MADELINE'S MADELINE

La primera imagen de lapelícula, nos muestra una escena en lo que parece una sala hospitalaria de psiquiatría en la que la joven Madeline (Helena Howard) se encuentra inmersa en un mundo irreal y alucinante.

Su madre, para ayudarla con sus problemas, que nunca se nos aclara del todo cuáles son, la introduce en el mundo de una prestigiosa compañía teatral, al frente de la cual está una directora ambiciosa, arriesgada y amante de lo experimental, Evangeline (Molly Parker). Si bien la expresión artística desinhibida de Madeline, cautiva a Evangeline, la intimidad discordante pronto lleva a líneas cada vez más borrosas entre el rendimiento artístico y la realidad e intensifica la relación un tanto problemática, entre Madeline y Regina (Miranda July), su madre sobreprotectora.

La película se mueve constantemente entre lo onírico y lo real, de manera que, en ocasiones, al espectador se le hace difícil discernir entre lo real y lo imaginado, que la realizadora subraya por medio de desenfoques que tanto molestan a algunos, pero que no dejan de ser un recurso como otro cualquiera.

No deja de parecer una larga sesión de psicoterapia teatral, en que la protagonista trata de espantar sus propios demonio personales.

Una película en que su directora, la también actriz y performer norteamericana Josephine Decker, nos muestra una vez más, su pasión por lo experimental en un arriesgado ejercicio en el que plantea preguntas sin respuesta y somete al espectador a un constante desafío, al llevarnos fuera de los habituales escenarios y adentrarnos en el mundo de lo impreciso, con una historia que no te va llevando de la mano, sino que te deja en absoluta libertad para que interpretes y obtengas respuestas que, seguramente difieren de las de otros, pero son igual de válidas.

Una película que muchos no aguantarán y pedirán que, por favor, se acabe de una vez, pero que encantará a quienes se deleitan con los experimentos audiovisuales que buscan nuevos estímulos y desafíos.

Magnífica interpretación de la debutante Helena Howard, en un papel en el que creo adivinar que la realizadora le ha dado cancha para la improvisación, en lo que parece un estupendo duelo entre la fuerza y el convencimiento por este tipo de arte de la directora y la explosión interpretativa de la joven protagonista.

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

El ex policía Max Rockatansky (Tom Hardy), vaga en solitario por una Australia post-apocalíptica, tratando de enterrar los inquietantes recuerdos de su esposa e hijos muertos y los de otras personas a las que no pudo salvar. Tras perseguirlo y hacer que se estrelle, Max es capturado por un grupo conocido como los War Boys, comandado por Inmortal Joe (Hugh Keays-Byrne), un tirano que tiene alienada a la población y a sus soldados totalmente sometidos a su voluntad, mediante la gestión de las reservas de agua en pleno desierto.

Max es asignado como donante de sangre para el wat boy Nux (Nicholas Hoult) que está enfermo. Mientras tanto, Imperator Furiosa (Charlize Theron) conduce un camión cisterna para recolectar gasolina para Joe. Sin embargo, su verdadera intención es huir del tiránico Joe con sus cinco mujeres, seleccionadas para reproducirse, a las que lleva escondidas en el camión, para llevarlas a su tierra natal.

Inmortal Joe organiza la expedición para dar caza a Furiosa y lleva a Max encadenado al auto de Nux. Furiosa dirige el camión en una tormenta de arena, pero Nux continúa persiguiéndola. Después de la tormenta, Max logra escapar del auto y trae a Nux encadenado con él. Ve a Furiosa y las cinco esposas y decide huir en su camión de guerra; pero hay un secreto para operar el camión y no tiene más remedio que esperar al grupo de Furiosa si quiere proseguir su huída. Cuando la pandilla de Joe llega, rescatan a Nux y siguen a Furiosa. A partir de ese momento se establece una carrera mortal entre Max y las mujeres, que quieren escapar y la banda de Joe que pretende darles caza.

La película alcanzó alto reconocimiento entre la crítica y una exitosa acogida entre los espectadores, sobre todo por lo que supuso de renovación sobre la famosa saga protagonizada, hasta entonces, por Mel Gibson, a la que insufló nuevos aires y un enfoque diferente, dando protagonismo al papel de la heroína, de modo que Max queda, en algunos momentos del film, como un secundario de lujo de una espléndida Charlize Theron.

De cualquier manera, este es un film de esos que, depende con qué ojos lo veas, te gustará más o menos. Por ejemplo, supongo que desde el punto de vista de niños y jóvenes, con toda la acción que tiene, los vuelcos de coches, las piruetas de las motos y todas esas cosas, resultará poco menos que apasionante. Algo parecido ocurre con los amantes de este tipo de películas, indistintamente de la edad que tengan, para la mayoría de ellos, que simplemente esperaban una secuela más de las otras películas sobre el personaje que había dirigido el propio George Miller, supuso una grata e inesperada sorpresa que este hombre, con setenta años recién cumplidos cuando se estrenó el film, hubiera sido capaz de darle un giro que lo volvía fresco y original dentro de los parámetros del género.

Sin embargo, para el resto de los mortales, la película no deja de ser una persecución con final previsible, cuyas escenas más llamativas las componen un grupo de coches de diseños estrambóticos, pululando por la arena del desierto y cuyo guión es de lo más pueril.

Gustos aparte, la película es una maravilla visual, con planos realmente hermosos, magnífica fotografía, un empleo inteligente de la técnica y un montaje que se nos antoja debió ser realmente difícil y complicado, por el cual se vio recompensada con uno de los seis Oscar que se llevó.

Acción trepidante, choques y vuelcos, piruetas con motos y coches, escenas arriesgadas, tiroteos, peleas sobre los vehículos en marcha... Desde luego, si eres amante de la acción y encima quieres ver imágenes no exentas de alta calidad, esta película te encantará.

LA BUENAS NOTICIAS DEL REINO DE DIOS

Aun para los no cristianos, la muerte de Jesucristo es un hecho capital en la historia de la humanidad, pues gracias al sacrificio del Gólgota, el mundo sufrió una transformación definitiva en todos los órdenes, que ha llegado hasta los rincones más escondidos de la tierra.

Confieso, no obstante, que haberme decidido por esta versión de los Evangelios publicada en 1960, viene de que uno de los traductores del texto original griego, es José Mª Valverde Pacheco, Premio Nacional de Poesía en 1949, por su obra "La espera".

Catedrático, poeta, escritor y traductor, había nacido en Valencia de Alcántara (Cáceres) en 1926, aunque muy niño, se trasladó con su familia a Madrid. Tras la Guerra Civil, durante la cual su padre estuvo encarcelado en Valencia por los republicanos, por haber pertenecido a la CEDA, retomó sus estudios de bachillerato en el instituto Ramiro de Maeztu de Madrid.

Vinculado al SEU, sus primeras publicaciones vieron la luz en revistas falangistas (Escorial, Garcilaso, Espadaña, Proel...). En su etapa universitaria, a través de las tertulias que frecuentaba, conoció a Carlos Bousoño y Eugenio de Nora e hizo buena amistad con Camilo José Cela. También alternó con Luis Felipe Vivanco y con un grupo de poetas nicaragüenses, que tanto habían de influírle con posterioridad: Carlos Martínez Ribas, Ernesto Cardenal y Pablo Antonio Cuadra.

Por esas fechas acababa de nacer un grupo literario con cierta cohesión, entre los que destacaban Luis Felipe Vivanco, Luis Rosales, Leopoldo Panero, José Luis López Aranguren, Pedro Laín Entralgo y el propio Valverde, como se ve, todos procedentes de Falange o simpatizantes con aquellas ideas antes de cambiar de posturas políticas.

El mismo Valverde había cambiado sus concepciones y ahora estaba cercano a la llamada Teología de la Liberación. En 1964, en solidaridad con los profesores Tierno Galván,  Aranguren y  García Calvo, cuando fueron expulsados de la universidad de Madrid por las autoridades académicas franquistas Valverde renunció a su cátedra de Estética en la Universidad de Barcelona, obtenida tan solo un año antes y se fue al exilio en EE.UU. y Canadá. Regresó a España en 1977, reincorporándose a la universidad.

De este libro del que hoy hablamos, José Mª Valverde dijo: “Esas paráfrasis poéticas me llevarían      –como intermedio dominical entre mis fatigas de traductor profesional– a emprender una traducción de los Evangelios, en la lengua más diaria y corriente, la más poética según Juan de Mairena. Se publicó el resultado en 1960, no sin cierto miedo, bajo el título “Las Buenas Noticias del Reino de Dios”, y, lejos de recibir excomuniones, aquella versión fue aceptada como estímulo seglar en la magna tarea de traslado de la liturgia a lengua vulgar, emprendida por entonces al calor del Concilio.”

El cristianismo, más allá de que uno sea o no creyente, es la religión que ha aglutinado a los pueblos occidentales, tras haber pasado por el llamado Renacimiento, abandonamos la Edad Media, en la que siguen sumidos los pueblos de alguna otra religión, hemos sabido aceptar que los textos sagrados a veces tienen una parte de parábola o fábula y nos hemos quedado con la esencia. Sea por eso o por mera casualidad, el caso es que hoy, nuestro orbe cristiano es el que lidera al mundo junto a China y Japón y, frente a la amenaza más real que latente de lo que otras culturas nos ofrecen en cuanto a una posible regresión de libertades, no está de más echar un vistazo a los textos que sustentan nuestro pensamiento religioso.

LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA... DOS AÑOS DESPUÉS

A lo largo de toda Francia, Agnès Varda se reunió con espigadores y recolectores, coleccionistas y buscadores. Por necesidad, oportunidad o elección, estas personas están en contacto con lo que otros desechan, los restos. Su universo es sorprendente. Estamos lejos de los espigadores del pasado, que recogieron los restos de las cosechas de cereales, tubérculos y otros productos de la tierra, hoy encontramos en los alrededores de las grandes y pequeñas superficies patatas, manzanas y otros alimentos arrojados, objetos sin dueño y relojes sin agujas, estas son las espigas de nuestro tiempo que más gente de la que parece va espigando y recogiendo para comer o para darle otro uso que el ser arrojado como desperdicio pura y simplemente. Pero Agnès también es la cosechadora del título y su documental es subjetivo. La curiosidad no tiene edad.

La realizadora filmó Los espigadores y la espigadora en 2000 y dos años después vuelve a entrevistar a algunas de aquellas personas y a recorrer los mismo lugares que filmó dos años atrás.

Varda, que proviene del mundo de la fotografía, explora las variantes que ofrecen las imágenes en movimiento, todas las posibilidades que ofrecen y todas sus fantasías y, como lo que ven sus ojos, a veces no es suficiente, inventa formas que le pertenecen a ella y que comparte con nosotros.

Al comienzo del film, en apenas tres minutos, vemos a cámara superrápida, el documental original, del que esta película es secuela o segunda parte.

Varda nos habla de los premios que ha recibido, pero a lo que verdaderamente da importancia es a los cientos de cartas y comunicaciones que ha recibido en este tiempo de personas absolutamente desconocidas para ella y a las que el film a servido como fuente de inspiración o que, simplemente, le muestran su agradecimiento por haberlo hecho. También se entrevista con algunas de ellas.

La verdad es que esta especie de segunda parte de Los espigadores y la espigadora, no aporta demasiado a lo que ya nos había trasladado su realizadora en la primera parte, se limita a hacer una especie de recordatorio de las inquietudes que expresaba en el mismo y se da una especie de autobombo sobre las consecuencias que tuvo, así que, pienso yo, se lo podía haber ahorrado, porque lo que tenía que decir estaba dicho, con originalidad y sabiendo llegar al corazón de aquellos a quienes va destinado. Con este segundo, apenas aporta algo y con esa autopromoción que hace, enturbia un tanto el mensaje.

THREE TIMES (TIEMPOS DE AMOR, JUVENTUD Y LIBERTAD)

Tres épocas (1966, 1911, 2005) y tres historias, interpretadas por la misma pareja de actores, Shu Qi y Chang Chen. Un cuento sentimental que evoca la triple reencarnación de un amor infinito.

1966, Kaohsiung - El tiempo del amor: Chen conoce a May, una chica que trabaja en los billares donde él suele ir. Juegan una partida y el joven  que, tras fracasar por dos veces en su examen para ingresar en la universidad, está haciendo el servicio militar, le dice que le escribirá. De permiso, Chen vuelve para verla, aunque ella ya no trabaja allí y él la buscará de pueblo en pueblo por las salas de billares, mientras suenan de fondo "Smoke Gets In Your Eyes" ("El humo ciega tus ojos") o "Rain And Tears" ("Lluvia y lágrimas"), dos preciosas e icónicas canciones de esas que a muchos les traen recuerdos inolvidables..

1911, Dadaocheng - El tiempo de la libertad: En una época en la que Taiwan estaba a punto de ser anexionada a Japón, una cortesana ve como su amor ayuda a pagar la libertad de otra compañera embarazada de otro hombre, despertando la admiración de los demás por este gesto. A la vez vive obsesionado con la situación política. La chica vive una tragedia, pues a ella no le compra su libertad y se llena de lágrimas mientras lee una carta de su amado y comprende que nunca volverá.

2005, Taipei - El tiempo de la juventud: Jing, una cantante, es epiléptica y está perdiendo la visión del ojo derecho. Vive con su madre y su abuela y tiene una relación amorosa con otra mujer Micky (Pei-Hsuan Lee). Zhen es fotógrafo, trabaja en una tienda de fotografía digital y vive con su novia, Blue. Jing y Zhen tienen una relación amorosa a escondidas de sus parejas.

Como alguien dijo: Tres épocas o tres maneras de aburrirse mortalmente.

Y es que la película es, sobre todo, un ejercicio de estética. Película que hay que ver para gozar de las imágenes, de la esplendorosa fotografía y de la presencia de una formidable pareja protagonista. Parca en diálogos, casi todo es silencio, miradas, gestos y un lento discurrir del tiempo.

La segunda de las historias, está rodada a modo de homenaje al cine mudo, con intertítulos y es en ella donde la fotografía alcanza momentos sublimes, al tiempo que la historia, para quien vaya buscando otra cosa, se vuelve lenta y aburrida.

Al parece, en el origen del film estaba la idea de que tres realizadores diferentes, contaran cada cual una historia de amor. Pero al final fue Hou Hsiao-Hsien quien se encargó de dar su visión de tres distintas maneras.

Es una película que apenas cuenta nada, la vida transcurre con sencillez y apenas hay movimientos de cámara. Largas secuencias en las que vemos, por ejemplo en la primera historia, las bolas de billar deslizarse por el tapete, mientras los personajes se mueven alrededor, entrando y saliendo del plano.

Un film para gente paciente, que esté dispuesta a gozar de la estética y olvidarse de la acción narrativa.

PETRA

Petra (Bárbara Lennie), una joven pintora, inteligente, sería, nostálgica, que trata de armar el puzzle que otros rompieron para ella usando la pintura como vehículo de comunicación, se acomoda en la casa de Jaume (Joan Botey), un artista plástico de éxito, viejo, muy poderoso y despiadado.

¿El motivo? Petra cree que Jaume puede ser su padre, a ella nunca le dijeron quién era, se lo ocultaron toda su vida y, tras la muerte de su madre, inició una búsqueda que la ha llevado hasta él.

Petra también entra en contacto con Lucas (Alex Brendemühl), hijo de Jaume, y con Marisa (Marisa Paredes), esposa de Jaume y madre de Lucas. A partir de ese momento, la historia de estos personajes se va entretejiendo en una espiral de maldad, secretos familiares y violencia que los lleva a todos al límite.

Petra se ve inmersa en esta familia de la clase alta catalana, en la que las consecuencias que se derivan de la actitud del padre de familia serán nefastas para los que le rodean, incluida ella misma.

Una historia de familia fracturada que va desde la humillación y el sadismo en el sexo que se deriva de las relaciones de poder y de las jerarquías que produce el dinero, al misterio que suponen el perdón y la culpa, pasando, claro, por la sangre que causan las pasiones humanas.

El destino dará un giro a su lógica cruel abriendo un camino para la esperanza y la redención.

A modo de tragedia griega, Jaime Rosales nos acerca una reflexión sobre la tiranía de los poderosos, en cualquier ámbito de la vida, personas que han tenido éxito en algún campo, sea de las finanzas, los negocios, el arte u otro cualquiera y se creen investidos de un derecho a mirar desde arriba las vidas de los demás; una reflexión que también lo es sobre la maldad, sobre la falta de caridad o comprensión con quienes nos rodean.

El destino que, según el argumento de la película, parece gobernar nuestras vidas, se encarga de tensar los hilos de la tela de araña en que están atrapados los personajes y cortarlos cuando cree oportuno.

Decía un conocido mío que para hacer mucho dinero (salvo loterías, herencias y alguna otra casualidad), hay que haber matado.

Hay personas que con su trabajo o sabiendo desenvolverse en los negocios, con un poco de suerte, logran un estatus de desahogo que les permite vivir bien, incluso muy bien, pero cuando digo hacer mucho dinero, no me refiero a estos, sino a los que pueden derrocharlo sin que lo note apenas su bolsillo. Y lo que mi amigo quería decir, no es que vayan con un puñal matando gente, sino que en un momento determinado, su alma endurecida, soporta perfectamente que otro robe para poder pagar una deuda, que cometa una estafa que le lleve a la cárcel porque no puede llevar comida a casa o que se suicide porque se ha quedado en la calle al no poder pagar la hipoteca. Esa gente (banqueros, especuladores, etc.), viven con la conciencia tranquila, ellos no han matado y así lo sienten, pero han arruinado la vida de más de uno, por más que no se sientan responsables.

Este es Jaume, uno de los villanos más detestables que se han visto en la pantalla, magníficamente interpretado por Joan Botey. Una frase de la película define su forma de ser y pensar: Detesto la autocompasión.

Son esos tipos que, en algún momento de su vida, se han visto poco menos que desahuciados y han sabido sobreponerse, el típico que cuenta que ha estado trabajando desde que era niño y ha llegado a la cima. Entre ellos, los hay, y muchos, que se apiadan de los sufrimientos de los demás y, sin pretender salvar a la humanidad, echan una mano cuando pueden, pero hay otros que, amparados en que ellos salieron de la acequia, no tienen compasión de nadie que esté en situación difícil y, no solo no le ayudan, que tampoco tienen por qué, sino que, si pueden, lo hunden más en el barro, lo desprecian y humillan.

Esto, el ansia de dinero y poder, el odio que producen estas situaciones y las miserias, tragedias y venganzas que originan; el sentimiento de culpa ante la desgracia sobrevenida y lo difícil y necesario que es saber perdonar, es lo que retrata el film.

Es cierto que a veces cae un poco en el folletín, pero en general, está bien construída la narración y consigue transmitir el mensaje, con un final que se aleja de la amargura de la trama para romper una lanza en favor del perdón que permita vivir en paz.

MUNICH

En septiembre de 1972, haciéndose pasar por atletas, un grupo de palestinos logra introducirse en las instalaciones de la villa olímpica donde se alojan los deportistas que participan en los Juegos Olímpicos de Munich.

Pertenecientes al grupo terrorista "Septiembre Negro", los asaltantes toman como rehenes a varios atletas y entrenadores israelíes, exigiendo como rescate, la liberación de prisioneros árabes que consideran ilegalmente presos en cárceles de Israel.

El gobierno israelí se niega a ceder a las pretensiones de los terroristas que terminan por asesinar a once de los rehenes.

Más allá de la respuesta oficial ante la masacre, el gobierno de Golda Meir decide formar un equipo encubierto, cuya misión será tomar venganza, matando a a aquellos palestinos a quienes consideran responsables de la matanza.

Este equipo no tendrá vínculos oficiales, ni con el gobierno, ni con el Mossad, aunque sí un enlace con el mismo, Ephraim (Geoffrey Rush). El líder será un empleado del servicio secreto, Avner (Eric Bana), a quien han convencido para que abandone a su esposa embarazada, olvide su identidad y desaparezca de la faz de la tierra para cazar y matar a los once hombres acusados por los servicios secretos israelíes de haber planeado la matanza de Munich.

A pesar de su juventud y de su falta de experiencia, Avner no tarda en hacerse con las riendas de un equipo de cuatro miembros (además de él) tan diferentes como hábiles: Steve (Daniel Craig), un surafricano temerario y duro; Hans (Hanns Zischler), un judío alemán experto en falsificar documentos; Robert (Mathieu Kassovitz), un fabricante belga de juguetes reconvertido a fabricante de explosivos; y Carl (Ciaran Hinds), un hombre silencioso y metódico.

Desde Ginebra, Frankfurt, Roma, París, Chipre, Londres hasta Beirut, Avner y su equipo viajan de incógnito, buscando a cada uno de los objetivos incluidos en una lista secreta, asesinándolos uno a uno mediante complicados complots. Obligados a trabajar fuera de la ley, siempre de un lado a otro, sin hogar ni familia, la única conexión con otros seres humanos son los demás miembros del equipo. Pero incluso esta relación se resquebraja cuando empiezan a discutir por preguntas que se hacen cada vez más presentes.

Atrapados entre el deseo de justicia y las crecientes dudas, la misión empieza a corroer las almas de Avner y de su equipo.

Esta película está basada en el libro de George Jonas "Venganza" (1984). Pretende contar la verdadera historia de la venganza contra los terroristas de Septiembre Negro utilizando la información proporcionada por un supuesto agente del Mossad llamado Yuval Aviv como fuente principal de Jonas. Los servicios de inteligencia israelíes siempre lo han negado, diciendo que Aviv es un fraude. Aviv argumenta que lo negarían de todos modos.

El libro y la película difieren en cuanto a que Spielberg es mucho más comedido en sus planteamientos haciéndonos ver que los miembros del grupo israelí tienen reticencias morales sobre lo que están haciendo y se cuestionan los fines de su misión. El autor del libro, sin embargo, lo tiene muy claro y establece una clara diferencia entre terrorismo y contraterrorismo, sosteniendo que Aviv jamás se cuestionó la legitimidad del encargo que había recibido que considera una acción justa y proporcionada.

La película hace ver que esas dudas morales del grupo son las que originan el fin de la misión, mientras que la realidad, al parecer, fue el incidente de Lillehammer, que no se menciona en la película, cuando en esta localidad noruega, el grupo encontró a uno de los terroristas. El objetivo estaba saliendo de un autobús con una mujer embarazada, y lo mataron. Pero más tarde se reveló que habían disparado al hombre equivocado. Ni siquiera era palestino, sino un camarero marroquí, y la mujer embarazada era su esposa.

Así pues, frente al libro de Jonas, la película de Spielberg construye un relato que cobra cierta equidistancia ante la actitud de ambos bandos, presentándonos un problema que se nos antoja irresoluble y que si alguna vez se llega a algún acuerdo entre las partes, será ante el convencimiento de que pueden seguir matando por los siglos de los siglos, pero nunca van a renunciar a sus postulados y poner fin a esa sangría sin fin.

"Septiembre Negro" abrió la caja de los truenos y el gobierno israelí, con sus acciones de represalia la alimentó, entrando en una espiral de violencia y venganza de proporciones bíblicas.

Quizá por esto, el film no gustó a ninguno de los dos bandos y siempre se comentó que el lobby judío había influido en los premios a los que optaba la película, por ejemplo en los Oscar, de los que no pasó de la etapa de nominaciones, cuando optaba a cinco, entre ellos Mejor Película, Director y Guión Adaptado y también al de Mejor Banda Sonora, merced al esplendido trabajo de John Williams.

Del otro lado, los palestinos la pusieron en su lista negra, pues en ese bando tienen muy claro que ellos son los oprimidos y todo lo que suene a ser comprensivo con Israel, o a establecer equidistancias entre ambos, se contempla como un ejercicio de complacencia con el opresor.

Aparte de poner en cuestión que la política de ojo por ojo sirva para otra cosa que engendrar más odio, la película deja una visión desasogante de la realidad y de las estrategias políticas ocultas, con servicios secretos de medio mundo jugando a dos bandas, empezando por la propia CIA, suministrando informaciones y facilitando armas y medios a facciones enfrentadas, con tal de que les dejen al margen y no cometan atentados en su país.

Eso por no hablar de la frialdad con que contemplan algunos de esos llamados daños colaterales, aunque la película también pone de relieve cómo los miembros del comando, tratan de evitar que personas inocentes sufran daños, pero cuando lo hacen, por errores, fallos de cálculo o por cualquier otro motivo, lo ven como algo que tenía que suceder.

Un film muy interesante que además puede verse desde distintos ángulos y que gustará tanto o más a quienes no estén interesados en el conflicto o no lo conozcan suficiente, pues además de ser un film de los llamados políticos, tiene la fuerza de un buen thriller y la suficiente carga de suspense como para mantener atento al espectador durante todo su desarrollo a pesar de su larga duración.