EL ENIGMA DE GASPAR HAUSER

 

Alemania, principios del siglo XIX. Kaspar (Bruno S.) es un enigmático muchacho que ha pasado toda la vida encerrado y aislado en una cueva: no conoce, pues, el lenguaje ni tiene capacidad para relacionarse con los demás. Cuando, en 1828, alguien lo abandona en Nuremberg con una carta para las autoridades locales, se convierte primero en una especie de atracción de feria y después en una curiosidad científica y social.

La película de Werner Herzog está basada en la historia verdadera y misteriosa de Kaspar Hauser, un joven de unos 16 años, que apareció repentinamente en Núremberg en 1828, apenas capaz de hablar o caminar, y con una nota extraña dirigida al militar Friedrich von Wessing; más tarde explicó que había estado cautivo en algún tipo de calabozo durante toda su vida (aunque tenía recuerdos de haber vivido en palacios o edificios nobles en su tierna infancia) y que solo recientemente fue puesto en libertad por razones desconocidas. Su benefactor intenta integrarlo en la sociedad, con resultados peculiares.

Con la verosimilitud característica de Herzog, a la que contribuye la interpretación del protagonista cuya historia personal guarda algunos paralelismos con las del personaje que interpreta, el director alemán aprovecha esta historia real, que él representa de manera algo diferente a la verdadera, para elaborar una crítica a una sociedad plagada de contradicciones, mentiras e hipocresía. Todo ello con la calidad visual que acostumbran la películas del germano, en este temprano trabajo en el que ya están presentes algunos de sus temas habituales: la crítica a la cultura tal como se entiende en nuestra sociedad, la religión, la locura de la vida cotidiana, la alienación, la crueldad y el poder.

STROSZEK

 

Cuando Bruno Stroszek (Bruno S.) sale de prisión, le advierten que debe dejar de beber. Con pocas habilidades y menos expectativas, sobrevive como músico callejero. En un bar se encuentra con una antigua conocida, Eva (Eva Mattes), una prostituta a la que ofrece su casa, pues se ha quedado sin tener a dónde ir. Después de ser golpeados por el chulo de ella, deciden unirse a Scheitz (Clemens Scheitz), un excéntrico vecino de Bruno, que ha decidido emigrar a Wisconsin, en los Estados Unidos.

Una mirada hasta cierto punto fascinante y singular al sueño americano que sigue a tres inadaptados sociales alemanes en su viaje a Wisconsin en busca de una vida mejor. Los momentos de extraña comicidad se entrelazan a la perfección con escenas profundamente tristes y conmovedoras.

 

Con un lenguaje que se mueve entre la ficción y el documental, estamos ante una historia que tiene algo de lírico, melancólico y agridulce, en la que Werner Herzog nos muestra, mediante metáforas, su particular visión del sueño americano, pura hipocresía que sabe presentar en público su fachada de opulencia justicia y libertad, ocultando lo que se esconde detrás. Claro que lo visión que ofrece de Berlín y, por extensión, del resto del país, tampoco resulta nada amable.

FITZCARRALDO

 

Brian Fitzgerald "Fitzcarraldo" (Klaus Kinski), un excéntrico y megalómano hombre de negocios obsesionado con la ópera, ha ido perdiendo su prestigio y su fortuna en absurdas empresas sin futuro. Su último proyecto consiste en construir un teatro de ópera en un poblado peruano a orillas del Amazonas; para conseguir el capital necesario para financiar tan magna empresa se dedica al comercio del caucho. Su extravagante plan exige sacar del río un gran barco fluvial y transportarlo hasta la cima de un monte.

El protagonista del film está inspirado en una persona real que abordó una aventura parecida a la que se narra. Una película cuyo rodaje estuvo cargado de problemas e inconvenientes, desde la actitud ególatra de Kinski, hasta los conflictos con los indígenas que actuaban como extras o las muertes y diversos accidentes graves que se produjeron durante el mismo y es que, entre otras cosas, su realizador y guionista, Werner Herzog, se negó a recurrir a los efectos especiales, no quería que el espectador notara la diferencia entre un barco de plástico y uno de 360 toneladas arrastrado por una superficie fangosa en plena selva a 40º.

Todo para recrear esta especie de homenaje a la locura o mejor a los sueños imposibles, de impactante visionado en que estamos viendo en realidad a los indígenas arrastrando el barco mediante un sistema de poleas, mientras Fitzcarraldo canta a la selva con sus viejas grabaciones de Caruso.

DUELO EN LA ALTA SIERRA

 

Steve Judd (Joel McCrea), un anciano exalguacil, ha sido contratado para escoltar un cargamento de oro desde el pueblo minero de Coarse Gold hasta un banco en Hornitos. En el pueblo, se encuentra a Gil Westrum (Randolph Scott), un antiguo agente de la ley al que contrata, junto a su joven socio Heck Longtree (Ron Starr), para que le ayuden. Lo que Steve ignora es que Gil y Heck planean robar el oro, con o sin su ayuda. En el camino se verán envueltos en la historia de una joven que huye tratando de escapar, primero de su padre y, más adelante, de su prometido y sus peligrosos y trastornados hermanos.

Con esta película, Sam Peckinpah, comienza a desarrollar un tema que resultaría recurrente en algunos de sus films, el de los hombres que han sobrevivido a su época y les resulta complicado adaptarse a los tiempos cambiantes. Steve Judd sería considerado un hombre mayor en aquella época y, sin duda, ha conocido tiempos mejores. La escena inicial lo retrata en este sentido, llega a un pueblo en fiestas, con gente apostada a ambos lados de su calle principal, creyendo erróneamente que los vítores de la multitud son para él, hasta que un automóvil casi lo atropella, recordándole bruscamente los cambios de los tiempos. En otra escena le vemos leyendo su contrato en el baño para que el banquero no vea que necesita gafas y no le de el trabajo.

Sus dos protagonistas, en cierto modo son como los dos lados del espejo, imágenes reflejadas el uno del otro, se sienten atormentados por no estar a la altura de los estándares que se han impuesto. Sin embargo, lo que los distingue de los canallas con los que invariablemente se topan es un código de honor personal que ambos intentan mantener.

La primera metáfora de Peckinpah es precisamente la elección de los dos protagonistas, figuras otrora de tantas películas, algunas de ellas westerns de serie B, ahora ya en el final de su carrera, reflejo de ese mundo que agoniza y que el realizador muestra alejado de la épica. Un film con cierto tono humorístico al retratar a los dos viejos (a uno de ellos le duele la espalda al cabalgar tanto rato) que representan todo lo que los nuevos tiempos se han llevado por delante.

RITOS FUNERARIOS

 

Basada en hechos históricos, el libro de la australiana Hannah Kent, es un relato ficticio que narra la historia de Agnes Magnúsdóttir, la última persona ejecutada en Islandia en 1830. Condenada a muerte por su participación en el asesinato de dos hombres, y sin prisiones en Islandia en aquel entonces, Agnes es enviada a esperar el tiempo previo a su ejecución en la granja del humilde alguacil de distrito, donde también viven su esposa, sus dos hijas y sus criados. Sabemos cómo terminará y la historia se centra en el viaje psicológico, emocional y espiritual que nos llevará a descubrir más sobre el pasado de Agnes. La narración se presenta en pasajes alternos, pasando de la tercera persona, que ofrece una visión más amplia, a la propia voz de Agnes, que revela el tormento, el miedo, la superstición, el deseo, la añoranza, los celos y la traición que la atormentaron. La vida de Agnes va aflorando a través de las conversaciones con el joven sacerdote que trata de confortarla en sus últimos días y también en las que mantiene con Margrét, la esposa del alguacil, cuando ésta ha conseguido superar las barreras que la separan de la convicta. 

Agnes es un personaje fascinante, estoica y silenciosa, como si estuviera resignada a la opinión que la gente tiene sobre ella y no estuviera dispuesta a esforzarse por cambiar sus pareceres, pero mediante una suave persuasión el joven sacerdote logra que le cuente su historia, y lo que sigue es un lento y atmosférico despliegue del pasado, revelando su verdad poco a poco. La dinámica entre Agnes y la madre de la casa también está bellamente desarrollada; una mujer pragmática, inicialmente furiosa por tener a una asesina entre ellas, pero a medida que la historia avanza y la va conociendo, empieza a verse a sí misma y a apreciar a la mujer que tiene delante, en lugar de la reputación que la precede, lo que permite a Kent explorar el dilema ético de si una buena persona es capaz de hacer algo malo. 

La autora contrasta magistralmente los vastos paisajes, inclementes, duros e impresionantes, con las viviendas claustrofóbicas y sofocantes; capturando la crudeza, la suciedad y las temperaturas gélidas de la Islandia rural a principios del siglo XIX, así como la contradictoria sensación de soledad y asfixia que se experimentaba.

PAT GARRETT Y BILLY EL NIÑO

 

William Bonney (Kris Kristofferson) era conocido por todos como "Billy el Niño". Estando encarcelado en Lincoln, esperando el juicio que le va a condenar a morir en la horca, llega a sus manos un colt con el que asesina a los guardianes y consigue huir. El sheriff Pat Garrett (James Coburn), que en otros tiempos cabalgó junto a él, será el encargado de darle caza, tarea que le encomiendan los ganaderos que desean verse libres de la banda de pistoleros en pro de su particular visión del progreso.

La película marcó el final de una serie de films que revitalizaron un género que muchos daban por agotado. Sam Peckinpah retrata un Oeste teñido de sangre y polvo, que fusiona su estilo transgresor con un fatalismo que presagia el final de una época. 

La antigua amistad entre Billy y Pat se transforma en rivalidad, y los ideales míticos de libertad se enfrentan a un nuevo orden dictado por una emergente clase dominante. Todo ello acompañado por la banda sonora compuesta por Bob Dylan.

El tema central del film es el fin de ese peculiar territorio de frontera y lo que ello conlleva. Pero esta vez, la visión de Peckinpah lo lleva más allá de las convenciones del género, más allá de la historia y la leyenda, hasta la esencia misma del mito con un lenguaje impregnado de un lirismo triste, duro y fatalista.

LÉON MORIN, SACERDOTE

 

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En una pequeña ciudad francesa vive Barny (Emmanuelle Riva), una joven viuda que trabaja corrigiendo pruebas en una academia por correspondencia (no hagan caso de lo que dicen muchas reseñas de que trabaja en Correos). Ella y su hija sufren los rigores de la guerra y para evitar la deportación de la niña, hija de padre judío, la envía al campo. A pesar de considerarse atea, para proteger a la niña decide bautizarla y elige al sacerdote Léon Morin (Jean-Paul Belmondo) para tratar con él temas relacionados con la religión y el catolicismo, y Léon le presta libros. Barny se convierte al catolicismo y se acerca más a Léon, sintiendo un deseo no correspondido por él.

Basada en la novela Léon Morin, prêtre (Premio Goncourt 1952), de la escritora belga en lengua francesa Béatrix Beck, secretaria de André Gide, que fue quien la animó a plasmar sobre el papel sus experiencias, entre otras, la pérdida de su esposo, un judío apátrida, víctima del nazismo durante la Segunda Guerra Mundial.

La propia autora de la novela criticó el hecho de que Melville hubiera hecho una obra comercial, entretenida y para todos los públicos, sin profundizar en los sentimientos del personaje principal, que en la novela muestra con más intensidad su amor por el sacerdote. Por su parte, Melville comentó que, al dirigir esta película, se propuso demostrar que no era un director de filmes para ser disfrutados por un círculo de entendidos y cinéfilos, y que podía atraer a un público más amplio.

Aunque no fue un éxito rotundo (A pesar de su triunfo en el XXII Festival de Venecia), la película destaca por sus interpretaciones, su montaje e ingeniosos encuadres, y su evocadora representación de la ocupación francesa. La guerra se ve como algo tangencial, pero vemos a alemanes e italianos que ocupan la localidad o a los norteamericanos que acaban liberándola (por cierto, no quedan muy bien parados), además de hacer referencia a temas como el de las tondues y otros que tienen que ver con el colaboracionismo, tratados de pasada pero que significan los primeros pasos para que fueran abordados más abiertamente por el cine francés posterior.

El sacerdote es plenamente consciente del poder que ejerce sobre la mujer y Jean-Pierre Melville logra transmitir la cercanía física entre el cura y ella, creando una atmósfera cargada de insinuaciones que es también una lucha moral entre los deseos físicos y las convicciones religiosas. 

La película pone el énfasis en la soledad de las mujeres durante el conflicto, tocando asuntos tan delicados como la homosexualidad femenina o la masturbación. Buena parte de la narración transcurre con escenas subjetivas que cuentan la historia bajo el punto de vista de Barny.

Las conversaciones entre los dos protagonistas resultan de un elevado intimismo, abordando temas como la existencia de Dios o el propio sentido de la vida, y las relaciones entre ambos, en las que el sacerdote mantiene siempre su fidelidad a sus votos, son tratadas con elegancia y madurez, sin soslayar momentos explícitos en cuanto a la atracción que Barny siente por él.

La banda sonora, ecléctica e ingeniosa es obra del pianista de jazz Martial Solal, aunque no tiene nada que ver con este género musical.