martes, 30 de junio de 2026

EL CASO DEL SAMBRE

 


Narración dramatizada que detalla las actividades de un violador en serie y los procedimientos defectuosos de la policía y la justicia durante treinta años, desde 1988 hasta que el culpable fue juzgado en 2022. 
El guion se basa en el libro Sambre, radioscopie d'un fait divers de Alice Géraud. En el caso real un hombre violó, probablemente, a más de cien mujeres a lo largo de 30 años impunemente. No se sabe con certeza cuándo empezó, pero la primera víctima conocida fue en 1988 y la última en 2018. 
Uno de los personajes principales, Christine (Alix Poisson), la primera víctima, a quien vemos en cada uno de los seis episodios de la serie, no es exactamente un personaje real, sino una especie de compendio de tres o cuatro de las víctimas. La serie ofrece una crítica sobre algunos procedimientos en la investigación y, a pesar de la violencia que rodea los ataques, se muestra muy poco en pantalla y la presentación está muy cuidada huyendo del sensacionalismo. 
Dirigida por el escritor, productor y realizador francés Jean-Xavier de Lestrade (especialmente conocido por sus documentales que exploran casos criminales en Estados Unidos y ganador del Oscar en 2001 al Mejor Documental por "Asesinato en la mañana del domingo"), la serie indaga en la respuesta social y en un sistema que lleva fallando durante décadas, cuando se trata de afrontar de una forma sensible y resolutiva, los crímenes sexuales contra las mujeres.




lunes, 29 de junio de 2026

ROMA

 


Retrato del bullicioso paisaje urbano de la capital italiana bajo la particular perspectiva de Federico Fellini, uno de sus más emblemáticos habitantes.


Un retrato prácticamente sin argumento al uso, llamativo e impresionista, de Roma, que mezcla la autobiografía (una reconstrucción de la llegada de Fellini a Roma durante los años de Mussolini; un viaje a un burdel y a un auditorio), con escenas de la vida romana actual (1972): el tráfico colapsado en las cercanías del Circo Máximo; un estridente viaje por Roma al anochecer; seguir a un equipo arqueológico durante la construcción del metro o un desfile de moda eclesiástico inolvidable, entre otras cosas.


La ciudad a la que Fellini llamó «el escenario cinematográfico más maravilloso del mundo», es un reflejo de lo que ocurría en el mundo y no solo en la propia Roma, la ciudad en la que la Iglesia católica alza su dominio. Un apasionado testimonio de la urbe que acogió al maestro italiano tras dejar su Rimini natal, avanzando, a veces de manera febril, hacia su potencial futuro, sin poder olvidar un pasado cuya historia se hace presente al doblar cualquier esquina o al escarbar un poco el suelo sobre el que caminan sus actuales habitantes.




viernes, 26 de junio de 2026

GIULIETTA DE LOS ESPÍRITUS

 


Giulietta (Giulietta Masina), que duda de la fidelidad y del amor de su marido, acude a una agencia de detectives para confirmar sus sospechas. Conocerá a su enigmática y liberal vecina Susy (Sandra Milo), que la tentará para liberarse de sus ataduras conyugales.


A través de esta mujer que vive su viaje hacia su propia liberación, entre los fantasmas del pasado y el miedo a romper con las normas sociales que la llevan a soportar las infidelidades de su esposo, Federico Fellini nos muestra la opulencia y cómo el aburrimiento burgués puede propiciar las más extravagantes aventuras y pasatiempos. El film es una experiencia cinematográfica visualmente maravillosa que muestra el talento imaginativo del director y la capacidad de la que era su esposa en la vida real, para expresar con destreza la emoción humana.


El magistral uso del Technicolor por parte del director de fotografía Gianni di Venanzo transforma la película, el primer largometraje en color del maestro italiano, en un caleidoscopio de sueños, espíritus y recuerdos. Giulietta Masina, con ese rostro y esos ojos que conservan la inocencia y la curiosidad infantiles, interpreta a una esposa traicionada cuya incapacidad para aceptar la realidad la lleva a un viaje alucinatorio de autodescubrimiento.




jueves, 25 de junio de 2026

AL ANOCHECER

 


Charles Masson (Michel Bouquet), un ejecutivo de publicidad casado, estrangula durante una sesión de sadomasoquismo a su amante, una mujer que además era la esposa de su mejor amigo, el arquitecto François Tellier (François Périer). Presa de los remordimientos, Charles se lo confiesa a su mujer, Hélène (Stéphane Audran), pero ella, inexplicablemente, le quita importancia al asunto. Charles, sin embargo, no puede dejar de pensar en lo ocurrido.


El guion adapta la novela The thin line, del anglo-libanés Edward Atiyah
Para el autor, la delgada línea es la que separa a la sociedad respetable del mundo del crimen.


Claude Chabrol retrata a la perfección esa burguesía a la que todo resbala, revelando los vicios y mentiras de los matrimonios de clase alta y lo hace mostrando un ambiente inquietante e incómodo sin tener que recurrir a giros argumentales, resultando siniestro contemplar cómo esos personajes pueden continuar sus vidas tan tranquilos, cuidando las apariencias y ocultando sus miserias
Tan desconcertante como bien realizada, en la línea de otros trabajos del maestro galo, que saca partido a unos diálogos muy bien escritos y a unas magníficas interpretaciones. 
El film disecciona la vida y el entorno de un hombre corroído por la culpa, no es un asesino, sino una persona normal que parece el primer sorprendido de haber cometido su horrible delito. La profunda descripción psicológica que realiza de los personajes, queda por encima de la trama criminal que, como en otros de sus trabajos, parece que a Chabrol le importa menos, aún sabiendo crear una atmósfera densa y momentos llenos de tensión.




miércoles, 24 de junio de 2026

LA MUJER INFIEL

 


Cuando Charles Desvallées empieza a sospechar que su mujer lo está traicionando con otro hombre, contrata un detective privado para que la siga y averigüe quién es el amante. Una vez confirmada la infidelidad y descubierta la identidad de su rival, el celoso marido prepara su venganza.


Claude Chabrol indaga sobre algunos aspectos de la burguesía francesa en plena época de liberación sexual, una libertad y unas nueva forma de entender las relaciones que, al parecer, no ha ayudado a que la gente viva más feliz, a veces, todo lo contrario. En el caso de esta película, ni siquiera la estabilidad económica y sentimental evitan la búsqueda de la pasión fuera del matrimonio.


Ya desde el mismo título, el guionista y realizador galo deja de lado el misterio y va directamente al asunto que le interesa y se centra en los personajes y en los hechos, en una narración en que la ambigüedad y las falsas apariencias, cobran importancia. 
Con elegancia e ironía, Chabrol nos cuenta una historia en la que explica, a su manera, algunas de las acciones de estos burgueses, con las que parecen querer romper la anodina indiferencia en que viven, aunque ello suponga emprender un camino en el que no se sabe qué nos espera.




martes, 23 de junio de 2026

EL MISTERIO DE PONT-AVEN

 

Un pueblo pintoresco  y plácido donde se vive como en ningún otro sitio, un asesinato inexplicable al inicio de la temporada estival, un secreto celosamente guardado y un comisario huraño, adicto al café y aficionado a los pingüinos y a la buena mesa que, por fin, tiene un caso.
Después de haber pasado toda su vida en París, el comisario Dupin se vio trasladado forzosamente a Concarneau, en la Bretaña francesa, por sus métodos poco ortodoxos y su carácter irascible. Allí lleva dos años y siete meses y ha conseguido ganarse el respeto de sus subordinados.
La novela comienza un siete de julio en el que la placidez se verá interrumpida al haber sido apuñalado Pierre Louis Pennec, de 91 años, que es el dueño del hotel Central, en el cercano pueblo de Pont-Aven, famoso por haber alojado al pintor Paul Gauguin.
Dupin se encontrará con la presión de las autoridades locales, el silencio de los lugareños, los secretos que oculta la familia y las revelaciones que se van sucediendo y que no hacen sino complicar más el caso.
El alemán de origen bretón, Jean-Luc Bannalec (seudónimo de Jörg Borg), autor, editor, crítico literario, traductor y autor del libro, primera de las novelas que conforman la serie del comisario Dupin, además de la propia trama policiaca, nos ofrece amplias descripciones de la Bretaña francesa, sus paisajes, gentes, clima, gastronomía e idiosincrasia que dan forma a una interesante novela en la que también se habla del mundo del arte, de los galeristas, museos, expertos y aficionados en general, que ofrecen una curiosa panoplia de personajes, algunos nada inofensivos y bastante interesados. 
Dupin, acabará resolviendo el caso, como el lector supone desde el principio, pero para ello habrá de enfrentarse a ocultaciones y medias verdades que dificultarán mucho la investigación. El novelista aprovecha para lanzar sus dardos a las componendas políticas de sus superiores que le obligarán a acudir a subterfugios, como filtrar datos a la prensa para que investigue a alguno de los protagonistas que, por sus influencias, intentará irse de rositas, aún habiendo tenido parte importante en la trama, pero que resulta difícil de probar a efectos penales, aún cuando moralmente sea, al menos, tan culpable como los autores materiales de los hechos.



lunes, 22 de junio de 2026

ACCIDENTE SIN HUELLA

 


El hijo único de Charles Thenier (Michel Duchaussoy) muere atropellado por un conductor que se da a la fuga. Decidido a encontrar al criminal, empieza a investigar por su cuenta. Poco después, conoce a una mujer que podría ser la cuñada del culpable y quien le acompañaba en el momento del accidente.


El guion adapta la novela La bestia debe morir, del británico Nicholas Blake (seudónimo de Cecil Day-Lewis), que ya había sido llevada a la pantalla en un film argentino dirigido por Román Viñoly Barreto y protagonizado por Narciso Ibáñez Menta
Hay otra película llamada La bestia debe morir, protagonizada por Peter Cushing, que no tiene ninguna relación con el texto de Nicholas Blake, sino que está basada en el cuento No habrá oscuridad (There Shall Be no Darkness) de James Blish
Se da la circunstancia de que la novela fue elegida por Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares para iniciar la famosa colección El Séptimo Círculo, de la Editorial Emecé. 
Esta adaptación, además de trasladar la acción a Francia, omite por completo al protagonista de la novela, el excéntrico detective aficionado Nigel Strangeways, personaje principal de esta y otras novelas de Blake.


Hábil mezcla de thriller negro y sátira social tan característica del realizador francés, con una crítica a cierta burguesía provinciana, insertando momentos de tensión. Claude Chabrol, una vez más, se desinteresa un tanto de la trama detectivesca, en su lugar, enfrenta a dos hombres: el asesino y el padre de la víctima. Uno es una bestia salvaje, orgulloso de su éxito material y social, un fanfarrón; el otro, un fabulador frío, calculador y taciturno.
Buena película, con un giro final ingenioso y ambiguo.




viernes, 19 de junio de 2026

EL CARNICERO

 


En un pequeño pueblo francés, durante la celebración de una boda, la maestra Helene (Stéphane Audran) y el carnicero Popaul (Juan Yanne) entablan conversación. Ella vive en el segundo piso de la escuela y, a pesar de su juventud y belleza, prefiere vivir sola tras un desengaño amoroso ocurrido  diez años atrás. Él es un hombre amable que guarda horribles recuerdos de la guerra tras haber pasado quince años en el ejército. Cuando empieza a surgir una relación sentimental entre ellos, dos mujeres aparecen brutalmente apuñaladas en el bosque y Helene encuentra en el lugar el encendedor que le regaló a Popaul.


A pesar de la aparición de esta prueba casi irrefutable, Claude Chabrol alarga la intriga mediante un hábil, aunque algo previsible, giro de guion que hace dudar al espectador de la culpabilidad del carnicero.


De cualquier manera, no es el misterio en si lo que más interesa al realizador galo, sino los personajes, bastante convincentes en sus interpretaciones, aún con la frialdad con que se desarrollan.
Una reflexión sobre la culpabilidad y el perdón, sobre la duda entre la denuncia o la concesión de una segunda oportunidad que lleva a las dudas, incluso a sentirse culpable a quien adopte esta segunda postura. 
Un planteamiento muy original sobre la fina línea que separa la razón de los sentimientos, con la habitual perfección formal del realizador y una absoluta economía narrativa.




jueves, 18 de junio de 2026

LA EDAD DE ORO

 


Aunque la película tiene un leve hilo argumental (para algunos quizá sea más que leve), en realidad son un conjunto de ideas que Luis Buñuel plasma en lenguaje cinematográfico, para poner en solfa a la Iglesia, los valores morales, la clase alta, la hipocresía en el amor y el sexo y alguna otra cosa.


Tras el éxito de "Un perro andaluz", aclamado por los surrealistas parisinos de la época, Marie-Laurie y Charles de Noailles (Vizcondes de Noailles), que deseaban producir una de las primera películas sonoras del cine francés, encargaron a Luis Buñuel y Salvador Dalí otro film experimental. Se esperaba que hiciera un uso extensivo de la música clásica y de imágenes enigmáticas. El resultado fue una inquietante reflexión sobre cómo perturbar a la mayoría y de hecho, más de uno se sintió ofendido... y protestó, pues, en el fondo, parece como si Buñuel y Dalí se hubieran burlado con descaro de todas las normas y valores sociales.


Es sobre todo y al margen de otras consideraciones, una producción surrealista, difícil de comparar con films que se hagan en la actualidad, pues parece increíble que esta película se rodara hace nada menos que cien años. 
El estreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 1930. Cinco días más tarde, grupos de extrema derecha atacaron el cine donde se proyectaba, y la familia Noailles, amenazada con la excomunión por parte del clero francés, retiró la película de la distribución durante casi 50 años, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues no sería exhibida hasta 1980 en Nueva York y un año después en París.




miércoles, 17 de junio de 2026

CANCIÓN DE CUNA PARA UN CADÁVER

 


Cuando el Estado intenta expropiar su plantación para construir una autopista, Charlotte Hollis (Bette Davis), una rica solterona del Sur que lleva treinta años recluida llorando la muerte de su amado, pide ayuda a su prima Miriam (Olivia de Havilland) y a su viejo amigo el Dr. Drew Bayliss (Joseph Cotten).


Tras el éxito comercial de ¿Qué fue de Baby Jane?, Robert Aldrich estrenó en 1964 esta película, basada en una obra de Henry Farrell, que también co-escribe el guion.


Aldrich sabe jugar con el suspense ocultando información al espectador que nunca llega a saber con seguridad quien es el asesino o asesina del hombre casado con el que Charlotte mantenía una relación. Esta tensión a la que acompañan unas interpretaciones de gran nivel, los planos forzados que intensifican la sensación de angustia, una magnífica iluminación y una banda sonora que acompaña la acción y sabe subrayar lo justo, hacen de la película un film de lo más disfrutable.




martes, 16 de junio de 2026

BILLAR A LAS NUEVE Y MEDIA

 

El libro es una obra ambiciosa y escrita con gran rigor literario, en la que partiendo de la historia de tres generaciones de arquitectos (en realidad, el segundo es ingeniero), el primero de los cuales erige la soberbia abadía de Sank Anton, a principios de siglo, el segundo la arrasa por orden de su general en 1942, y el tercero la reconstruye, se ofrece una visión aceradamente crítica de esa Alemania del siglo XX que, en aras de la gloria militar y de la prosperidad material, simbólicamente designadas como el «sacramento del búfalo», ha sacrificado y escarnecido tantas veces los principios de la moral y el respeto a la libertad de los hombres, simbolizados en el «sacramento del cordero». 
Hay un hombre, en este caso un hombre en la plenitud de su vida, que dirige su propia empresa de ingeniería estructural, con empleados, en una ciudad con iglesias, un río y un puerto. Cada mañana, a las 9:30, va al mismo hotel y, acompañado por un botones, se retira a la sala de billar con un coñac hasta las 11:00 para jugar al billar francés, pero sobre todo, para conversar y escuchar. Ese es Robert Fähmel. Es ingeniero estructural, no arquitecto como su anciano padre Heinrich, quien, impulsado por la ambición y las expectativas, llegó a la ciudad hace casi 50 años y logró todo lo que se propuso con gran excelencia. Hasta que, en los últimos días de la guerra, la obra de su vida, la abadía de Sank Anton, fue destruida innecesariamente. Su nieto Joseph estará al cargo de su reconstrucción. 
La acción transcurre en un solo día, el 6 de septiembre de 1958. Es el 80 cumpleaños del patriarca Heinrich Fähmel, quien planea una pequeña recepción familiar en el Café Kroner para esa noche. Es su día, propicio para recordar el pasado, adornado con anécdotas y salpicado con un toque de crítica social. Esto podría dar para un buen libro, pero a Heinrich Böll no le interesa. En diferentes capítulos, observa a sus personajes mientras transcurre este día de septiembre, mientras permanecen atrapados en recuerdos dolorosos, mientras lidian con lo que han vivido y sufrido. Además de los tres hombres Fähmel, están sus esposas o novias, una hija, la secretaria, amigos de la escuela y sus familias. Aparece un amplio elenco de personajes, algunos de los cuales enriquecen las escenas, y la clientela del hotel resulta particularmente encantadora. 
Böll debió de ser un observador tan perspicaz como despiadado. No podía perdonar a sus conciudadanos por vivir, pocos años después de la guerra, como si no hubieran tenido nada que ver con los nazis y como si aún quedara algo que defender en términos de honor alemán. Se percibe la melancolía, casi la amargura, que debió atormentar al autor y Premio Nobel de Literatura. 
La historia salta de septiembre de 1958 a un día de julio de hace más de 20 años, y luego regresa. El daño infligido a su generación proviene de la infancia de Robert, él, Schrella, Nettlinger y los demás chicos que jugaban al billar en julio de 1935 estaban en bandos opuestos, peleándose, acosándose y formando alianzas. Uno de ellos se convierte en nazi, dos logran escapar, otro es ejecutado por un intento fallido de asesinato. 
¿Por qué Robert no quiere ser arquitecto en un país en ruinas? Seguramente la industria de la construcción, la reconstrucción, debería estar en pleno auge en ese momento. Pero en su interior Robert piensa que lo que hay que hacer no es conservar, ni reconstruir, sino arrasar, volar, destruir todo lo que recuerde a las generaciones anteriores, a su pasado, al de una nación que horrorizó al mundo. 
En la novela, los nazis nunca son mencionados como tales, ni desempeñan un papel importante. Los protagonistas son los Schrella y aquellos Fähmel que no sucumbieron a las tentaciones de la raza superior, que no participaron del «sacramento del búfalo».



lunes, 15 de junio de 2026

¿QUÉ FUE DE BABY JANE?

 


Las hermanas Jane (Bette Davis) y Blanche Hudson (Joan Crawford) fueron estrellas de Hollywood, pero sus carreras siguieron trayectorias muy distintas. Mientras que Jane, una especie de niña prodigio, al crecer, fue olvidada por el público, Blanche se convirtió en una actriz de éxito. Tras un misterioso accidente de coche, Blanche quedó postrada en una silla de ruedas al cuidado de su hermana Jane, que disfruta atormentándola. Con el paso del tiempo, Jane ejerce un control cada vez mayor sobre su hermana, interceptando sus cartas y asegurándose de que pocos o nadie del exterior tengan contacto con ella. A medida que Jane pierde la cordura, atormenta a su hermana hasta extremos cada vez mayores.


El guion adapta una obra del novelista y guionista estadounidense Henry Farrell.


Psicodrama dirigido por Robert Aldrich que enfrenta a dos leyendas de la pantalla grande interpretando a dos hermanas que se aferran desesperadamente a sus días de gloria perdidos, que encierra una mordaz crítica al mundo de Hollywood. 
Al reunir en pantalla a las legendarias enemigas Crawford y Davis, (es conocida la anécdotas de que durante el rodaje, Bette Davis hizo instalar una máquina expendedora de Coca-Cola en el plató para incomodar a Joan Crawford, cuyo marido era ejecutivo de Pepsi), Aldrich crea una química brillante entre ellas. 
Un film con un giro final a la altura de una historia en que no se enfrentan el bien contra el mal a la manera clásica, sino el mal contra otro mal.




viernes, 12 de junio de 2026

EL ÁNGEL EBRIO

 


El doctor Sanada (Takashi Shimura), dirige una clínica en los barrios bajos de Tokio. Cuando el delincuente Matsunaga (Toshiro Mifune) acude a su consulta tras un tiroteo, Sanada le diagnostica tuberculosis y lo convence para que comience el tratamiento. El doctor, desilusionado, cree que, al salvar a este joven yakuza, podrá recuperar su propia juventud e idealismo perdidos. Así, entablan una relación conflictiva, puesta a prueba por los prejuicios de ambos y la liberación de prisión del jefe mafioso de Matsunaga que pretende hacerse de nuevo con el control de la banda criminal y llevará al enfrentamiento entre ambos.


La película fue el primer gran éxito de crítica para Akira Kurosawa y la primera colaboración con Toshirō Mifune que tan fructífera resultaría en la carrera de ambos.


Ambientada en los pantanos y callejones del Tokio de la posguerra, la película es una evocadora y sombría instantánea de una época y un lugar traicioneros. En ella, el maestro nipón nos vuelve a ofrece su visión humanista de la vida.




jueves, 11 de junio de 2026

DUELO SILENCIOSO

 


En 1944, durante la Segunda Guerra Mundial, el joven Dr. Kyoji Fujisaki (Toshirō Mifune), fruto del cansancio por las extenuantes jornadas y las pésimas condiciones de trabajo, se corta el dedo con el bisturí durante una cirugía en un hospital de campaña y se infecta de su paciente Susumu Nakada (Kenjirō Uemura). Tras el análisis de sangre, se da cuenta de que ha contraído sífilis, pero no tiene los medicamentos necesarios para tratar la enfermedad. En 1946, después de la guerra, por respeto a su amada novia,  Misao Matsumoto (Miki Sanjō), rompe su compromiso de seis años con ella, pero no le dice la verdad, sino que la deja ir a buscar otro hombre con quien casarse, pues sabe que de confesarle sus razones, le esperaría toda la vida si fuera necesario hasta que aparezca un remedio que cure la enfermedad que padece su amado. Kyoji se vuelca en su profesión y en atender a los más desfavorecidos.


El guion adapta una obra del actor y dramaturgo japonés Kazuo Kikuta.


El Japón devastado de la posguerra es el escenario perfecto para desarrollar el humanismo de Akira Kurosawa en este film en el que el protagonista regresa a casa sifilítico pero inocente, con su pureza intacta, en lo que se antoja como una especie de parábola para la conciencia colectiva de Japón, tras una sucia guerra de la que han salido derrotados. 
Al final hay mensaje de esperanza en boca de la enfermera Rui Minegishi (Noriko Sengoku): No se puede estar siempre quejándose de las desgracias, hay que mirar al futuro y seguir viviendo.




miércoles, 10 de junio de 2026

MADADAYO

 


En 1943, el profesor Hyakken Uchida (Tatsuo Matsumura) abandona la docencia para dedicarse por completo a su carrera como escritor. Un bombardeo aéreo destruye su casa y desde entonces vive con su esposa en una chabola. Pero sus ex alumnos deciden construirle un nuevo hogar, al que se trasladará el matrimonio. También se comprometen a celebrar cada cumpleaños del venerado maestro. Durante esas fiestas, juegan como niños y le preguntan al profesor: "Mahda-kai" ("¿Estás listo para irte al otro mundo?"), a lo que él responde: "Madadayo" ("No, todavía no").


El guion se inspira en la vida del escritor japonés Hyakken Uchida que trabajó como profesor de alemán en la Academia del Ejército Imperial, y más tarde en la Universidad de Hōsei, hasta que el éxito de sus publicaciones hizo que abandonara la enseñanza y se dedicara exclusivamente a la escritura.
Fue el último film de su realizador y guionista Akira Kurosawa


Con tramos —la desaparición y posterior búsqueda del gato Nora—, en que toma la senda de lo sentimental, sin embargo, para mí, lo mejor de la película es esa especie de humor filosófico que domina muchos otros momentos, sobre todo en base a los ingeniosos y sutiles diálogos del profesor.
La película es todo un homenaje a la labor docente, con este retrato de una comunidad estudiantil que, no sólo no olvida a quien para ellos fue algo más que un profesor, un hombre que supo tratarles como personas y amenizar sus clases con un humor cargado de ironía, sino que cuando surge la oportunidad le demuestran su cariño y respeto hasta límites insospechados y renuevan cada año esa especie de voto no escrito que han sellado con él. 
El film tiene también otras cosas, como la historia de su matrimonio, con una mujer entregada al servicio de su marido al que procura, no solo una vida lo más agradable posible, sino que demuestra, aunque ni siquiera él parezca reconocérselo, que sin su sostén, no sería ni la mitad de lo que es. Con escenas entrañables, casi siempre silenciosas, que muestran la fidelidad de la pareja aún en los momentos en que la vida parece que les da la espalda.
Una película muy japonesa en el sentido de que refleja valores que quizá en occidente se habían perdido si es que alguna vez estuvieron presentes.
Por cierto, genial la idea del profesor para evitar que los cacos roben en su casa tras haberse mudado a un barrio en el que abundan lo robos en domicilios particulares, para partirse de risa.