GILEAD

 

Gilead es un pequeño pueblo de Iowa, apenas un puñado de casas dispuestas a lo largo de unas pocas calles, tiendas, un elevador de grano, una torre del agua y la vieja estación del tren hoy destartalada. Las generaciones se suceden en una vida en apariencia apacible que se organiza alrededor de las comunidades religiosas. A través de una extensa carta que el reverendo John Ames escribe a su hijo de siete años para que éste la lea una vez él haya muerto, Marilynne Robinson narra con mano maestra el orden y la nada que reinan, aparentemente, en la pequeña comunidad. Pero en cualquier grupo humano, como en la consciencia de cualquier hombre, basta escarbar un poco para que afloren las limitaciones y las bajezas que los pueblan. Con una voz luminosa e inolvidable, John Ames abre su alma, elucubra acerca de la soledad, la guerra, la pérdida de la fe, la redención, los celos, para descubrirnos la condición humana y conseguir transmitir el milagro de la existencia. Gilead es, en cierto modo, un fiel retrato de la América profunda dominada por la religiosidad y por la ignorancia de todo lo que sucede unos kilómetros más allá.

El protagonista, casado en segundas nupcias tras la muerte de su primera esposa, con una mujer mucho más joven, tiene 76 años cuando su hijo solamente ha cumplido siete y este relato es una mezcla de crónica y examen de conciencia de su vida, casi siempre en el decadente entorno de su pueblo natal.

Contiene numerosas citas bíblicas que Ames disecciona, estudia y aplica a momentos concretos de su vida como si con ello quisiera escribir la epístola de su propia existencia.

El libro obtuvo el Premio Pulitzer en 2005.

EL MUNDO SEGÚN GARP

 

T.S. Garp (Robin Williams), el hijo de Jenny Fields (Glenn Close), una enfermera soltera y feminista, ha tenido desde niño dos pasiones: la literatura y la lucha. Con el tiempo se convierte en escritor, se casa y tiene dos hijos. A primera vista, parece que todo le va muy bien, pero, en realidad, su vida es un desastre y un fracaso. Entre otras cosas, Garp tendrá que soportar que su éxito como escritor se vea perjudicado por culpa de la cruzada feminista que encabeza su propia madre.

Basada en la novela de John Irving, narra la vida de T. S. Garp y su madre, Jenny. Mientras Garp se considera un escritor "serio", Jenny escribe un manifiesto feminista en el momento oportuno y se convierte en un imán para todo tipo de mujeres angustiadas.

No parecía tarea sencilla adaptar la novela de Irving, supongo que ese sería uno de los motivos de que la película tenga un desarrollo que me ha resultado desigual, con momentos realmente brillantes y algunos otros tramos en que parece que decae algo y es que la mezcla de comedia y drama tiene sus complicaciones. El fondo del film parece contener una critica a los ideales llevados al extremo que pueden causar daño, a veces irreparable, en las personas. En general, el resultado es una película que tiene algo de diferente y que resulta entretenida y, sobre todo en la parte de comedia, con algunas secuencias realmente conseguidas.

LAS BRUJAS DE EASTWICK

 

En la pequeña y tranquila población de Eastwick, Nueva Inglaterra, viven Jane (Susan Sarandon), Sukie (Michelle Pfeiffer) y Alexandra (Cher), tres modernas y aburridas mujeres sin pareja, por abandono, muerte o divorcio de sus maridos. Hartas de esperar al hombre capaz de satisfacerlas, una noche de lluvia se reúnen, e inocentemente, invocan al hombre perfecto. Pronto las tres mujeres descubren sus extraordinarios poderes cuando llega a la ciudad el misterioso millonario Daryl Van Horne (Jack Nicholson) y su no menos enigmático mayordomo Fidel (Carel Struycken), un personaje tan diabólico como seductor. A pesar de ser tosco, descarado y no especialmente guapo, Daryl consigue seducir a las tres amigas. Tras un incidente que involucra a una de las principales ciudadanas de la ciudad, la concejala Felicia Alden (Veronica Cartwright), las tres mujeres comienzan a comprender cómo y por qué Daryl es capaz de hipnotizarlas. Las tres deciden experimentar con algunos poderes aprendidos indirectamente de Daryl para poder recuperar el control de sus propias vidas.

El guion adapta la novela homónima del norteamericano John Updike.

La película tiene algo de relato gótico en escenarios modernos, con un toque feminista, en la que el protagonista masculino conquista a sus mujeres apelando a su voluntad de poder y libertad sexual.

El australiano George Miller nos sorprende con esta comedia de corte fantástico y esotérico y no porque sea especialmente brillante, sino porque venía de dirigir las tres primera entregas de Mad Max, cintas que nada tienen que ver con esta. Con algunos planos de gran mérito, sin ir más lejos las tomas aéreas del pueblo donde transcurre la acción que sirven de fondo a los títulos de crédito, el film no deja de ser una humorada que seguramente a algunos les hará gracia, en la que destaca el renombre de los miembros del elenco y la música de John Williams. Los actores cumplen, como no cabía esperar otra cosa de intérpretes de tal prestigio, con un Jack Nicholson desatado en su histrionismo que supongo sería lo que le pidió el realizador.

EL BAZAR DE LAS SORPRESAS

 

Alfred Kralik (James Stewart) es el tímido jefe de vendedores de Matuschek y Compañía, una tienda de Budapest. Todas las mañanas, los empleados esperan juntos la llegada de su jefe, Hugo Matuschek (Frank Morgan). A pesar de su timidez, Alfred responde al anuncio de un periódico y mantiene un romance por carta. Su jefe decide contratar a una tal Klara Novak (Margaret Sullavan) en contra de la opinión de Alfred. En el trabajo, Alfred discute constantemente con ella, sin sospechar que es su corresponsal secreta.

El guion de Samson Raphaelson, adapta la obra teatral del húngaro nacionalizado estadounidense Miklós László, Illatszertár (conocida en inglés como Parfumerie), que había sido estrenada en Budapest en 1937. De la misma se han hecho varias adaptaciones teatrales y, al menos, dos remakes de la película de Ernst Lubitsch, la primera de 1949, una especie de musical protagonizado por Judy Garland titulada In the Good Old Summertime (En aquel viejo verano), dirigida por Robert Z. Leonard y Buster Keaton. La más reciente, de 1998, "Tienes un e-mail" (You've Got Mail), dirigida por Nora Ephron y protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan.

El apacible microcosmos en que viven los empleados de la tienda del acaudalado Sr. Matuschek, se ve alterado cuando empieza a trabajar con ellos Klara, una joven segura de sí misma que cuestiona las decisiones y el trabajo de Kralik, de manera que la relación entre ambos se convierte en una verdadera guerra de sexos. Si a ello le añadimos el jaleo de las cartas que se entrecruzan; que Alfred descubre la identidad de Klara pero no le revela la suya y traza un plan para hacerlo cuando se siente atraído por ella; una infidelidad que provoca un malentendido por parte de Matuschek con Kralik que le lleva a juzgarlo equivocadamente y a despedirlo, tenemos montado un cóctel de enredos en esta comedia romántica que Lubitsch desarrolla con su habitual destreza.

ALREDEDOR DE LA MEDIA NOCHE

 

Dale Turner (Dexter Gordon) es un músico que poco a poco está perdiendo la batalla contra el alcoholismo, distanciado de su familia y con su carrera pendiendo de un hilo en el mundo del jazz de Nueva York en los años cincuenta. Dale recibe una oferta para tocar en París, donde, como muchos otros músicos negros estadounidenses de la época, disfruta de respeto sin tener en cuenta el color de su piel. Un dibujante parisino que está obsesionado con la música de Turner se hace amigo de él e intenta salvarle de sí mismo. Aunque para Dale el daño ya está hecho, su conmovedora relación con el hombre y su pequeña hija reaviva su espíritu y su música a medida que se acerca el final.

El personaje de Dale Turner es una combinación de los jazzistas de la vida real Bud Powell y Lester Young. La película se basa en la amistad del primero de ellos con Francis Paudras, en quien se inspira el personaje de Francis Borler, interpretado en el film por François Cluzet. El protagonista está interpretado por el saxofonista Dexter Gordon, nominado al Oscar por este trabajo. 

Toda la música está interpretada en directo.

La evocadora banda sonora de Herbie Hancock, ganadora de un Oscar, nos envuelve en esta especie de tributo que rinde Bertrand Tavernier al apogeo del bebop y a los intérpretes afroamericanos que encontraron refugio y cariño, en un ambiente mucho más liberal que el estadounidense, en aquellos clubs underground llenos de humo del París de los 50. 

Una historia agridulce, llena de humanidad y realismo que llega a conmovernos y en la que, por cierto, podemos ver a Martin Scorsese interpretando un breve papel. La película se torna a veces intimista y está envuelta en un halo de tristeza. Prácticamente una declaración de amor de Tavernier al Jazz y un retrato de aquel peculiar mundo de los clubs en que sonaba, que el realizador francés debió conocer quizá en el ocaso de los mismos y, por supuesto, mucho jazz que suena maravillosamente.

EL PRÍNCIPE DE LA CIUDAD

 

Daniel Ciello (Treat Williams), un policía neoyorquino de origen italiano, a fin de librarse de ciertas implicaciones en prácticas heterodoxas, acepta colaborar con asuntos internos para sacar a la luz diversos casos de corrupción; pero lo hace con una condición: no delatar a sus compañeros. Sin embargo, las cosas no van a ser tan fáciles.

El guion adapta la novela Prince of the City: The True Story of a Cop Who Knew Too Much, del escritor y periodista norteamericano Robert Daley, cuyo protagonista está inspirado en el detective de narcóticos de la policía de Nueva York, Robert Leuci. El testimonio de Leuci ayudó a acusar a 52 detectives corruptos.

Pocas veces se ha visto en la pantalla un retrato tan contundente y realista sobre la corrupción policial como el que nos acerca Sidney Lumet en esta película. Con acertadas interpretaciones nos narra el complejo mundo en el que viven estos hombres amparados por una placa que les permite zafarse de ciertas obligaciones justificándose en que las normas están hechas por personas que no conocen las calles y que les piden que hagan lo que ellos no se atreven. 

No acabamos de conocer bien lo que hay detrás de cada personaje hasta que la historia avanza, pues nada es lo que parece en ellos y los motivos que parecen claros y meridianos, dejan de estarlo cuando vamos conociendo más sobre su vida y sus motivaciones. Salen a la palestra los dilemas morales, las lealtades hacia los compañeros cuando estas se contraponen con el recto proceder, algo que ocurre en algunas otras profesiones, pero que aquí llama más la atención cuando están protagonizadas por personas que, al menos en teoría, deben dar ejemplo y están destinadas a velar por el cumplimiento de la Ley. También los conflictos que se plantean cuando se sienten manejados, incluso menospreciados cuando no abandonados a su suerte, por parte de superiores, políticos y burócratas, en ocasiones con comportamientos que tampoco son precisamente ejemplares. 

Lumet declaró en alguna ocasión que pretendía que fuera el público quien juzgara el comportamiento de este policía que, en apariencia, desea redimirse de sus errores y abusos y así nos deja en la tesitura de tratar de comprender a unos y a otros e inclinar la balanza según nuestras propias convicciones.

LA NOCHE SE MUEVE

 

El detective privado Harry Moseby (Gene Hackman) es contratado para lo que parece un caso estándar de persona desaparecida, ya que una ex-actriz de Hollywood cuyos únicos papeles importantes se produjeron gracias a su matrimonio con un magnate de los estudios, quiere que Moseby encuentre a su hija. Harry viaja a Florida para buscarla, pero comienza a ver una conexión entre la chica fugitiva, el mundo de los especialistas de Hollywood y un mecánico sospechoso, cuando sale a la luz un asesinato sin resolver.

Cuando parecía que el cine negro había dado lo mejor de sí un par de décadas antes, Arthur Penn lleva a la pantalla el guion de Alan Sharp que se adapta como un guante al canon de los clásicos del género, ambientando la historia en los años setenta.

El protagonista, interpretado por un magnífico Gene Hackman (nominado a varios premios por este trabajo), es un perdedor que aún cree en la justicia y vive con cierta desgana su profesión después de haber sido un destacado jugador de fútbol americano, lidiando como puede con sus problemas domésticos, descubriendo la infidelidad de su esposa, cansada de soportar sus ausencias, un asunto este tratado con sosiego y en el que intuímos comprensión y afán por solucionar el conflicto por ambas partes, que se comportan de una forma muy madura. 

El film, en el que encontramos a una jovencísima Melanie Griffith, contiene algunos diálogos brillantes en una narración que transcurre con cierto sosiego y resulta sencilla de comprender (me da cierta risa, por llamarlo de algún modo, leer algunos comentarios que la tachan de tener cabos sueltos y es que parece que hay espectadores a los que todo debe dárseles explicado, cuando en este film, además, las elipsis resultan de lo mas evidentes). 

Entre las varias perlas que nos deja el guion, una idea que se me ha quedado: Cuando tienes dieciséis años hay cosas que no entiendes y crees o te dicen que entenderás de mayor, pero cuando tienes cuarenta, la cosa no mejora.

LITTLE ODESSA (CUESTIÓN DE SANGRE)

 

Joshua Saphira (Tim Roth), un asesino profesional, regresa a Brighton Beach, el barrio donde nació, por cuestiones de trabajo. El retorno a la población de inmigrantes rusos donde pasó su juventud despierta en él recuerdos dolorosos y confusos.

Debut en la gran pantalla como guionista y director de James Gray cuando tan solo tenía 24 años, obtuvo por este film el León de Plata al mejor director en el Festival de Venecia de 1994.

Relato duro y cargado de violencia al tiempo que conmovedor, con tintes de cine negro. Con una explícita moraleja y a pesar de la ausencia de giros en el argumento, la película sabe conjugar la historia criminal con el trasfondo de la tragedia familiar, resulta muy interesante y acaba envolviendo al espectador.

EN LO MÁS CRUDO DEL CRUDO INVIERNO

 

Joe Harper (Michael Maloney) es un actor en paro en el que sólo parece confiar su agente Margaretta D'Arcy (Joan Collins). Contra el parecer de ésta, Joe, mientras espera para ver si le ofrecen un papel en una gran producción de ciencia ficción, decide montar una representación teatral navideña de "Hamlet", su obra favorita. Harper montará la obra a cambio de participar en las ganancias, es decir, probablemente no ganará nada y tendrá a su órdenes unos actores bastante mediocres, con solo tres semanas para preparar la obra, toda una aventura. Pero aunque todos traen consigo sus propios problemas y debilidades, algo más grande comienza a surgir en el pueblo de Hope (Esperanza en castellano).

Lo de Kenneth Branagh por Shakespeare es algo más que simple admiración y en este film rinde tributo al genio inglés y a la obra que más admira, ese Hamlet que el propio Branagh llevaría a la pantalla un año después.

Pero la película trasciende este amor del realizador británico por su paisano, para convertirse en un sentido homenaje al teatro y a quienes se dedican a él, en ocasiones, como ocurre en la película, sacrificando una vida más cómoda por cumplir su sueño cuando no logran alcanzar grandes éxitos en su carrera, pero siguen porfiando en hacer aquello que les gusta. 

Una comedia a veces triste, en ocasiones divertida y siempre entrañable, sobre este mundo de las tablas y la gran familia que a él se dedica en los circuitos secundarios lejos del brillo y el oropel de las grandes producciones.

PLANETA PROHIBIDO

 

Cuando el comandante Adams (Leslie Nielsen) y su tripulación son enviados a investigar por qué se interrumpieron las comunicaciones con una misión anterior a un planeta explorado tiempo atrás, encuentra sólo dos supervivientes, el Dr. Morbius (Walter Pidgeon) y su hija Altaira (Anne Francis). Sin que Adams lo sepa, Morbius ha hecho un descubrimiento que no tiene intención de compartir con nadie.

Basada en La Tempestad de William Shakespeare tal como los propios autores de la historia (Irving Block y Allen Adler) reconocieron, la película fue estrenada en España once años después de filmada, concretamente el 13 de marzo de 1967, ¿el motivo de tal retraso?, Anne Francis fue la primera actriz que aparece con minivestido en la historia del cine (o de las primeras), además de estar descalza en casi todas las escenas. La película también estuvo prohibida durante años en otros países. ¡Ay, Dios!, qué sería de nosotros si no hubiera gente tan preocupada por velar porque nuestro valores morales no se resquebrajen. ¡En fin!

Tenida por una película clave en el desarrollo de la ciencia ficción cinematográfica, en cierto sentido lo es, aunque su argumento resulta algo ingenuo al lado de otras películas contemporáneas a ella e incluso anteriores. Pero sí es cierto que abrió camino para que llegaran filmes que dieron un nivel al género que no tenía hasta entonces, pues esta fue la primera en que el estudio proporcionó medios económicos en lugar de abordarla como un film de serie B que era lo que solían hacer hasta entonces. Además hay otras cosas que quedaron reflejadas en producciones posteriores y que dieron muchos y buenos resultados, como la introducción del robot Robbie, todo un personaje que se nos hace simpático y de cuando en cuando tiene hasta sus disquisiciones pseudo filosóficas, o la aparición del lado oscuro del personaje del Dr. Morbius. ¿Les recuerdan algo estas cosas?

CRUZADA EN EUROPA

 

Cuando acabó la II Guerra Mundial, el comandante supremo aliado en Europa, el general estadounidense Dwight D. Eisenhower, publicó sus memorias de guerra, que inmediatamente alcanzaron un gran éxito comercial, realizándose dos nuevas ediciones en poco tiempo. Ike da muestras de su talla política a lo largo de las páginas de la obra, no tanto de la militar, siempre muy cuestionada. El último capítulo, correspondiente a su viaje a la Unión Soviética, es significativo al respecto y casi abre la puerta a una carrera posterior. En los primeros capítulos se centra en los preliminares de la entrada en guerra de Estados Unidos y cubre extensamente la campaña en el norte de África. Sus comentarios, aún siendo bastante subjetivos, no dejan de proporcionar una visión muy interesante de la postura estadounidense a lo largo de la contienda. De todas maneras, el que fuera Comandante Supremo sabe mantenerse a lo largo del texto en una postura, en general, poco conflictiva con respecto a sus aliados. Resultan muy interesantes los capítulos dedicados al Desembarco de Normandía y los posteriores avances por territorio continental, en los que se relata cómo después de maduras reflexiones, el Estado Mayor aliado decidió que el día D, aquel en que se debía iniciar la invasión de Francia, fuera el 5 de junio de 1944. Las tropas norteamericanas, británicas y canadienses, fueron transportadas por mar o por aire desde la costa inglesa, y el autor relata sus impresiones sobre el desarrollo de los acontecimientos cuando empezaron a operar en la mañana del día señalado y las acciones se sucedieron aproximadamente según lo previsto, siempre con cierto optimismo, seguramente por el curso favorable de los acontecimientos pese a puntuales inconvenientes. Por ejemplo, cuando tras el huracán que se desencadenó el día 19 de ese mes y que mantuvo detenidas todas las faenas de desembarco durante cuatro días, en el sector americano gran número de buques y lanchas encallaron o quedaron varados en la playa de Omaha, la idea que saca Eisenhower del desastre es esta: "No hubo cuadro de guerra que me diera tanta impresión del poderío industrial de Norteamérica como el material destrozado por las olas en las playas de desembarco. Para cualquier otra nación, aquel desastre casi habría sido decisivo; para la capacidad de producción de los Estados Unidos, la gran tormenta fue sólo un pequeño escarceo en el desarrollo de nuestra concentración".

Eisenhower señala también las diferencias con algunos de los otros mandos, tanto civiles como militares, por ejemplo con los británicos, lo hace de forma velada y sin ningún asomo de acritud y siempre reconociendo que, una vez acabadas las discusiones, todos actuaban con lealtad, de hecho reproduce una carta que le remitió el general Montgomery una vez acabado el conflicto, en la que éste le manifiesta el orgullo de haber servido a sus órdenes a pesar de haber tenido diferencias en alguna oportunidad.

EXCALIBUR

 

Tras una larga y cruenta guerra, Uther Pendragon (Gabriel Byrne) le ruega al mago Merlín (Nicol Williamson) que le ayude a seducir a la esposa de su nuevo aliado, el Duque de Cornwall. Merlín accede, pero a condición de que el fruto de esa unión le sea entregado. Esa misma noche, es concebido Arturo (Nigel Terry). Dieciocho años después, los nobles del reino cuyo trono está vacante intentan apoderarse de Excalibur, la espada mágica que está incrustada en una piedra desde la muerte de Uther, pero será Arturo quien logre arrancar la espada de la piedra y será proclamado rey. Arturo se casa con Ginebra (Cherie Lunghi) y reúne a los Caballeros de la Mesa Redonda. La malvada hermanastra de Arturo, Morgana (Helen Mirren), engendra un hijo con él, que puede resultar su perdición.

Correctas interpretaciones y una llamativa puesta en escena para la que es tenida por los aficionados como una de las mejores adaptaciones de las leyendas artúricas, llevadas a la pantalla en no pocas ocasiones.

Con algunas escenas realmente brillantes y evocadoras, el film cuenta con una banda sonora que incluye piezas clásicas de Tristán e Isolda o de Parsifal, de Wagner, así como de Carmina Burana de Carl Orff. 

Un film que tiene algo de extraño y poético a un tiempo.

CAMELOT

 

El caballero francés Lancelot du Lac (Franco Nero) llega a la corte del rey Arturo (Richard Harris) para integrarse en la Orden de la Mesa redonda, recién creada por el monarca inglés. Lancelot se enamora de la reina Ginebra (Vanessa Redgrave) y su amor es correspondido. Aunque Arturo no presta oídos a las insinuaciones que le hacen sus más allegados, al final no tiene más remedio que reconocer los hechos y obrar en consecuencia.

Adaptación cinematográfica del musical homónimo de Alan Jay Lerner  y Frederick Loewe (ambos participan en el film, el primero como guionista y el segundo como autor de la música junto a Alfred Newman) estrenado en Broadway en 1960 (con Julie Andrews y Richard Burton en los papeles protagonistas) y basado, a su vez, en la obra de T. H. White The Once and Future King, una colección de cinco novelas sobre el Rey Arturo, las primeras cuatro en un solo tomo y la quinta (El libro de Merlín), que se publicó tras el fallecimiento del autor.

En la película aparecen los castillos donde viven Lancelot y Arturo, en ambos casos representados por construcciones reales situadas en la provincia de Segovia: En el que habita Lancelot, es el Alcázar de la capital y el castillo de Camelot, es el castillo de Coca.

A pesar de ser básicamente un musical, la película trata de reflejar ese mundo de utopía, magia, amor y fidelidades traicionadas centrándose en ese triángulo que forman Arturo, Ginebra y Lancelot. La historia se desenvuelve en fastuosos escenarios interiores, en ocasiones abigarrados y unos exteriores bucólicos, con un imponente despliegue de elegante vestuario en el caso de la reina. Contiene escenas de cierta brillantez, aunque es cierto que tanto las canciones como la música en general, no son de las más recordadas en la historia de los grandes musicales de Hollywood y además, su duración, casi tres horas, tampoco contribuye a que sea una de esas películas que dejan huella.

ARSÉNICO POR COMPASIÓN

 

Mortimer Brewster (Cary Grant), un crítico teatral conocido por sus diatribas contra el matrimonio, acaba de casarse y, antes de partir para su luna de miel, visita a sus ancianas tías para comunicarles su cambio de estado. Durante la visita descubrirá que las encantadoras viejecitas tienen una manera muy peculiar de practicar la caridad.

El guion adapta la obra teatral Arsenic and Old Lace, del dramaturgo estadounidense Joseph Kesselring, todo un éxito en Broadway donde se mantuvo en la cartelera entre 1941 y 1944, con 1.444 representaciones y otras 1.337 en Londres.

Frank Capra consiguió rodearse de un magnífico equipo técnico y artístico para construír esta historia que venía precedida del éxito en Broadway, con un cuadro de actores que incluía a las dos actrices que interpretaban a las tías en el teatro, verdadero eje de los momentos más divertidos del film y a un Cary Grant muy solvente al que se tacha de sobreactuar (él mismo lo dice y no estaba muy satisfecho con su actuación por este motivo), pero es que, al parecer, eso fue lo que le pidió Capra.

De cualquier manera y aún reconociendo todos los méritos de la película, seguramente es un humor que el público de hoy no aprecia como el que la vio en su momento, los gustos del personal han cambiado o han evolucionado, en parte, supongo, por el mismo hecho de haber visto una y otra vez historias semejantes en el cine, con lo cual la novedad deja de serlo. Aún así, sobre todo si uno es capaz de ponerse en el momento, tiene escenas brillantes y algunas realmente divertidas.