LAS HORAS

Virginia Woolf (Nicole Kidman) está escribiendo un libro al tiempo que lucha contra su enfermedad mental e intenta mantener a raya a su marido, a los criados de la casa y a los parientes que van a visitarla.

Laura Brown (Julianne Moore) cuida de su pequeño hijo mientra prepara una fiesta para agasajar a su esposo en el día de su cumpleaños, cuando lo que realmente quiere hacer es estar sola y leer su ejemplar de La señora Dalloway.

Precisamente Clarissa Vaughn (Meryl Streep), es una especie de versión puesta al día de Clarissa Dalloway, la protagonista del libro escrito por Virginia Woolf y, como ella, sale a buscar flores, pues tiene que preparar una fiesta para su amigo, el poeta Richard Brown (Ed Harris), que está muriendo de SIDA. Además de amiga, Clarissa es la editora de Rich y se preocupa mucho por el, cuidándole como si fuera su madre.

De vuelta al Reino Unido, Virginia acaba de empezar a escribir una novela. Ella y su esposo Leonard Woolf (Stephen Dillane) se han mudado a una aldea fuera de Londres, porque la vida agitada y frenética de la capital ha afectado la salud psicológica de Virginia. Había intentado suicidarse dos veces, y solía oír voces. Leonard está ocupado con su negocio de imprenta, pero la cuida tiernamente.

Tres mujeres, tres épocas (años 1923, 1951 y 2001) y un día en la vida de cada una de ellas, tan solo un día, pero que vale por toda una vida.

El guión se basa en el libro "Las horas", de Michael Cunningham. En él, además de contarnos un día en la vida de estas tres mujeres, Cunningham hace una reflexión sobre la muerte y, más concretamente, sobre el suicidio (algo que ocupa constantemente los pensamientos de las tres protagonistas) y sobre las imposiciones sociales.

La película traslada a imágenes el texto de Cunningham, una labor difícil cuando estamos hablando de sentimientos. Es cierto que se apoya en un buen texto del que saca algunos párrafos de diálogo, pero la dificultad está en llevar todo eso al lenguaje cinematográfico y lo hace muy bien, envolviendo al espectador con una espléndida fotografía y una banda sonora que acompaña a la narración en su justo tono.

Con una estupenda labor de dirección que sabe desenvolverse y conducir a unos actores que bordan su trabajo, por supuesto las tres protagonistas, maravillosas, pero no menos llamativa la actuación de los secundarios, con Ed Harris a la cabeza. Me ha llamado la atención la actuación del niño Jack Rovello, que da vida al personaje que interpretará Harris en el momento final de su vida.

Las Horas es una película inteligente, sensible, rodada casi con mimo, pero a la vez, con un tremendo trabajo detrás que raya la perfección, con encuadres maravillosos y un montaje espléndido.

Y las actuaciones, como digo, de quitarse el sombrero, con tres mujeres que son tres grandes de la escena. No se si se aprecia del todo la soledad y la insatisfacción que transmiten, pero incluso yo, desde mi entendimiento de hombre he sentido esas sensaciones, no se qué sentirán las mujeres que la vean, que seguramente necesitarán que se les expliquen menos estas sensaciones.

Quizá lo menos logrado sea el retrato de Virginia Woolf, de la que se da una imagen prácticamente de loca, de mentalmente insana.

Magnífico film, que logra introducir al espectador en un mundo de sentimientos. Muy recomendable.

TAMBIÉN SOMOS SERES HUMANOS

Ernie Pyle (Burgess Meredith), fue un corresponsal de prensa que se hizo muy popular durante la Segunda Guerra Mundial, donde cubrió el avance de las tropas norteamericanas en el Norte de África y la posterior campaña europea. En Túnez, acompañó a la compañía C del décimo octavo de infantería. Aunque luego acompañó a otras unidades, la "C Company" fue la primera con la que entró en combate y él la consideraba su compañía.

En el Norte de África conoció a sus hombres y escribió sobre ellos en sus columnas periodísticas, mencionándolos por su nombre, algo que ellos mismos y sus familias apreciaron especialmente.
Muchos de ellos murieron pero Pyle había puesto cara y nombre a los soldados anónimos con los que se volvió a reunir en la campaña de Italia.

Allí acompaña a su querida unidad en las batallas de San Vittorio y Cassino. Aprende, sobre todo del su oficial al mando, el teniente (luego capitán) Bill Walker (Robert Mitchum), cómo siente su soledad el mando y la capacidad humana para sobrevivir a las penalidades, la incomodidad y el terror del combate que ha de soportar el soldado de infantería.

Pyle era un hombre bastante conocido en su país mediada la contienda y la productora quería que la película, basada en sus artículos, contara con el visto bueno del periodista y estuviera a la altura de los escritos de quien acababa de ganar el Pulitzer (se lo concedieron en 1944), por lo que el proyecto se fue dilatando en el tiempo, hasta que fueron conscientes de que corrían el peligro de que la Guerra concluyese y la película no estuviera estrenada, por lo que aceleraron el proceso y consiguieron llevarla a los cines en el 45, el año que concluyó la guerra y el año en que Pyle encontró la muerte en medio de un fuego cruzado entre japones y norteamericanos en la isla de Okinawa.

Diferente del cine de tono propagandístico que se hacía en el momento, algo totalmente entendible, por otro lado, la película parece nadar constantemente en una especie de contradicción entre ese tono de propaganda (¡qué buenos, valientes y esforzados son nuestros muchachos y qué bien lo están haciendo!) y la crudeza de la realidad que sufren cada día los combatientes, nada edificante y poco o nada heróica (La infantería vive de forma miserable y muere miserablemente, se dice en un diálogo del film).

Por eso es un film que, en cierto modo, es muy moderno, ya que se adelanta a un modo de contar la guerra que en aquellos momentos no se llevaba.

En ese y en otros aspectos similares, la película se adecua al tono de los relatos periodísticos de Pyle, que contaba los detalles que puede parecer nimios, pero que son los que acercan a los soldados al gran público que sigue la guerra desde la seguridad y el confort del hogar. Pyle nos habla del muchacho que vende helados en el drugstore de la esquina, del estudiante que complementa su tarea con trabajos para ganarse unos dólares, del padre que jamás oyó la voz de su hijo porque era un bebé cuando él se fue a la guerra... todos esos personajes aparecen en el film y cuando vieran la película los norteamericanos, reconocerían en ellos a su vecino, a su amigo, hijo, novio o hermano, de ahí el éxito que tuvo en taquilla.

William Wellman, un estupendo realizador, quizá menos reconocido que otros grandes del cine, nos ofrece escenas de acción, pero sobre todo, nos mete en ese día a día que no aparece en los libros de historia, prescindiendo, en la medida de lo posible de actores profesionales y empleando en su lugar a veteranos de las campañas de África, Sicilia e Italia, lo que contribuye a dar mayor naturalidad y verismo a la película.

Apenas vemos al enemigo, la muerte aparece casi siempre fuera de plano, pero a unos y otra, los sentimos en las reacciones y los gestos de los soldados y sentimos también su miedo, su cansancio, la miseria que les rodea, el barro y el polvo y cómo va cambiando su forma de ser a medida que se acostumbran a vivir con una compañera que les puede estar esperando a la vuelta de cualquier recodo. Es una guerra real, poco épica, en la que la broma y el compañerismo forman parte del equipo imprescindible para la supervivencia.

No los he visto, dice un soldado tras un ataque aéreo refiriéndose a los aviones. Y así debía ser, pero se veían los resultados de aquel enemigo invisible cuando se miraba alrededor y se contemplaba a los muertos que había dejado regados por la tierra.

A destacar el gran trabajo de Robert Mitchum y Burgess Meredith y también del resto de actores que les acompañan, que contribuyen a dar una credibilidad total a la narración.

Una estupenda película alejada de la grandilocuencia de otras producciones, que nos cuenta una guerra sin héroes, en la que el protagonista es el grupo que se va acostumbrando a la rutina de la muerte y lo hace sin renunciar a la crudeza, pero sin excesivo dramatismo, recurriendo a elegantes elipsis que nos ahorran la sangre a borbotones que tanto gusta en el cine actual, sin perder un ápice de impacto emocional.

LA REINA DE LOS CONDENADOS

Lestat (Stuart Townsend) ha dormido durante dos siglos, pero el mundo sobre su tumba ha cambiado desde las ansias coloniales del siglo XVIII a un mundo más libre y colorido de nuevas modas más reveladoras y música más fuerte.

Se levanta de su lugar de descanso y se alimenta de una víctima, sintiéndose más revitalizado que nunca. Luego procede a buscar de donde viene la música que escucha, encantado de descubrir que es de su antigua casa, y se muestra dispuesto a ayudar e impulsar a la joven banda que la interpreta hacia la fama. Lestat quiere hacerse bien visible para los mortales y no estar en las sombras esperando para alimentarse de ellos.
Jesse (Marguerite Moreau), es una chica mortal pero cuya familia son vampiros y por medio del diario de Lestad, que conserva un conocido suyo, descubre que fue creado por un tal Marius (Vincent Perez) que se alejó de él cuando Lestad contraviniendo sus instrucciones, se puso en contacto con Akasha (Aaliyah), la reina de los condenados que duerme su sueño convertida en estatua de piedra.

Al regresar de nuevo al mundo de los vivos, la música de Lestad, ya convertido en toda una estrella del Rock, despierta de nuevo a Akasha, que desea convertirlo en su nuevo rey.

Sin embargo Lestad ha traicionado algunos de los secretos de los vampiros en busca de la notoriedad que le haga salir del aburrimiento en que está sumido, por eso, muchos de sus compañeros desean verlo eternamente muerto.

Basada en algunas de las novelas que conforman la saga "Crónicas vampíricas", de la norteamericana Anne Rice.

La Warner había comprado los derechos de las novelas de Rice, pero dejaron pasar los años sin hacer nada sobre ellos, hasta que comprobaron que estaban a punto de caducar esos derechos y encargaron un guión a toda prisa para sacar adelante esta película.

Lo cierto es que Anne Rice, que se había involucrado en el guión de Entrevista con el vampiro, se desmarcó, en esta ocasión, al ver lo que estaban haciendo con sus libros que no le gustó nada y consideraba como una traición a los lectores de sus novelas.

No he leído ninguno de los libros de las Crónicas vampíricas, por lo que no puedo expresar opiniones personales sobre la adaptación, pero a nada que uno busque, se ve que quienes sí han leído la obra de Rice, prácticamente de manera unánime, califican como basura lo que la película ha hecho con las historias de la norteamericana.

La película como tal, tampoco es que sea nada del otro mundo, parece que han hecho algo para salir del paso con más voluntad que acierto, dejando sin desarrollar algunas de las cosas que se apuntan en el film y muchos de sus personajes quedan totalmente desdibujados.

Tal vez lo más destacable sea la banda sonora, cuyas canciones fueron creadas exclusivamente para la película e interpretadas por grupos de la talla de Deftones, Disturbed, Static-X y Marilyn Manson.

SEXO PARA UNO. EL PLACER DEL AUTOEROTISMO

Escrito básicamente pensando en las mujeres, es un libro que también puede ayudar a los hombres a comprender ciertas complejidades del sexo femenino y su manera de comportarse, casi siempre, en el desconocimiento, está la raíz de los problemas.

Betty Dodson, fue una persona muy activa durante la llamada revolución sexual, allá por los años 60 del pasado siglo, ella creyó percibir que, a pesar de los avances en cuanto a vivir las relaciones sexuales con mayor libertad, mientras los hombres parecían disfrutar sin complejos, las mujeres daba la impresión de que seguían fingiendo, al fin y al cabo algo que llevaban haciendo toda la vida.

Organiza entonces grupos de autoconciencia feminista en los que las mujeres se reunían para poner en común sus inquietudes. Vieron que a todas les costaba hablar de su sexualidad, que todas tenían miedos y vergüenza sobre su cuerpo y complejos sobre sus genitales. Pero al mismo tiempo vieron que al hablar en grupo de estas cuestiones descubrían que no estaban solas, y que lo que les parecía un problema personal era común a todas.

Este libro es fruto, por un lado, de sus experiencias con otras mujeres a través de estos talleres y, por otro, de su propia idea sobre la masturbación como método para conocer mejor el propio cuerpo y como terapia para evitar dependencias de la pareja y frustraciones cuando no se alcanzan los resultados esperados.

Dodson habla sin complejos, con un lenguaje explícito y explica algunas de sus propias experiencias.

Los trabajos de Dodson, se han convertido en clásicos y actualmente sus métodos sirven de base a algunas de la terapias que se utilizan.

Dodson no aboga por el sexo individual, sino por la utilización de la masturbación como una parte más de las relaciones sexuales, con la particularidad de que también puede llevarse a cabo cuando no se tiene pareja y que, dados los tiempos que corren, hay algo que es incontestable: es el tipo de relación sexual más seguro.

El libro está concebido principalmente como una especie de guía para conocer, sin culpa, ni vergüenza, a través de explicaciones claras, con lenguaje directo y llano, e ilustraciones de la propia autora, el placer que proporciona uno de los últimos tabúes sexuales de nuestra sociedad.

EL CASO BOURNE

Un hombre herido de bala es rescatado por la tripulación de un barco pesquero italiano cuando va a la deriva en alta mar.

No lleva nada consigo. Sólo un par de balas clavadas en su espalda y un microchip que contiene un mensaje y que ha sido incrustado quirúrgicamente en su cadera. Carece de identidad y de pasado y un golpe en la cabeza le ha provocado amnesia, pero posee unas serie de talentos extraordinarios en artes marciales y de autodefensa y habilidades lingüísticas que sugieren una profesión de riesgo. Confuso y desorientado, emprende una frenética búsqueda para descubrir quién es y por qué su vida ha tomado un giro tan peligroso.

La historia transcurre en varias ciudades europeas, luego de que este extraño náufrago sea ayudado por el sanitario del barco y trasladado en el hasta la costa. La única pista que tiene el náufrago es el microchip que tiene implantado bajo la piel, lo que le lleva hasta Suiza, pues en el figura un número de cuenta de un banco de Zurich. Una vez que accede a la caja de seguridad que está depositada en el banco, descubre que su nombre es Jason Bourne (Matt Damon), además en ella encuentra una considerable cantidad de dinero y unos cuantos pasaportes de diversos países y con distintos nombres. Al intentar volver sobre su vida anterior, atrae la atención de varias personas que o bien le temen, le advierten del peligro, o tratan de matarlo. Él empieza a sospechar, sobre la base de pruebas circunstanciales, que pudo haber sido un asesino profesional.

Adaptación de la novela "Identidad desconocida" ("The Bourne identity"), de Robert Ludlum. En ella el protagonista no es el personaje invencible que sugiere la película, sino un tipo más humano. La novela tiene menos ficción que el film y, aunque parezca mentira, más suspense y más acción.

Si hay algún caso claro de que la adaptación de un libro a la pantalla no ha de ser necesariamente exacta para lograr un buen resultado, es este.

A partir de la idea que plantea la novela de Ludlum, es decir, un hombre que padece amnesia y que va a correr unas cuantas aventuras intentando escapar de quienes le persiguen, el guión de la película construye una historia que cambia muchas cosas del relato original, consiguiendo un excelente resultado.

La película sorprendió gratamente en su momento, por la originalidad del planteamiento, la buena dirección de Doug Liman y la interpretación de Matt Damon, que consigue meternos en la piel del protagonista en una película muy entretenida, con mucha acción, persecuciones muy bien rodadas, su punto de suspense y algún giro inesperado que la dotan de un gran dinamismo. Todo ello acompañado por una excelente banda sonora que firma John Powell.

Una buena y atractiva película de acción de las que merece la pena no perderse.

EL CABALLERO DON QUIJOTE

Después de que un viejo soldado llamado Miguel de Cervantes recogiera las aventuras de Don Quijote (Juan Luis Galiardo) y su escudero Sancho Panza (Carlos Iglesias), éstos se han hecho famosos. Tras saber que el Turco ha armado una gran flota y que el rey de España ha mandado reforzar las costas de Nápoles y Sicilia en previsión de una posible invasión, Don Alonso Quijano, el caballero don Quijote de la Mancha, saldrá, una vez más, con la oposición de su sobrina y de su ama, en un nuevo viaje que empezará en la Mancha y terminará en la costa mediterránea. Vestido con su armadura desvencijada, el “loco” caballero andante del que todos se burlan emprenderá sus aventuras con su fiel escudero. Se topará con su siguiente aventura en medio del camino. Aceptará las honras y homenajes del Duque, quien por burla le dice que para desencantar a Dulcinea, Sancho debe recibir algunos miles de azotes.

Entre 1990 y 1992, TVE produjo una serie titulada El Quijote de Miguel de Cervantes, protagonizada por Fernando Rey y Alfredo Landa, que se pudo ver a lo largo de ese último año coincidiendo con el V Centenario del Descubrimiento de América. Sin embargo, su enorme presupuesto y la crisis económica de la televisión pública cercenó por la mitad el proyecto, de modo que su director, Manuel Gutiérrez Aragón, solo pudo finalizar la primera parte de la adaptación. Cuando, diez años después, el mismo realizador tuvo la posibilidad de retomar la novela —apoyado por la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, organismo del Ministerio de Cultura creado ese mismo año—, el proyecto se convirtió en un largometraje cinematográfico que abarcaría solamente la segunda parte, es decir, continuaría la acción donde la serie había concluido.

Aunque respeta el original de Cervantes, no le importa introducir pequeñas variaciones, comenzando por el físico de los dos protagonistas, sobre todo un delgado y relativamente joven Sancho Panza. Desde un inicio sabemos que don Quijote es famoso gracias a esa primera parte de sus aventuras, comentadas con entusiasmo por el bachiller Sansón Carrasco (Santiago Ramos). También se hace referencia al Quijote apócrifo de Avellaneda.

El film presenta a un Quijote ya en clara decadencia, viejo y cansado, con algunos momentos de lucidez dentro de su locura.

Gran trabajo de Juan Luis Galiardo y un Carlos Iglesias que en algunas ocasiones deja salir al Benito que le hizo famoso en la tele y se vuelve demasiado histriónico.

Arriesgado trabajo del realizador cántabro que está bien en líneas generales, con una conseguida fotografía en colores ocres que remarcan el tono crepuscular del relato, pero que a mí, en algunos momentos me resultó un poco pesada. 

MANDO PERDIDO (LOS CENTURIONES)

En 1954, durante los últimos días de Francia en su colonia de Indochina, el coronel francés Pierre-Noel Raspeguy (Anthony Quinn) está al mando de su regimiento de paracaidistas en la batalla decisiva de Dien Bien Phu. Una guarnición francesa debilitada se enfrenta a un importante ataque de las tropas comunistas del Viet Minh. La frenética solicitud de refuerzos del coronel Raspeguy sólo trae una fuerza simbólica de un grupo de paracaidistas y municiones. Cuando su posición es invadida por el enemigo Raspeguy y sus hombres son tomados prisioneros. Después del tratado de paz son liberados y regresan a Francia donde al coronel Raspeguy le comunican que ha sido relevado de su puesto y que su regimiento ha sido disuelto. Gracias a las influencias de la Condesa viuda Natalie de Clairefons (Michèle Morgan), consigue un nuevo destino en Argelia al mando del 10º Regimiento, de nueva creación.

Los franceses están tratando de evitar que Argelia obtenga la independencia total de Francia. El ejército francés se dedica a operaciones de contrainsurgencia en ambientes urbanos y rurales contra la guerrilla argelina dirigida por el Frente de Liberación Nacional de Argelia. Esta es la última oportunidad del coronel Raspeguy de probar sus habilidades de mando y salvar su carrera militar consiguiendo el ascenso al generalato.

El guión adapta muy libremente la novela "Los centuriones" de Jean Lartéguy, seudónimo de Jean Pierre Lucien Osty, licenciado en Historia que luchó como voluntario en la Segunda Guerra Mundial contra los alemanes, siendo detenido en España, país al que huyó en 1942, cuando se produjo la invasión de Francia por las tropa nazis, siendo detenido y recluído en un campo de internamiento, consiguiendo escapar, tras nueve meses, hasta el norte de África, donde habían desembarcado ya los aliados. Entre 1943 y 1946 se sumó a los comandos que operaban en África.

Al finalizar la guerra, volvió a España con la intención de integrarse en un grupo catalán de maquis que planeaba el derrocamiento de Franco. Su contacto en España era en realidad un agente de los servicios secretos, por lo que volvió a pasar por las prisiones españolas.

La novela "Los centuriones", es un crudo relato de la guerra de Argelia que sigue las andanzas del coronel Raspeguy. Su fría visión de la guerra psicológica la ha convertido en un obra de culto, entre otros, en el Ejército estadounidense.

Lo cierto es que la película no está a la altura de la novela y deja bastante que desear a pesar del gran plantel de actores que intervienen, pues el guión es más bien flojo.

Quizá lo mejor, la ambientación, bastante lograda que consigue transmitir en algunos momentos la tensión del momento histórico que se vivió en las colonias francesas.

El film pasa de soslayo por el conflicto franco-vietnamita que, más que para otra cosa, sirve para presentar a los personajes, y se centra en la Guerra de Argel, dejando en evidencia los métodos usados por el ejército francés, pero también algo que con el tiempo ha ido quedando olvidado, pues no es políticamente correcto recordarlo, como eran los no menos brutales métodos usados por los independentistas argelinos, colocando bombas indiscriminadamente en lugares públicos que mataron o hirieron gravemente a muchos civiles, mutilando cadáveres y sometiendo a terribles castigos, antes de acabar con ellos, a los sospechosos de colaboracionismo.

Como curiosidad, señalar que la película se rodó en España, en localizaciones de Adra, Manzanares el Real y Málaga. Contó con la colaboración del entonces Ministerio del Ejército. Podemos imaginar el revuelo que se armó, en aquel lejano 1966, en el barrio del Molinillo malagueño cuando vieran recorrer sus calles a Alain Delon, o Claudia Cardinale, dos uténticos sex-symbols del momento.