FÁBULAS DE ESOPO

Aunque otros autores, con más o menos fortuna, han abordado el género, sin duda el fabulista por excelencia es Esopo, el autor griego de cuya vida apenas nos ha llegado nada y lo poco que conocemos es de dudoso fundamento.

Sin embargo su obra ha trascendido todas las épocas, fábulas como "La lechera" o "La liebre y la tortuga" forman parte de la memoria de todos nosotros, gentes de los más variados paises, credos y condición social, han crecido con ellas.

Vamos a dejar un par de fábulas que están de mucha actualidad en estos tiempos, demostrando la vigencia de los escritos de Esopo y sus moralejas:

El camello que estercoló en el río

Atravesaba un camello un río de aguas rápidas. Sintió la necesidad de estercolar, y viendo enseguida que pasaba delante de él su excremento, arrastrado por el río , exclamó:

-- ¿ Cómo sucede esto ? ¡ Lo que estaba atrás mío, ahora lo veo pasar adelante !

Es como en algunos estados o empresas, donde los incapaces y los corruptos pasan a ocupar los primeros lugares, en lugar de los más sensatos, honestos y capaces. Si llegas a tener puestos de mando, promueve siempre a los mejores.

El lobo y el asno

Un lobo fue elegido rey entre sus congéneres y decretó una ley ordenando que lo que cada uno capturase en la caza, lo pusiera en común y lo repartiese por partes iguales entre todos; de esta manera ya no tendrían los lobos que devorarse unos a otros en épocas de hambre. Pero en eso lo escuchó un asno que estaba por ahí cerca, y moviendo sus orejas le dijo:

-- Magnífica idea ha brotado de tu corazón, pero ¿ Por qué has escondido todo tu botín en tu cueva ? Llévalo a tu comunidad y repártelo también, como lo has decretado.
El lobo, descubierto y confundido, derogó su ley.

Si alguna vez llegas a tener poder de legislar, sé el primero en cumplir tus propias leyes.

EN LA CUERDA FLOJA

Jonn Cash nació en el seno de una familia de agricultores que sobrevivían al abrigo del new deal ideado por Franklin Roosevelt, tratando de asomar la cabeza tras el batacazo de la Gran Depresión.

Como en tantas de esas familias del interior de Norteamérica, los convencionalismos religiosos, el temor de Dios, el respeto a la jerarquía de valores donde el trabajo y la honra ocupaban un destacado lugar, enmarcaron su educación. Cantaba los himnos de la iglesia con su madre, aprendió los primeros acordes con un vecino y tenía como compañía la radio que su padre había comprado para informarse sobre las crecidas del Mississippi.

Una tragedia le marcará para toda su vida, la muerte de su hermano Ray, con el que estaba muy unido y de la que su padre, entonces adicto a la bebida, le hacía culpable en parte, por puro despecho.

El film solamente recorre una parte de la vida del cantante, centrándose en los años 50 y 60, los de su despegue y triunfo; con algunos flashback que nos acercan a su compleja infancia.

Más que un film sobre la carrera del artista (que también, por supuesto), el film es la historia de amor entre Johnny Cash y June Carter, sus convulsiones y contradicciones, algo que tuvo mucha influencia, no sólo en su vida personal, sino también en su carrera profesional.

Si bien es verdad que el guión ha sido acusado de complaciente, creo que a la postre, cuenta lo que quiere, ese es un privilegio de quienes hacen un film, arriesgándose después al juicio del público y la crítica. A mí me parece que está bastante acertado, el ritmo narrativo es bastante bueno y la peli no se hace larga a pesar de las más de dos horas de duración y además, un montón de los porqués de las vida de Cash están reflejados a lo largo del metraje, su infancia, pasada entre la radio y el libro de cánticos de la iglesa, las marcas que le dejó su severo y alcohólico padre, la muerte de su hermano, su perseverancia en continuar su carrera musical..., aunque es cierto que quien no sepa algo de su biografía se los perderá, o no entenderá qué nos están queriendo decir con determinadas frases o planos puntuales.

Para quienes son amantes o, al menos, están interesados por la música norteamericana de este periodo, puede resultar un tanto decepcionante lo poco explotado que queda el asunto de las giras con otros cantantes de Sun Records, la mítica firma de discos de Tennessee, en la que coincidió con cantantes de la talla de Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis o la propia June Carter.

Cinematográficamente, la peli no tiene grandes momentos, al contrario de lo que ocurre en el plano de las interpretaciones, los dos protagonistas están inmmesos. Joaquín Phoenix hace una magnífica recreación del protagonista. No se parece demasiado físicamente, pero al contrario de lo que ocurre en otras pelis, en las que incluso llegan a causar risa los emplastos que colocan a los actores para conseguir mayor parecido físico, aquí eso se deja de lado. Al principio del film, vemos que Phoenix no se parece a Cash, lo aceptamos y ya no volvemos a pensar en ello, porque el actor nos hace aceptar el juego librándonos del corset de la imitación.

Eso no quiere decir que que Phoenix invente su personaje, para nada, es evidente que estudió a Cash, sus poses con la guitarra, el modo en que retorcía la boca al cantar, sus gestos, incluso la voz, aunque no es igual, está muy conseguida y en un concurso de imitadores obtendría una excelente calificación. Porque otra de las cosas interesantes del film es que los actores cantan sin ser doblados y lo hacen muy bien.

Punto y aparte para Reese Witherspoon en su papel de June Carter, de la que dijo Cash que era la mujer más grande que jamás había conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca -decía-.

De hecho ella, le roba el protagonismo a Phoenix en algunos pasajes del film. Witherspoon vio recompensando su trabajo con una retahila de premios, todos merecidísimos, incluído el Oscar de Hollywood.

En la película encontramos la historia del camino al éxito de una de las voces más singulares del panorama musical norteamericano, su vida turbulenta y esa especie de redención que supuso su matrimonio con June Carter. Una suerte de retrato de lo que es la propia norteamerica del interior, Cash representa algunas de esas dicotomías que vemos en los western: En una mano la Biblia y en otra la pistola.

TERESA RAQUIN

Thérèse es huérfana y se ha criado con su tía, la señora Raquin y su primo Camille. Siguiendo los deseos de la tía, ambos primos contraen matrimonio cuando alcanzan la edad para ello y, al poco, trasladan su residencia desde Vernon a París.

Thérèse y Camille viven una relación sin pasión, anodina y hasta aburrida, así que cuando entra en escena Laurent, un paisano de Vernon que también trabaja en París y que es la antítesis de Camille, Thérèse queda fascinada por su presencia física y éste al darse cuenta, la seduce y se convierten en amantes. Thérèse y Laurent comienzan a acariciar la idea de asesinar a Camille, algo que sucede durante un paseo en barca mientras navegan por el Sena.

Los remordimientos harán presa en la pareja y, aunque pasados un par de años deciden casarse, el recuerdo de lo ocurrido ha convertido su relación en una tormenta diaria.

La novela le trajo a Zola no pocos problemas con la moralista crítica del momento (queda reflejado por el mismo Zola en el prólogo a la segunda edición) que le tachó, poco menos, que de pornográfico, algo que no encuentra por ninguna parte el lector contemporáneo, pues lo que de verdad desnuda Zola en la novela son los temperamentos y caracteres de los personajes. Excelente realismo descriptivo el que logra el autor, además de la captación profunda del drama íntimo de los personajes, sobre todo de madame Raquin, que se convierte en la conciencia de los asesinos con su sola presencia y con su mirada acusadora.

LA NOVIA CADÁVER

Victor Van Dort y Victoria Everglot se van a casar, ellos no se conocen, pero sus respectivas familias has concertado el matrimonio.

Los Van Dort disfrutan de una desahogada posición económica gracias a sus negocios, son pescaderos. Los Everglot presumen de pertenecer a una familia de rancio abolengo, son nobles, pero no tienen un céntimo y para ellos la boda es un negocio que les permitirá evitar la ruina total.

Durante el ensayo de la boda, Víctor, un muchacho tímido y dulce, es incapaz de dar una a derechas y todo lo hace mal, todo está a punto de acabar en tragedia por culpa de su torpeza. Sin embargo, aquello ha servido para que Victoria y Víctor se conozcan y queden prendados uno del otro.

Víctor se va a dar un paseo por el bosque y acaba en los alrededores de un cementerio, cuando está repasando las palabras que ha de decir en la ceremonia del día siguiente, pone su anillo en el dedo de un cadáver que surge bajo la tierra, mientras pronuncia las palabras de compromiso.

Encantadora historia de ambiente gótico que a mí me recuerda aquel relato de nuestro gran Gustavo Adolfo titulado "La Promesa", no por el tema de fondo, que varía bastante, sino por los desposorios con una muerta.

Pero evocaciones personales aparte, queda más clara la influencia de un compatriota de Tim Burton como es Edgar Allan Poe, un autor que siempre fascinó al director californiano.

Cine de animación a la antigua usanza, con una magnífica ambientación, no sólo en el plano visual, sino en la bella banda sonora compuesta por Danny Elfman, que logra un exquisito contraste entre el inframundo (ritmos alegres, jazzisticos, con percusiones), frente al mundo de los vivos (ritmos monótonos y cadenciosos).

También la propia concepción y realización del film subraya ese contraste, un gran hallazgo por parte de Burton, al presentarnos a los vivos en un mundo gris, oscuro y triste, mientras a los muertos se les ve alegres y rodeados de un ambiente colorido y festivo. La parábola de este mundo al revés se cierra con el aire de libertad que se percibe entre los cadáveres y la vida esclava de las convenciones sociales de los que aún no han muerto.

La creatividad y el ingenio del mejor Burton, de nuevo llega hasta nosotros en este fascinante film que combina a la perfección un drama melancólico y del mejor románticismo clásico, con unos diálogos y situaciones que destilan elegante humor negro y divertidos juegos de palabras.

Maravilloso el cuidado por los detalles en las figuritas de la animación: Sus vestidos, la expresión de sus ojos... muy minucioso.

Y quienes tengan la suerte de verla en versión original, podrán escuchar a los conocidos actores que prestaron su voz a los personajes: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Emily Watson, Tracey Ullman, Albert Finney, Christopher Lee...

VIAJE CIRCULAR

El matrimonio formado por Luciano Bérard y Hortensia Larivière, trabaja, desde que se casaron, en el negocio de la Sra. Larivière, madre de la novia y viuda del Sr. Larivière. Esta mujer no permite a la pareja ni un instante de regocijo, ni siquiera ha habido luna de miel, a pesar de que en algún momento fue prometida.

Un día, el padre del muchacho aparece con unos pasajes para viajar a Normandía. De muy mala gana, la Sra. Larivière acepta que hagan ese viaje, que será la luna de miel de la pareja.

El viaje es una especie de fracaso, pues Hortensia y su esposo no logran verse libres de la amarra invisible que les une a la disciplina impuesta por la Sra. Larivière, en buena parte la culpa es de que el viaje está programado hasta en sus más ínfimos detalles, viéndose empujados a ver el mar en Caen, la torre de Beurre en el Havre y otros cuantos sitios típicos y de obligatoria visita para el viajero que se interna en Normandía.

Cuando más seguros están de que ha sido un error emprender el viaje y de que estarían más a gusto en casa con la madre de Hortensia, el asunto toma un giro inesperado cuando de repente el tren se detiene en una estación insignificante cuyo nombre, dicho en alta voz por un empleado del ferrocarril, ni siquiera llega a sus oídos, y cuyo aspecto adorable hace, exclamar a Luciano:

-Bajemos, bajemos de prisa.

-Pero esta estación no está en la Guía -dice Hortensia, espantada.

-¡La Guía! ¡La Guía! -responde el marido...

La primera ocupación de Luciano consiste en arrojar su Guía en medio de un estanque. La calma y la libertad sonríen ante sus ojos encantados...

-Puesto que nuestros billetes son aún válidos para ocho días -dice Luciano- pasemos aquí una buena semana.

 

 

BODAS Y PREJUICIOS

Balraj (Naveen Andrews), un rico heredero de ascendencia hindú, cuya familia vive en Londres, en una mansión cercana a la residencia de la familia real, viaja a su país natal para asistir a la boda de un amigo. Le acompañan su hermana y William Darcy (Martin Henderson), su mejor amigo, de edad y fortuna parecidas a la suya y cuya familia es dueña de varios hoteles.

Durante la fiesta previa, conocen a la familia Bakshi que tiene cuatro hijas y, cuya madre pretende irlas casando siguiendo las costumbres tradicionales, es decir, primero la mayor y luego el resto.

En tanto Balraj enseguida queda prendado de la primogénita, entre Darcy y la segunda de las hermanas, Lalita (Aishwarya Rai Bachchan), se establece una relación de amor-odio que será el eje central del film.

El guión se basa en la novela Orgullo y prejuicio de Jane Austen, pero para que os hagáis una idea, es como si yo escribo un texto en el que pongo a un tipo delgaducho, cultivado y pasado de rosca, junto a otro gordezuelo, analfabeto, pero con la sabiduría que da la vida y les suelto mundo adelante. Con eso ya puedo decir que he escrito algo basado en El Quijote. Creo que me entendéis.

Es un curioso, pero para nada logrado, intento de conciliar el cine occidental con el de Bollywood, al tiempo que pretende aproximarnos a la cultura de la India actual y sus contradicciones con la cultura de occidente, pero todo ello queda tremendamente light, de hecho, los números musicales han sido claramente adaptados al gusto occidental. Números musicales, por cierto que, salvo el primero, que me encantó, porque es muy divertido, quedan un poco forzados a pesar del despliegue coreográfico.

Los actores, muy guapos, como de culebrón venezolano, ellas con los labios perfilados, el maquillaje superguay y con cuidado de que ninguna prenda se les mueva del sitio y ellos, pues igual, pero en hombre, con un protagonista masculino, Martin Henderson, cuya expresividad es igual que la del pomo de una cerradura. Quizá lo mejor sea el papel del primo Kohli (Nitin Ganatra), que consigue una interpretación muy divertida de un garrulo malamente americanizado.

En definitva, mucho colorido para un film que parece más una telenovela que una película y que a quien busque algo sin pretensiones, le puede resultar entretenido.

Por cierto, que la parte que se desarrolla en la India, está ambientada en Amritsar, donde se produjo la famosa masacre por la que acaba de pedir perdón el premier británico David Cameron. El episodio se conoce también como la masacre del Jallianwala Bagh (el jardín Jallianwala). Allí, el 13 de abril de 1919, fueron asesinadas casi dos mil personas por las tropas británicas al mando del general Reginald Dyer. Les habían encerrado en el patio, bloqueando las cinco puertas de ingreso al recinto y ha sido considerado históricamente como el preludio del movimiento pacífico antibritánico encabezado por Mahatma Gandhi. Una de las reacciones de protesta que produjo aquel hecho, calificado de vergonzoso por las actuales autoridades británicas, fue la renuncia al título de Sir del premio Nobel de literatura Rabindranat Tagore.

POR UNA NOCHE DE AMOR

Alto, fornido, huesudo, Julián tenía unas manazas que le estorbaban. Se sentía feo con su cabezota cuadrada y como abandonada, en estado de esbozo, después de los tanteos de un escultor demasiado rudo; y esto le volvía tímido, sobre todo delante de las muchachas.

Esta es la descripción que hace Zola de Julián Michon, el protagonista de la novela, que vive en una pequeña ciudad, cerca de Versalles y gana su sustento gracias al escaso salario que le proporciona su trabajo en la estafeta de correos local.

Julián había aprendido él solo a tocar la flauta con un viejo instrumento de madera amarilla que había comprado en casa de un trapero de la plaza del Mercado. Con las puertas y las ventanas cerradas, muy bajito para que no se le oyese, estudió, durante dos años con un viejo método hallado en una librería de viejo. Sólo desde hacía seis meses se arriesgaba a tocar con las ventanas abiertas.

Julián veía, al otro lado de la plaza, la casa solariega de los Marsanne. Un día, alguien escuchó la música desde aquel palacio, era Teresa de Marsanne. Julián sólo veía el raudal de sus cabellos, sueltos ya sobre la nuca y la voz suave que llegó hasta sus oídos en medio del silencio preguntando a su sirvienta por aquella música.

Poco podía imaginar el joven empleado de correos la existencia miserable a que le conduciría su amor por aquella mujer.

RAY

El film pretende ser una biografía de Ray Charles Robinson, uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos en la música popular, conocido como el rey del soul.

Ray Charles había nacido en Albany (Georgia), en el seno de una familia muy pobre y desde pequeño estuvo a cargo de su madre, pues el padre les había abandonado. Además de estas condiciones de pobreza, dos hechos marcaron a Ray para el resto de su vida: La muerte de su hermano menor y su propia enfermedad, un glaucoma que le dejó ciego a los siete años.

El film revive estas circunstancias que van apareciendo, a veces en forma de flashback, además de otros aspectos de su vida, desde su viaje a Seattle, donde aspira a pulir su estilo, pasando por sus primeros trabajos en locales de poca categoría, hasta su descubrimiento por parte de la Atlantic Records, momento que marca su definitivo despegue al estrellato.

La biografía de Ray Charles da para una película y para mucho más, pero para que resulte atractivo al espectador, hay que saber traducirla a imágenes y acompañarla de un buen guión y creo que, en general, tanto el director, Taylor Hackford, como el resto de personas implicadas en el asunto, lo consiguen y, desde luego, quien lo hace sobradamente es Jamie Foxx, que logra la interpretación de su vida metiéndose en la piel del músico, hasta el punto de convertirse en el propio Ray.

No cabe duda de que lo más atractivo del film es la banda sonora, el desfile de melodias de jazz, rhytm & blues, rock & roll, gospel, country, todas ellas muy conocidas, con interpretaciones maravillosas. Pero la película, más allá de este aspecto, encierra una historia de triunfos y fracasos muy particular, porque nos cuenta la vida de un hombre que más allá de sus éxitos musicales, de sus portentosas capacidades en este campo, de sus fracasos personales por culpa de su adicción a las drogas o de su desordenada vida sentimental, fue un luchador que supo sobreponerse con el coraje que su madre le había inculcado a una situación muy dura, como es quedar privado de visión cuando apenas empieza a disfrutar de la vida.

Esa es la verdadera lección que encierra este film, cuyo proyecto se estuvo gestando a lo largo de 15 largos años, en el que intervino el propio Ray Charles, supervisando el guión.

Es cierto que no profundiza en ninguno de estos aspectos, pero todos ellos quedan reflejados en el film, en el que además de las circunstancias personales del protagonista, vivimos algunos de los avatares de una época en la que ser negro y ciego, no debía resultar nada fácil.

Película que disfrutarán, sobre todo, los amantes de la música americana de los 40 y 50, pero que para todos resulta muy entretenida, amena, bien narrada, magníficamente ambientada y con un Jamie Foxx que nos ofrece una actuación portentosa que le valió, de manera más que merecida, un Oscar de la Academia.

GERMINAL

Etienne Lantier es un joven que trabajaba como maquinista en los ferrocarriles y que ha sido despedido por enfrentarse a un superior. En su deambular en busca de trabajo, llega a la zona minera de la frontera franco-belga, casi sin fuerzas, por el hambre que está pasando y sin un lugar donde guarecerse. Consigue trabajo en la mina La Voreux, cerca de Montsou y acaba estableciendo una relación de amistad con la familia Maheu, cuyos miembros (incluídas las mujeres), trabajan para la compañía minera desde siempre, malviviendo por un salario de hambre, como la mayoría de los mineros de la zona.

Decimotercera entrega de la saga de Les Rougon-Macquart, escrita en el mismo estilo naturalista que casi toda la obra de Zola que, por medio del tono sombrío de la misma, nos acerca al duro ambiente del trabajo en la mina y de la vida que se desarrolla en torno a ella. Para algunos es la obra cumbre del autor que, para documentarse, viajó a la zona minera del norte de Francia, visitando algunos poblados mineros y bajando a los pozos. A pesar de ese tono sombrío que mencionamos, la novela tiene una particular belleza en su prosa, lírica y violenta a la vez. Y es que la mina es así, trae la vida y la muerte al mismo tiempo, la mina devora y da de comer y esta dicotomía está presente en el discurrir de la novela. Los conflictos que se originan al aflorar la conciencia social de los obreros, casi esclavos a cambio de un salario que apenas llega para sobrevivir y cuya alternativa es la muerte por hambre o el viaje a América en busca de nuevos horizontes.

La lucha de clases se entrecruza con las historias personales para conseguir un relato duro, realista y conmovedor en el que los sentimientos cobran mayor importancia que las pasiones de los personajes y donde quedan muy bien reflejadas la desesperación, la tragedia y la injusticia, pero también el amor y la solidaridad que envuelven su dura vida. 

Muy interesantes algunos aspectos de la novela referidos a la situación de la clase obrera en la segunda mitad del XIX; las diferentes posturas ante la huelga que se plantea por parte de los mineros, sus familias, los esquiroles, la burguesía e incluso las corrientes de pensamiento obrero existente a finales del siglo XIX: el socialismo y el anarquismo.

También lo referido a la propia mina, Zola nos explica aspectos relativos a la maquinaria, las relaciones laborales, la propiedad de las explotaciones, las categorías profesionales o las condiciones de trabajo.

A pesar de estar ambientada en la Francia del Segundo Imperio, la obra no ha perdido actualidad y, por desgracia, en algunos lugares del mundo podríamos encontrar situaciones similares.

La novela ha sido llevada al cine en más de una ocasión, Yves Allegret lo hizo en 1962, pero quizá la versión más conocida sea la de 1993, dirigida por Claude Berri y protagonizada por Renaud Séchand, Gerard Depardieu y Miou Miou.

EL FANTASMA DE LA ÓPERA

El anciano vizconde Raoul de Chagny (Patrick Wilson), asiste a la subasta de algunos objetos de la Ópera parisina, que se encuentra en un lamentable estado de abandono tras haber sufrido unos años atrás un incendio. El vizconde que, tiempo atrás, fue uno de los patrocinadores del teatro, ve desfilar por su mente una serie de recuerdos del pasado que le traen a la memoria el tiempo en que conoció a la que sería su esposa, Christine (Emmy Rossum), que actuaba en el abandonado teatro en su época de esplendor y por la que tuvo que luchar contra un terrible adversario, el conocido como Fantasma de la Ópera (Gerard Butler), un personaje que guardaba tras de si un triste pasado y que vivía obsesionado con tener a Christine solo para él.

Puesta al día de la conocida obra literaria de Gaston Leroux, el film se basa en el musical compuesto por Andrew Lloyd Webber, que tuvo un éxito inusitado en el teatro. El mismo Lloyd Webber compuso la partitura del film y colaboró en el guión.

La adaptación supone una vista más amable que otras anteriores de la historia original, pues aunque mantiene ese ambiente de novela gótica, está vez se ve adornada con un entorno más colorista y menos tenebroso y tratado con mucho mayor romanticismo, dejando a un lado los toques de terror que siempre han caracterizado la obra.

Gran trabajo en el diseño de vestuario y la ambientación y unas interpretaciones, de actores no demasiado conocidos, que están a un gran nivel, sobre todo la protagonista femenina, Emmy Rossum, que transmite muy bien el aire de inocencia, ternura y belleza del que se quiere dotar a su personaje.

Por supuesto, lo mejor es la banda sonora, pues la historia nos la conocemos ya de antemano y puedo presumir que a los espectadores a quienes no guste este tipo de cintas, seguramente se les hará un poco larga.

EL PARAISO DE LAS DAMAS

Volumen número once de la serie que Émile Zola escribió bajo el título genérico de Les Rougon-Macquart, uno de los grandes hitos del llamado Naturalismo literario.
Denise Baudu se traslada desde Valognes a París junto a sus dos hermanos, Jean y Pépé, el primero es un adolescente aficionado a las faldas y Pépé que tiene apenas 4 años. Denise se siente responsable de ambos y busca un medio de vida para sacarlos adelante, espera que su tío, propietario de una tienda de tejidos (El Viejo Elbeuf), pueda ayudarles. Pero llegan en mal momento, el pequeño comercio está de capa caída, asistimos a los años en los que despegan los grandes almacenes que se llevan tras de si a toda la clientela del comercio tradicional. Denise encuentra trabajo en uno de ellos: El Paraiso de las Damas (Au Bonheur des Dames), propiedad del joven talento de los negocios Octave Mouret.
Además de las historias personales, de las relaciones clásicas de amistad, amores, envidias, desencuentros, etc., que se dan entre los personajes y que son muy interesantes, lo más particular de esta novela, el gran tema alrededor del que giran los demás, es la destrucción del pequeño comercio y el nacimiento de las grandes galerias comerciales. Me ha resultado curiosísimo cómo una novela de 1883, detalla un montón de estrategias comerciales y de marketing que yo, en mi supina ignorancia, suponía mucho más modernas, pero se ve que vienen de antiguo. Desde algunas más clásicas, como la colocación de los escaparates, hasta la distribución de las mercancias a la venta en las distintas secciones del gran almacen, situando en el lugar más recóndito los productos más demandados, con objeto de que las clientas hubieran de pasar previamente ante todo un desfile de tentaciones que, aunque no les hiciera falta, alguno de aquellos otros productos acababa siendo comprado. Se nos detallan unas cuantas de estas técnicas que aún siguen vigentes, como por ejemplo vender el producto más demandado (en este caso la seda) a bajo precio, incluso por debajo del coste, con objeto de atraer clientela que, ante aquella bicoca, baja la guardia y acaba comprando otro montón de cosas, alguna de ellas a precios nada económicos; o mostrar chucherías en la parte baja de los expositores, para que llamaran la atención de los niños, de manera que, al detenerse, las señoras repararan en las lujosas mercancias situadas en lo alto de los mismos.
La novela nos relata una serie de dramas personales, también la relación de amor y odio entre el dueño de El Paraiso, capaz de dominar a las mujeres a su antojo y la joven e inocente dependienta venida de provincias. Pero también nos acerca a un elemento qie se nos antoja fundamental en la configuración del nuevo espacio urbano de finales del XIX: El almacén de novedades y su nueva arquitectura de hierro y cristal que contrasta con las anteriores de madera, ladrillo y piedra y marca una nueva forma de construir, una revolución también, que se perfila como una construcción moderna, con grandes escaparates, mucha luz, espejos y cristal en contraposición con el paisaje urbano tradicional oscuro y pesado y que supone también una nueva relación laboral, con los empleados cobrando una buena parte de su salario a base comisiones de venta y otra forma de relacionarse con el cliente, sobre todo con la introducción del sistema de precio fijo.
Aquí dejo algunas fotos de almacenes parisinos de la época que responden a las descripciones que hace Zola de este tipo de establecimientos en su novela, no en vano se inspira en la realidad que le circunda. 

EL OTRO LADO DE LA CAMA

Pedro (Guillermo Toledo), se presenta en casa de Sonia (Paz Vega) y Javier (Ernesto Alterio), para contarles que su novia, Paula (Natalia Verbeke) le ha abandonado por otro. Ambas parejas tienen una relación de amistad y lo que Pedro desconoce, ya que Paula no le ha dicho quién es "el otro", es que se trata de Javier.

Paula espera que Javier rompa con Sonia de inmediato, pero él va retrasando el momento de comunicarle a su pareja esa nueva relación, en tanto deberá disimular ante Pedro, tratando de consolarle y de que éste no se entere de que él es su rival.

Pedro se obsesiona con saber quién es su sustituto en el corazón de Paula y contrata un detective privado para que la siga y le revele la identidad del desconocido.

Comedia ligera y modesta dirigida por Emilio Martínez-Lázaro sobre un guión de David Serrano. Se convirtió en el film más taquillero del cine español durante el 2002.

No sé lo que pretendería el realizador, pero lo que consigue es una especie de divertimento a través de caricaturizar a hombres y mujeres y sus relaciones de pareja y amistad, con algunos gags que resultan graciosos y unos números musicales que podrían dejarse de lado perfectamente para seguir la trama. De hecho, alguno de ellos está metido de cualquier manera, como si cada cierto número de minutos hubiera decido programar una canción. Las coreografías son sencillas y mi opinión es que con todo ello lo que consigue es aumentar un poco la comicidad, que no es poco en una peli que pretende ser comedia.

Para el público español puede estar bien, porque conocemos o nos suenan las canciones, pero supongo que vista en otros paises debe ser un tanto penoso soportar canciones que no están en su memoria musical y con las voces de los actores que parece que están en un karaoke. Vamos que lo que aquí es graciosillo, puede no serlo en otros lugares, pero supongo que es un producto pensado para el consumo nacional.

Las actuaciones, correctas, aunque a mí me pareció que Paz Vega está por encima de los demás y consigue incluso lucirse con su personaje.

Interesante, por momentos y por destacar algo, el retrato de las inseguridades masculinas que hace. 

Está bien para pasar el rato, resulta divertida y entretenida y consigue arrancarnos alguna carcajada de vez en cuando.

Para quienes no gusten del cine musical, tranquilos, esto no es un musical, es una comedia en la que de vez en cuando cantan alguna canción.

LA PERLA DEL RÍO ROJO

Sai-Sing, conocida como La Perla del Río Rojo, vive para cumplir el juramento de vengar el secuestro del valeroso Lin-Kai, con el que pensaba casarse, pero que fue apresado por los Banderas Amarillas y los Banderas Negras, dos grupos de bandidos que dirigen Sun-Pao y Kin-Lung, unidos por conveniencia, pero que aspiran a conseguir, cada uno para él, a la bella Sai-Sing.

La Perla del Río Rojo es tenida por la mujer más valiente de Tonkin, a quien ayudará en su empeño de recuperar a su amado, la vieja Man-Sciú, que guarda en el fondo de su corazón el secreto de su odio a los jefes de los Banderas Negras y Amarillas.

Como siempre, Salgari nos trae acción a raudales, intriga, descripciones de lugares y costumbres lejanos, tempestades marinas, traiciones, espionaje, lealtades y un final feliz para una de sus más entretenidas aventuras.

 

 

CHICAGO

Roxie Hart (Renée Zellweger), ama de casa y cuyo sueño es trabajar en el mundo del espectáculo, asesina con malicia a su amante cuando descubre que la ha engañado diciendo que tiene contactos en un club nocturno, cuando sólo era un truco para acostarse con ella. En la cárcel coincide con Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones), una cantante de cabaret, detenida por asesinar a su hermana y que trata de hacerse con los servicios del prestigioso abogado Billy Flynn (Richard Gere) para que la represente en el juicio. Roxie consigue que su marido, un pobre hombre llamado Amos Hart (John C. Reilly), pague los 5.000 dolares que le costará conseguir que Flynn se encargue de su caso.

Desesperada por evitar la condena, Roxie engaña al público, a los medios de comunicación y a su compañera de presidio y rival, Velma, mientras Billy Flynn convertirá su premeditado crimen en una cortina de humo de titulares sensacionalistas del estilo de los que se pueden leer hoy en las revistas y periódicos sensacionalistas.

 

 

La trama de Chicago está basada en hechos reales que escandalizaron a todo Illinois en 1924.

El 11 de Marzo de 1924, el Chicago Tribune publicó un artículo de la periodista Maurine Dallas Watkins sobre la historia de Velma Gaertner, una cantante de cabaret, acusada de matar a su marido. A la joven reportera le pareció divertida la abierta franqueza y las coloridas observaciones de Gaertner y los lectores respondieron al humor ácido contenido en sus artículos. Su siguiente noticia, acerca de otra mujer casada que había matado a su amante, salió publicada en la primera plana del Chicago Tribune el 3 de Abril de 1924 bajo el titular “Mujer toca aires de jazz mientras su víctima muere.” Esta vez, Beaulah Annan había matado a su novio y después había llamado a su marido para contárselo mientras se escuchaba de fondo el popular tema de fox-trot “Hula Lou”.

Watkins mantuvo entretenidos a sus lectores durante varias semanas con los relatos de Beaulah, mientras la acusada contrataba a un prominente abogado y anunciaba su embarazo. El Chicago Tribune logró convertir a Beaulah Annan en una celebridad y el jurado la declaró inocente.

En 1926 Maurine Watkins decidió que toda esa historia tan absurda era ideal para una obra teatral, por lo que escribió una farsa delirante titulada Chicago. El genio de Bob Fosse convirtió esta historia que se desarrollaba en su Chicago natal, en lo que sería un musical de enorme éxito en Broadway y siempre tuvo en mente la versión cinematográfica del mismo, algo que sus padecimientos físicos y problemas para la producción convertirían en misión imposible, hasta que su última compañera, Ann Reinking, y un grupo de entusiastas y fans del malogrado Fosse (Rob Marshall, director y coreógrafo de Broadway y el guionista Bill Condon, entre otros), consiguieron que en 1996, el proyecto echara a andar.

 

El resultado es esta historia tremendista, cínica y pesimista acerca de un crimen pasional convertido en un circo de tres pistas en los juzgados. Esas son las palabras que el abogado interpretado por Gere utiliza para definir a la Justicia: Todo es un montaje, puro espectáculo, un circo de tres pistas.

Y es que bajo la pátina del maravilloso espectáculo musical, con sus espléndidas coreografías, nos encontramos con una crítica, no por inteligente y divertida, menos feroz, al propio mundo judicial, pero también al del espectáculo, a la fama efímera, a la tontería de los periodistas y los medios de comunicación y, por ende, a la propia condición humana.

Rodado a la manera del musical clásico, sin los artificios y los efectos especiales de la cercana Moulin Rouge, con la elegancia y el erotismo tan del gusto de Fosse, Rob Marshall consigue una película de gran nivel, con una sensacional actuación de Catherine Zeta-Jones (Oscar a la mejor secundaria), para mi gusto por encima de sus dos compañeros protagonsitas.

 

Una gran historia de asesinatos, avaricia, corrupción, adulterio, traición, sensualidad... y un maravilloso musical.

Para disfrutarla.