BULLET TRAIN

 

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka con unas pocas paradas intermedias. Descubren que sus misiones no son ajenas entre sí. La pregunta es quién saldrá vivo del tren y qué les espera al final del trayecto.

El guión adapta la novela japonesa "Maria Beetle" de Kôtarô Isaka, publicada en 2010. 

Complicado esto de realizar una película en un solo escenario, aunque éste de más de si que una sola habitación, el simple hecho de cambiar de vagón, supone cierto juego para la acción.

Y precisamente, si algo tiene el film es acción trepidante, peleas espectaculares y un ritmo que no decae.

La película es básicamente una comedia negra que, aunque trata de ser ingeniosa en sus diálogos, salvo en algún caso concreto, tampoco estos sean un dechado de inteligencia, muchas veces, puras tonterias que dan lugar a otras tontería más grande como réplica.

Una panda de asesinos que a la hora de la verdad se muestran algo torpes, o quizá sea la mala suerte que tanto invocan, aunque también se nos haga ver que muchas veces la suerte depende de cómo lo mires, lo que parecía una metedura de pata, te puede salvar la vida, o dar pie a que te libres de pasar por el sitio equivocado en el momento más inoportuno. En ocasiones, la realización parece más preocupada por mantener el ambiente de comedia negra con muchos mamporros, que por la propia historia en sí. Una historia, por otro lado, bastante disparatada, pero supongo que los aficionados a este tipo de films, suelen ser bastante benévolos, así que seguro que lo disfrutarán. 

Brad Pitt bastante correcto, en una película que, para qué negarlo, tiene sus momentos divertidos aunque, para mi gusto, el final se alarga demasiado, tal vez quisieron hacer coincidir su duración con el tiempo que se tarda en viajar en este tipo de trenes desde Tokyo a Morioka, si así fuere, me parece un capricho innecesario que estropea un poco el film y da la impresión, sobre todo el final, ya digo, de que lo estiran más de la cuenta. 

Hay quien la compara con algunos films de Tarantino o Guy Ritchie y, hombre, para hacerse una leve idea no está mal, pero no llega a ese nivel, a pesar de lo cual puede hacerte pasar un rato entretenido a base de esas conexiones que los propios personajes van descubriendo entre ellos, algunos giros de guión, secuencias y diálogos a veces con algo de ingenio y, sobre todo, lo dicho, mucha acción.

EL JUEZ DE LA HORCA

 

En un lugar en pleno desierto, con apenas una especie de colmado y alguna mísera casucha de mexicanos, junto al río Pecos, que marcaba los límites entre la civilización y el salvaje oeste, están a punto de ahorcar a Roy Bean (Paul Newman), un forajido ladrón de bancos. Por fortuna la cuerda que lleva alrededor del cuello y es arrastrada por un caballo al galope, se rompe y María Elena (Victoria Principal), una joven mexicana, se preocupa por él y consigue hacerse con la pistola que le arrebataron, devolviéndosela. Roy, tras vengarse de quienes quisieron lincharle, se autonombrará juez, impartiendo su propia justicia.

El guión se inspira en la figura de Phantly Roy Bean, apodado "El juez de la horca", uno de esos personajes del Oeste Norteamericano que, igual que otras figuras (Buffalo Bill, Billy El Niño...), por diferentes motivos, se han convertido en seres legendarios, cuyas biografías son una mezcla de realidad y ficción y que forman parte del imaginario colectivo. Por más que nos parezcan disparatadas las historias que se narran en la película, prácticamente todas ellas sucedieron tal cual o, al menos, así se cuentan cuando uno acude a echar un vistazo a la biografía de este hombre peculiar. 

El film cuenta con un elenco de nombres muy conocidos en la cinematografía, desde el propio director, John Huston, que también tiene un pequeño papel, hasta el guionista, John Milius, pasando por los intérpretes (Newman, Victoria Principal, Ava Gardner, Ned Beatty, Anthony Perkins, Jacqueline Bisset, Stacy Keach, Michael Sarrazin...), si bien es cierto que algunos de ellos apenas tienen apariciones testimoniales o pequeños papeles de personajes que desaparecen del film. Para acabar de completar tan impresionante elenco, decir que la partitura musical es de Maurice Jarre y el diseño de vesturario de la mítica Edith Head.

La película es básicamente una sucesión de sketch que nos presentan una serie de situaciones cargadas de comicidad. Al parecer, Huston manifestó en alguna ocasión que la forma de narrar, aparentemente dispersa, era una elección deliberada, dejando que las cosas ocurrieran sin buscar justificaciones, simplente suceden, unas veces cómicas, otras dramáticas, divertidas o tristes y, en ocasiones, aparentemente ridículas. El film, en general, resulta disparatado y divertido, aunque al final, se enreda en unas secuencias que, a mi parecer, deslucen bastante el conjunto.

LA TORMENTA DE HIELO

 

Los Hood viven en New Cannan (Connecticut), algo en la familia parece que no funciona bien, Benjamin (Kevin Kline), el padre, tiene aventura con la vecina; su esposa Elena (Joan Allen), está harta de las incesantes mentiras de su marido; su hijo Paul (Tobey Maguire), se dirige a Manhattan en busca de una chica rica de su escuela preparatoria y Wendy (Christina Ricci), la hija adolescente, deambula por el vecindario, explorando, en busca de algo, cualquier cosa, que le resulte nuevo. Durante la noche de Acción de Gracias, llega una tormenta de hielo, los problemas de la familia parecen tornarse intrascendentes y una serie de acontecimientos, llevará a los Hood a replantearse sus vidas en las que nada volverá a ser igual.

La liberación sexual, tan de moda, ha llegado a los barrios residenciales y ha salpicado a las acomodadas y tradicionales familias americanas, que, de pronto, se aficionan al intercambio de parejas, mientras las noticias sobre el Watergate, mantienen atenta a la audiencia televisiva. 

El guión adapta la novela del mismo título del músico y escritor norteamericano Rick Moody.

Con un llamativo elenco de intérpretes que incluye, además de los ya citados a Katie Holmes, Sigourney Weaver o Elijah Wood, entre otros, el taiwanés Ang Lee reflexiona sobre los problemas y contradicciones de una familia burguesa de los setenta y, a través de ellos, realiza un retrato mordaz de una sociedad en descomposición que únicamente cae en la cuenta de la vacuidad de los problemas que ellos mismos se han creado, cuando la vida les da un sopapo en toda regla y son conscientes de lo frívolos que somos al hacer montaña de cosas vanas, quejarnos del aburrimiento cuando lo tenemos todo para mantener una existencia despreocupada y feliz.

EL VIAJE DE FELICIA

 

Felicia (Elaine Cassidy) es una joven que ha vivido siempre en una aldea irlandesa. Cuando su novio Johnny emigra a Inglaterra para buscar trabajo, Felicia lo sigue, sobre todo porque está embarazada. Cuando llega a Birmingham conoce a Joseph Ambrose Hilditch (Bob Hoskins), el meticuloso gerente de una empresa de catering.

El guión adapta la novela Felicia's Journey, del escritor irlandés William Trevor, publicada en 1994.

Un relato delicado sobre un asunto inquietante, en el que Atom Egoyan hace un uso acertado y bien dosificado del flashback para acercarnos a la vida pasada de ambos protagonistas. Además del tema perturbador que parece presidir el relato, este incide en otros asuntos como la disfuncionalidad familiar o la sexualidad reprimida. 

Con una interpretación sobresaliente de Bob Hoskins, a pesar del discutible epílogo, seguramente decepcionante para más de uno, estamos ante un película absorvente que logra concitar la atención del espectador y mantener la tensión gracias, sobre todo, a ese personaje interpretado por Hoskins absolutamente inquietante.

EL MENÚ

 

Tyler (Nicholas Hoult) y su acompañante Margot (Anya Taylor-Joy), llegan al Hawthorn, un restaurante minimalista privado, templo culinario exclusivo dirigido por el reconocido chef gourmet Julian Slowik (Ralph Fiennes), esperando todo lo mejor que la alta cocina les puede ofrecer. Junto a ellos, asistirán a la experiencia un variopinto grupo de personajes (una crítico gastronómica, un actor vemido a menos, etc.), todos ellos aparentemente ricos y de buena posición. Nadie sabe que el genio críptico de la cocina tiene grandes planes para esta noche. Después de todo, el imperioso artista culinario ha estado ampliando los límites del gusto y la buena mesa durante décadas. Ahora, el anfitrión, finalmente puede revelar su obra maestra que tendrá un resultado sorprendente.

Comienzo que alimenta las expectativas pero que poco a poco se va diluyendo a base de repetición de giros que dejan de sorprender. El film se desarrolla prácticamente en un único escenario, el comedor del restaurante con vistas a la cocina. Los personajes se desenvuelven allí y se nos apuntan sus circunstancias personales sin profundizar demasiado en ellas.

Y es que el asunto principal del film, al menos así me lo parece, es una especia de crítica, no exenta de sarcarmo, de este mundo de la alta cocina que reune a personajes singulares que van desde el verdadero gourmet, que siente placer por descubrir y apreciar nuevos sabores, hasta otros muchos que simplemente siguen la corriente y alaban cosas por el simple hecho de venir de quien vienen sin que realmente tengan una idea clara de qué va aquello.  Por extensión, ese mundo puede ser tomado como un reflejo de nuestra propia sociedad, en la que junto a ambientes sofisticados en los que abunda el derroche, convive la pobreza y la necesidad.

El personaje de Fiennes, en cierto modo se siente hastiado de todo este tinglado, de que le sigan el aire personas por las que no siente respeto alguno y por tener que estar demostrando una vez tras otras que no para de innovar. Pienso que la película tiene sus tramos interesantes, pero a lo largo de otros cae en un cierto aburrimiento. A pesar de ello, como digo, tiene sus momentos en los que parece regodearse, caricaturizando situaciones que se nos han hecho habituales gracias al auge que ha tomado la cocina de diseño, como la reiteración de expresiones y situaciones de las que parece mofarse un poco: La repetición constante del "sí chef" o "quiero el emplatado en cinco" y esa especie de situación contradictoria que se crea entre el trabajo creativo y perfeccionista de los cocineros, pero que al chasquido de palmas del chef, quedan todos firmes como velas esperando sus órdenes.

La película navega por géneros diversos (el terror, el misterio, la comedia...), pero no destaca en ninguno de ellos.

DISTRITO APACHE: EL BRONX

 

La vida en el peligroso South Bronx de Nueva York desde la perspectiva de un policía. En el centro está "Fort Apache", como los oficiales llaman a su comisaría de policía, que ellos sienten como un puesto de avanzada en territorio enemigo.

El recordado guionista y productor televisivo Steven Bochco, que participó en la creación y edición de series como Ironside, Colombo, McMillan y esposa o La Ley de Los Angeles, manifestó que esta película sirvió de inspiración para su mítica serie Canción triste de Hill Street. 

La historia sigue a Murphy (Paul Newman), un inspector al que han vuelto a mandar a patrullar las calles y al que le incomodan algunas de las cosas que tiene que ver en la comisaría.

Murphy es un policía de raza, dispuesto a cumplir con su trabajo, pero quemado por las circunstancia, destinado en un barrio de alto riesgo, en el que el simple hecho de salir a la calle supone asumir posibles consecuencias indeseadas. La policía enfrentada a muchos de sus habitantes (yonkis, traficantes, chulos, prostitutas, marginados, delincuentes...) y en el que las personas de bien, que las hay, solo se sienten seguros en las proximidades de la comisaría, una avanzada de la ley en territorio hostil. 

Con un claro fondo de crítica social, desmitificando el sueño americano y dejando al aire las vergüenzas de una sociedad en la que no es oro todo lo que reluce, hasta la policía es poco de fíar, con algunos corruptos en sus filas. La película, por momentos, parece un pastiche de episodios y en otros, se muestra algo errática, de cualquier modo, estamos ante un film entretenido, con un buen plantel de actores, magníficamente ambientada, que denuncia el olvido de las autoridades hacia determinadas zonas o colectivos a los que se deja que se vayan pudriendo sobre sí mismos.

EL HOMBRE DE MACKINTOSH

 

Joseph Rearden (Paul Newman), un agente del Servicio de Inteligencia Británico, es acusado del robo de un envío de diamantes y acaba en prisión, huyendo de la cárcel con un espía. Su misión consiste en infiltrarse en una red que facilita la fuga de presidiarios y relacionada con el espionaje, descubrir a sus miembros y acabar con el espía fugado antes de que pueda salir del país.

El guión adapta la novela "The Freedom Trap" de Desmond Bagley, basada libremente en la identificación, detención y huída de la prisión de Wormwood Scrubs en 1966, del espía ruso George Blake (también conocido como George Behar), que trabajaba en la inteligencia británica como agente doble.

La película consigue mantener, es cierto que a veces a duras penas, el interés por la intriga que viene dada, principalmente, por el desconocimiento que tiene el protagonista de quiénes son sus enemigos, incluso de cuál es su verdadera misión, algo que deduce conforme van transcurriendo los acontecimientos. 

El film incluye peleas, persecuciones, giros inesperados y buenas dosis de acción y aventura, a pesar de lo cual, del buen elenco de actores y de las estupenda partitura de Maurice Jarre (de lo mejor de la película, junto a la interpretación de James Mason), no logra alcanzar el nivel esperado por el espectador a la vista del renombrado equipo técnico y artístico. 

Film correcto y con cierto atractivo, entretenido para el espectador, pero sin destacar demasiado.

HARDCORE, UN MUNDO OCULTO

 

La hija de un empresario que vive en una ciudad del Medio Oeste norteamericano, desaparece mientras está en California asistiendo a un congreso de juventudes calvinistas. Un detective privado contratado por el padre, encuentra una pista que lo lleva al mundillo de las películas porno. A continuación, el padre, descontento con el trabajo del detective, le despide y emprende un desesperado viaje con la intención de recuperar a la joven.

Jake Van Dorn (George C. Scott), además de empresario, es un hombre de fuertes convicciones calvinistas, perteneciente a la Iglesia Reformada Cristiana Holandesa. Esta es la historia de un viaje con dos vertientes: La búsqueda de su hija y su propio viaje introspectivo, por un lado, y hacia un mundo desconocido, por otro.

Muy bien ambientada, al principio del film contemplamos los blancos paisajes nevados, los servicios religiosos, o las reuniones familiares de Acción de Gracias, como símbolo de ese mundo níveo y puro en el que viven encerradas estas familias de rígidas y profundas creencias, alejadas del pecado de tantas Sodomas y Gomorras como les rodean, que apenas les llegan a través de la televisión que el anciano tío les apaga a los niños reunidos alrededor de ella: La televisión la hacen esas personas que vivían aquí y no me gustaban y marcharon a California y siguen sin gustarme, argumenta.

Cuando Jake Van Dorn sale a ese otro mundo en busca de su hija, el paisaje cambia de manera radical: calles sucias, tugurios malolientes, ambientes oscuros apenas iluminados por los neones de colores que anuncian espectáculos de contenido sexual, chulos, prostitutas...: El pecado. Ese mundo oscuro que como le dice el detective al protagonista, existe y quizá usted no debería conocer. A esa situación tan incómoda, se enfrenta el recto calvinista en busca de una hija a la que presta atención cuando la pierde, al fin y al cabo como hacen (como hacemos) tantas personas cuando únicamente valoran lo que tienen cuando lo pierden. 

Película en la que no ha lugar para el aburrimiento a través de una historia que transcurre con soltura, aunque no siempre con el mismo interés, diálogos intensos que, en ocasiones, no están exentos de un humor mordaz, con momentos en los que dialogan Jake (magnífico e intenso George C. Scott) y Niki (Season Hubley), la prostituta que le ayuda a encontrar a su hija, que quizá protagonizan las mejores escenas del film.

Una lástima ese final condescendiente y, aunque el presidente de Columbia, Daniel Melnick, fue quien le dijo a Paul Schrader que cambiara el final previsto, él asume la responsabilidad y ha manifestado su convencimiento de que con esa concesión estropeó la película.

EL DULCE PORVENIR

 

Un autobús escolar se despeña montaña abajo y se hunde en un lago helado. En el accidente mueren casi todos los niños del pueblo. El abogado Mitchell Stevens (Ian Holm) se entrevista con los padres, reabre sus heridas del pasado y les propone llevar el caso a los tribunales.

El guión adapta la novela The Sweet Hereafter, del norteamericano Russell Banks, inspirada, a su vez, en el accidente de un autobús escolar en Alton, Texas, en 1989.

La película discurre a través de de una narración no lineal que creo que le viene muy bien, haciéndola más interesante y bastante lograda gracias a un guión acertado y a una gran labor de montaje. 

Atom Egoyan construye un relato que trata de huír de lo lacrimógeno, aunque tiene alguna escena en que la sensación de dolor se hace presente, sobre todo a través de los recuerdos. De cualquier modo, la historia transcurre sin hacer especial hincapié en la crudeza de la situación y sí en las repercusiones que una tragedia de tal magnitud tiene sobre algunos de los personajes a través de las visitas del abogado que hurga en la herida tratando de despertar la ira de los damnificados y sacar provecho de ello, enmascarándola bajo una apariencia de justicia necesaria contra una situación que hace ver se pudo haber evitado. 

A partir de aquí, las interpretaciones que ofrece el film son múltiples, desde la avaricia de alguna de las familias, hasta la necesidad de buscar algún culpable, pasando por quienes consideran que aquello fue un desgraciado accidente y que deben dejarse las cosas como están y, a base de solidaridad y apoyarse unos en otros, ir curando las heridas en lo posible. Durante buena parte del film se establece un paralelismo entre la tragedia que ha sufrido el pueblo y el clásico de los Hermanos Grimm "El flautista de Hamelin", que abre aún más el abanico de interpretaciones. 

Un film de esos que te llevan a reflexionar, plagado de emociones contenidas, con algunos planos de gran calidad estética y una historia que tiene varias vertientes, en la que toman cuerpo las situaciones vitales particulares de algunos de los personajes, contada de un modo que mezcla el realismo y el tono poético.

EL SAMARITANO

 

Ambientada en un barrio pobre de la ciudad de Nueva York, aunque el protagonista, que vivió alli en su infancia y juventud, ahora tiene una casa en una zona residencial de clase media alta. 

Sus figuras centrales son dos antiguos conocidos del vecindario de cuarenta y tantos años: el guionista de televisión blanco Ray Mitchell, que ha regresado de California con una buena cantidad de dinero en su cuenta corriente gracias a su trabajo como guionista televisivo, por el que incluso recibió una candidatura a los Emmy. Pretende reconectarse con Ruby, su hija adolescente que vive con su madre de la que Ray está divorciado. Con mucho tiempo libre y sin necesidades económica acuciantes, decide acudir como voluntario a su antigua escuela de secundaria para dirigir un taller de escritura creativa. El otro personaje es la detective de policía negra Nerese Ammons, cuya jubilación anticipada ya planificada, se retrasa cuando se entera de que Ray ha sido agredido salvajemente en su domicilio por un asaltante a quien se niega a identificar. 

Alternando la narración en tiempo presente con flashbacks detallados, muestra cómo la investigación de Nerese sobre este misterio hace surgir fantasmas del pasado, al mismo tiempo que presenta una galería de personajes involucrados y potencialmente culpables. Los principales sospechosos parecen ser Danielle Martinez, la esposa de un traficante de drogas encarcelado, con quien Ray tiene una relación breve e intensa; el marido de Danielle, Freddy Martínez; y Coley Rodgers (también conocido como Salim El-Amin), un habitante con poca fortuna de las calles miserables de Dempsy que se aprovecha de forma descarada e interesada de los impulsos liberales y de gran corazón de Ray por ser un "buen samaritano" para con los que son menos afortunas que él. 

La novela del norteamericano Richard Price, va mucho más allá del simple relato policiaco y en ella cobra gran importancia el entorno social en que se desarrolla, habilmente descrito por el autor. Un barrio en que se hacinan negros e hispanos en viviendas sociales y donde los jóvenes tienen problemas para su promoción futura debido al entorno de pandilleros, pequeños traficantes y delincuencia de poca monta; niños criados en familias totalmente desestructuradas, con madres aún jóvenes que llevan a sus novios a casa y padres que o han desparecido cobardemente o entran y salen de forma recurrente en la cárcel. Muy interesante también el retrato del protagonista que, en su pasado ha tenido problemas con la cocaína y que ahora, tras su éxito como guionista, se ha vuelto un adicto a las buenas acciones. 

Tras recibir la negativa de Ray para contarle quién es el agresor, Nerese, antigua conocida de la infancia, cuando todos la llamaban Chitina, descubre que Ray ha desembolsado importantes sumas de dinero destinadas, aparentemente a ayudar a otras personas de forma desinteresada, pero es evidente que, en el fondo, lo que busca es gratitud y aprecio. Sin embargo, Ray es un inmaduro y no se da cuenta de que cuando ayudas a alguien de ese modo tan comprometido, no estableces un simple contrato de "te doy mi ayuda y ahora desaparezco", sino que creas un vínculo del que es difícil desprenderse. Con estos dos protagonistas, el bien intencionado pero equivocado Ray y la dura pero reflexiva Nerese, una mujer cuya propia vida es seguramente tan complicada como la de Ray, y con una deslumbrante variedad de personajes secundarios, muchos dibujados completamente en unas pocas escenas rápidas: Carla, la antigua compañera de clase de Ray; Danielle, la hija de Carla y amante de Ray; el problemático hijo de Danielle, Nelson; la hija de Ray, Ruby; el sobrino de Nerese, que comete un asesinato a causa de su agitada vida hogareña; el soplón del barrio Tom el Blanco; e innumerables otros personajes que aparecen en las historias de Ray sobre su vida en el antiguo vecindario, Price construye un relato que se aleja del sermón moral, logrando equilibrar los incisivos comentarios sociales con una historia fascinante, de manera hábil y convincente.

EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA

 

Carl (Harris Dickinson) y Yaya (Charlbi Dean), son una pareja de influenceres invitados a un crucero de lujo en un superyate. Mientras la tripulación brinda todas las atenciones necesarias a los ricos invitados, el capitán se niega a salir de su cabina, a pesar de la llegada inminente de la célebre cena de gala. Los acontecimientos toman un giro inesperado cuando se levanta una tormenta y el barco naufraga después de haber sufrido un atentado terrorista.

La película fue premiada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2022.

Se estructura en tres actos, con el nexo de unión de la pareja protagonista, aunque en cada uno de ellos, otros personajes adquieren absoluta relevancia.

El primero es una especie de crítica a la sociedad de consumo a través del mundo de la moda y de los modelos, tratados como ganado.

En el segundo, además de las discusiones entre el capitán y un rico empresario que procede la Europa del Este sobre el capitalismo y el marxismo, vemos cómo el yate se convierte en un reflejo de la propia sociedad, con la tripulación atendiendo de manera servil a los ricos pasajeros que la tratan entre el desprecio y la más penosa condescendencia.

En el tercero, por fin, la tortilla se da la vuelta. Arrojados los supervivientes a lo que ellos piensan que es una isla desierta, acaban todos en manos de la empleada de limpieza del yate, única persona capaz entre todos ellos de desenvolverse con éxito en un ambiente hostil.

El racismo, el clasismo, la alienación laboral... Una crítica explícita a esta sociedad burguesa occidental en la que unos cuantos tocados por el éxito en los negocios o premiados por la meritocracia, dirigen nuestros destinos como si fueran antiguos señores feudales y cuando llega el momento en que el dinero o la influencia política no valen para nada, se nos muestran como los más inútiles de los seres, incapaces de resolver los más sencillo problemas porque, en realidad, no saben hacer nada. 

Es cierto que por algunos instantes el film parece darnos un poco de consuelo al mostrarnos cómo los más humildes son capaces de darles sopas con honda cuando las cosas se ponen difíciles, pero, al final parece que las cosas van a retornar a su cauce y aquello fue solo una ilusión transitoria.

ÚNICO TESTIGO

 

Samuel Lap (Lukas Haas), un niño amish de 8 años y su madre viuda, viajan a Filadelfia para visitar a la hermana de la madre. Mientras esperan el enlace con otro tren, el joven es testigo de un brutal asesinato dentro de los baños. Se asigna al detective de policía John Book (Harrison Ford) la investigación del asesinato del hombre, que era un policía encubierto. Poco después, Book descubre que el crimen forma parte de un complot en el que hay implicados funcionarios de su propio departamento que quieren acabar con él. Cuando le atacan y le hieren, se esconde en la comunidad Amish, donde se sumerge en su forma de vida y pronto comienza un romance con Rachel (Kelly McGillis), la madre del niño, una relación prohibida por los estándares Amish. No transcurre demasiado tiempo antes de que los policías corruptos descubran el paradero de Book.que deberá enfrentarse a ellos y proteger a la madre y al niño, único testigo del asesinato.

Que la historia se desarrolle dentro de esta peculiar comunidad confesional, hace que el film nos acerque a algunas de las peculiaridades del colectivo, su forma de vida, sus creencias y las circunstancias en que desarrollan su fe.

La parte que se refiere al crimen y a la trama de corrupción policial, tampoco es que tenga demasiado misterio, ya suponemos lo que va a ocurrir, si bien es cierto que sabe mantener muy bien cierta tensión por la espera a que los malos aparezcan y cómo va a librarse de su acoso el protagonista mientras trata de mantener la integridad de sus protegidos. Al tiempo, la historia romántica entre Book y Rachel que es lo que en muchos momentos centra el relato, incluso superando la trama policial y convirtiéndose en el eje central de la película.

PRESUNTO INOCENTE

 

Rusty Sabich (Harrison Ford), un prestigioso abogado que trabaja en la oficina del fiscal del distrito es acusado de la violación y muerte de Carolyn Polhemus (Greta Scacchi), una colega con la que mantuvo una tórrida relación extramatrimonial. A pesar de que se declara inocente, parece que todas las pruebas evidencian su culpabilidad.

El guión adapta el superventas del mismo título del escritor y abogado estadounidense Scott Turow, una obra no tan sencilla de trasladar a la pantalla por los matices que aporta la novela, con un caso de asesinato que tiene muchos hilos, mucha evidencia forense de tipo clínico, muchos personajes secundarios interrelacionados y una historia relativamente intrincada para resumirla en dos horas de película.

Entre el juicio y las estrategias de defensa y acusación y el misterio por saber quien es realmente el culpable de la muerte de Carolyn Polhemus, asistimos a un relato que toma algunos de los clichés de este tipo de films, aunque procurando que las cosas hallen su explicación al final sorteando habilmente las trampas en el guión que vemos algunas veces. Es precisamente ese final, con un giro sorprendente, al que se dirige toda la construcción del relato y su argumentario sobre las dificultades que, en ocasiones, tienen los jurados y los jueces para hallar un culpable y conseguir que este pague por sus actos cuando las pruebas no están claras o la truculencia de las situaciones oscurecen la verdad. Un film entretenido que opta por aclarar todo al final con pelos y señales, cuando podría haber sugerido qué es lo que realmente ocurrió. Tanto crítica como espectadores debaten si esos diez minutos finales quizá sobran en esta película en la que destaca la interpretación de Raúl Juliá.

AUSENCIA DE MALICIA

 

Mike Gallagher (Paul Newman) es un mayorista de licores de Miami cuyo padre, ya fallecido, era un mafioso local. La brigada contra el crimen organizado del FBI no tiene evidencia de que esté involucrado con la mafia, pero decide presionarlo para que tal vez revele algo, cualquier cosa, sobre un asesinato que están seguros fue un golpe de la mafia. Para llevar a efecto esa presión, quieren que se entere de que le están siguiendo los pasos, así que le hacen saber a Megan Carter (Sally Field), una periodista ingenua pero bien intencionada, que está siendo investigado y el nombre de Gallagher pronto aparece en todos los periódicos porque ella, de forma irresponsable, escribe un artículo en el que acusa a Gallagher de la desaparición de un líder sindical. Gallagher tiene una coartada sólida, pero no la revelará para proteger a su frágil amiga Teresa Perrone (Melinda Dillon). Al final, todo desemboca en una tragedia que lleva a  Carter a sentirse culpable por no haber pensado en las consecuencias que ha provocado su artículo y otro que escribió posteriormente en el que mencionaba a Perrone, y acaba revelando a Gallagher quien fue la fuente de la acusación vertida en su artículo. Mike idea un ingenioso plan para salir airoso de la acusación y se dispone a dar una lección al FBI y al fiscal federal.

El título hace referencia a una figura penal que también se invoca en nuestra jurisprudencia, el animus iniuriandi y, por contraposición a ella, la ausencia de animus iniuriandi, es decir la ausencia de ánimo de injuriar, o como dice el título del film, la ausencia de malicia. Algo que puede provocar que, como explica el abogado del periódico al principio del film, un periodista pueda publicar información sin confirmar sobre algún personaje público y, aunque esta resulte falsa o inexacta, si puede hacer ver que lo hizo sin ánimo de atentar contra su honor, seguramente se irá de rositas aunque le planteen una demanda judicial.

Buen guión de Kurt Luedtke en su primera incursión como guionista, siendo nominado al Oscar por esta película, premio que no consiguió, pero que se llevaría cuatro años después por el guión de Memorias de África. Se trata de un alegato, por momentos descarnado, más que contra el periodismo sensacionalista, contra aquel otro, yo pienso que más peligroso aún, en el que bajo la apariencia de seriedad, lo que realmente hace el peridista es fabricar la noticia en lugar de contarla, casi siempre en busca de notoriedad a costa de la buena fama de otras personas. Queda claro en el film que destruír la reputación de alguien es relativamente sencillo, porque la gente esta predispuesta a creer lo que cuenta el periódico, pero reparar el prestigio perdido, caso de que se demuestre que aquello era falso o inexacto, resulta prácticamente imposible, el mal está hecho y perdura. Los diálogos son brillantes y hay varias frases en la película que inciden en esa imposibilidad de reparar el daño ocasionado. Interpretaciones correctas para una historia muy atractiva sobre el poder de los medios de comunicación, hoy en día suplantados en buena medida por las redes sociales, mucho más difíciles de controlar. El film resulta muy entretenido en buena medida por el asunto que trata y por la forma en que está narrado.