los despiadados Black and Tans (Negro y Caqui, por el color de sus uniformes), tropas británicas que habían sido enviadas para sofocar las aspiraciones independentistas de Irlanda. Llevado por un profundo sentido del deber y por el amor hacia su país, Damien (Cillian Murphy) abandona su prometedora carrera de médico y se reúne con su hermano, Teddy (Padraic Delaney) para formar parte del IRA local, en una peligrosa y violenta lucha por la libertad. Cuando la lucha de los insurgentes lleva a los británicos a un punto crítico, las dos partes firman un tratado para poner fin al derramamiento de sangre. Pero, a pesar de la aparente victoria, estalla la guerra civil, y las familias que habían estado luchando hombro con hombro se ven desgarradas, y sus miembros convertidos en enemigos.
Mientras Teddy, adopta una actitud más pragmática, Damian se une a la facción secesionista.


Ken Loach, revisa parte del proceso de independencia de Irlanda, su guerra contra Inglaterra y el posterior enfrentamiento civil, a través de las vicisitudes de dos hermanos de futuro, en principio, divergente, cuyo destino se une en la lucha contra el dominio extranjero, separados y enfrentados más tarde por una distinta toma de posición en el conflicto.
El film fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2006.
La película va etiquetada como "cine español", porque, aunque algunos lo desconozcan, la empresa española Tornasol Films, S.A., es coproductora de la misma.


Loach nos ofrece un inteligente film, bellamente fotografiado, sacando mucho partido al paisaje en que se desarrolla la historia, en la que reflexiona sobre la amargura y la furia de la guerra civil en Irlanda tras la proclamación del llamado Estado Libre Irlandés de 1922.
Desde algunos ámbitos se ha criticado la representación con excesiva crueldad de los Black and Tans, aunque lo cierto es que el realizador británico no ahorra detalles para referirse a los métodos del IRA y su forma expeditiva de actuar en determinadas circunstancias, la escena en la liquidan de un tiro en la cabeza al joven mozo de granja que proporcionó a la policía detalles de su escondite, sin atender a razones de las circunstancias en que se produce esta delación, es suficientemente cruda para dejar en evidencia que los independentistas tampoco se andaban por las ramas a la hora de recurrir a procedimientos radicales.
Es cierto que las afinidades de Ken Loach quedan claras, en el film se sabe de parte de quien está, al fin y al cabo su ideología es la que es y no renuncia a su pensamiento socialista (recordemos su pasada militancia ligada al trotskismo) y, desde luego, creo que la película no mantienen la equidistancia, aunque tampoco imagino que lo pretendiera.
Es un tema delicado, hubo mucha sangre de por medio y mucho odio que salió a la luz. Loach nos ofrece un magnífico retrato de una época y un conflicto que aún está vigente (Irlanda del Norte forma parte del Reino Unido), una película muy poderosa, en la que el enfrentamiento entre los dos hermanos es una magnífica parábola del conflicto civil que enfrentó a quienes habían combatido codo a codo.
Otra cosa es que alguno se pregunte si nos está contando algo nuevo y si es una lección de historia ¿cuál es esa lección en nuestros días?