EL DARDO DE LA PALABRA

MENDIZÁBAL

2012-02-14T12:26:00.000+01:00

El contexto temporal de la novela es la España de 1835-36.

Mendizábal llega como el salvador de la patria, como la cabeza visible de los liberales que quieren cambiar el país. Propone un programa de reformas muy ambicioso basado en la desamortización de bienes eclesiásticos seculares como punto fuerte. Pero sus reformas van a encontrar obstáculos, no siendo el menor que los propios liberales, conspiran en su contra.

Como en otros Episodios, Galdós mezcla con sabia maestría personajes reales y otros ficticios, pero creíbles. Así en esta ocasión, se vale de Fernando Calpena (creación del autor), para hacer desfilar ante nosotros a lo más florido de la intelectualidad y la política del momento: Juan Eugenio Hartzenbusch, Larra, Espronceda, Martínez de la Rosa, Istúriz, Argüelles, los hermanos Madrazo... A través de los ojos de Calpena, miramos la España de 1835.

La utilización del diálogo hace que la lectura tenga ritmo y nos resulte sencilla, facilitando ese efecto de naturalismo en su lenguaje

INVESTIGACIÓN SOBRE UN CIUDADANO LIBRE DE TODA SOSPECHA

2012-02-13T14:11:00.001+01:00

La víspera de su ascenso, el jefe del departamento de homicidios de Roma, conocido como 'El doctor' (Gian Maria Volonté), va al apartamento de su amante, Augusta Terzi (Florinda Bolkan), y le corta la garganta; cubriendo la escena del crimen de huellas dactilares, pisadas, una hebra de su corbata en una uña de la muerta y algunas pistas más. Con ello planea demostrar al mundo lo poderoso que es. En realidad, un hombre por encima de toda sospecha. Como todo el mundo, incluso sus compañeros asumen su inocencia, las sospechas recaen sobre un joven que también fue amante ocasional de la mujer muerta.

La película se sale de las convenciones y tiene un diseño en dos niveles que nos muestran el crimen y lo que se relaciona con el caso propiamente dicho y además un estudio sobre el poder impune que pueden llegar a tener los guardianes de la Ley.

Buen trabajo de los actores, quizá la mejor interpretación de Gian Mª Volonté, desarrollando un papel perturbador y una Florinda Bolkan hermosa y provocativa, en este film en el que su realizador, Elio Petri, deja a una lado la parte de intriga, que parece no interesarle demasiado y se centra en la denuncia, convirtiendo la cinta en un film que podríamos calificar de político.

La música, de todo un clásico: Ennio Morricone.

La peli tiene un fondo universal que está claro, porque el realizador hace una referencia directa a Kafka al final, pero no hacía falta que nos aleccionara, la vulnerabilidad del ciudadano normal a manos de las instituciones, está clara a lo largo de la cinta.

Pero también hay que observar el lado local que quien no conozca un poco la historia reciente de Italia, no sabrá captar.

Aparte de que no puedo dejar de pensar en D. Silvio, por ejemplo (y en esto la peli sigue vigente, por desgracia), el film se estrenó en una época bastante convulsa de la Italia reciente, de hecho el rodaje acabó poco antes del atentado de la Piazza Fontana y la productora tuvo sus recelos de estrenar un film en el que se habla de terrorismo.

La peli es valiente en su planteamiento, nos habla de la obsesión del personaje de Volonté para atajar cualquier estallido terrorista, tiene verdadera obsesión con los comunistas y anarquistas, para él, cualquier persona de esta ideología debe ser sometida a vigilancia, les considera un peligro para la sociedad, como él dice: "Represión es civilización"

Mientras veía la peli, recordaba la famosa Red Gladio, con la turbia colaboración entre ramas de los servicios secretos italianos, con agencias vinculadas a la OTAN y los EE.UU. a través de agentes neofascistas, tratando de menoscabar el poder de convocatoria del PCI y presentando como un peligro público a los anarquistas, cuando en aquella época, apenas había unos cientos de activistas anarquistas, frente a varios miles de extrema derecha.

Una película que nos deja algo perturbados y con unas cuantas cosas en las que pensar, como las que representa el personaje de Florinda Bolkan cuando induce a su amante a que se salte las normas, ella que aparentemente toma el papel de sumisa en la relación que mantienen: El esclavo crea al amo, es decir el pueblo, nosotros, creamos al poderoso y estamos encantados con que nos mande y cuanto más corrupto mejor.

Buen cine político, profundo y muy actual.

Obtuvo el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y un montón de reconocimientos internacionales.

TODOS SOSPECHOSOS

2012-02-12T17:32:00.004+01:00

Los muchachos del F.B.I., han publicado una especie de manual, dirigido principalmente a cibercafés, en el que se dan algunos consejos para descubrir a potenciales terroristas, todo ello dentro de una campaña llamada “Si ves algo, di algo”.

Si algunas cosas de las que reproduzco, tomadas de aquí, las publica la policía española, no quiero imaginar el cachondeo. Estas son algunas actividades que pueden resultar sospechosas:

- Estar preocupado por la privacidad, intentos de ocultar tu pantalla de la vista de otros.

- Pagar siempre con metálico o usar tarjetas de crédito con nombres diferentes.

- Actuar de forma nerviosa.

- Ser visto cambiando las tarjetas SIM del teléfono móvil o usar móviles distintos.

- Viajar una distancia muy grande para usar un cibercafé.

- Pedir una sala particular o específica en un lugar.

- Usar metálico para grandes compras o una tarjeta de crédito con el nombre de otra persona.

- Llegar con cantidades de equipaje inusual.

- Preguntar cosas raras en los sitios, como hacer preguntas sobre el gobierno, los militares, policía, comunicaciones o instalaciones de energía.

- Rechazar los servicios de limpieza durante demasiado tiempo.

- Usar las entradas y salidas para evitar el hall de un hotel.

- Abandonar una habitación y dejar ropa y objetos de toilet.

- No dejar la habitación.

- Cambiar de apariencia.

- Dejar la propiedad por varios días y luego regresar.

Vamos que, si alguien cerca de ti no quiere que veas lo que hace en su ordenador, no es que esté viendo páginas porno, es que es un terrorista.

Cuando tu hermana llegue a pasar el fin de semana a tu casa con tres maletas, no la creas cuando te diga que es que no sabe lo que va a ponerse, es que es una terrorista.

Y si pasas por un cibercafé en Madrid, por ejemplo, y alguien que viene desde Sevilla entra allí, ya sabes: Terrorista.

Supongo que en estos casos, si quieres cerciorarte antes de llamar a la poli, habrá que obrar con cautela y disimulo, algo que no hace falta que nos diga cómo hacer el F.B.I., porque Gila, cuando se propuso descubrir si Jack el Destripador era un asesino, ya nos dio el método:

EL CÍRCULO ROJO

2012-02-11T17:52:00.000+01:00

Vogel (Gian Maria Volonté), es un criminal al que el comisario Mattei (André Bourvil), conduce detenido desde Marsella a París, durante el viaje, Vogel consigue escapar del tren; para huír de la persecución policial, se introduce en el maletero del coche de un tal Corey (Alain Delon) que acaba de ser puesto en libertad condicional tras 5 años de prisión y que cuando le descubre, decide ayudarle en su huída. Juntos planean un robo a una joyería de lujo de París, para lo que contactan con Jansen (Yves Montand), antiguo policía, alcohólico con deseos de reinserción. Al salir de la cárcel, Corey se ha tomado una pequeña venganza con su antiguo jefe, Rico (André Ekyan), robándole en su propia casa.

Aunque el atraco sale bien, entre Rico que quiere ajustar cuentas con Corey y el comisario Mattei que sigue la pista de Vogel, complicarán las cosas.

El guión está bien concebido y el ritmo del film, la intriga, va in crescendo, pero quizá la peli habría agradecido algo menos de duración, porque en algún momento llega a hacerse un poco larga, con algunas escenas que resultan un tanto pesadas.

Y no me refiero precisamente a la del atraco, que dura 15 minutos, pero que es de lo mejor del film, con ese Melville que cuida y nos muestra cada detalle y que consigue unos momentos de tensión realmente muy logrados.

Como suele ser habitual, los diálogos son breves y directos, cada personaje va a lo suyo sin pararse en florituras, con lo que la forma de ser y pensar de los personajes, se nos muestra principalmente a través de las imágenes.

La peli está rodada con unas tonalidades de color apagadas; es algo deliberado, supongo, Melville pretende hacer una peli en blanco y negro pero con color.

Correctas interpretaciones en general y sobresaliente, para mi gusto, Yves Montand, en el papel de expolicía, al que captan para el grupo porque era el mejor tirador del cuerpo. Se ha convertido en un alcohólico, se pueden imaginar que no hay nada peor para aquel de quien se requiere un pulso infalibe, pero este nuevo incentivo le hace sobreponerse.

Magníficas las secuencias del delirium tremens, que se nos muestran a través de imágenes, una soberbia descripción de lo que esta enfermedad supone.

Muy interesante, asimismo, el retrato que se nos hace del policía, el comisario Mattei, un hombre metódico, paciente, amante de los animales, pero que no duda en chantajear a los confidentes para que le den alguna pista.

Y es que en el film no hay buenos y malos, policías y delincuentes quedan igualados en el plano moral. Si unos buscan el triunfo de la Ley, sus métodos no son siempre inocentes y los otros, si bien son la escoria de la sociedad, personas sin escrúpulos que no dudan en apretar el gatillo cuando lo consideran conveniente, se rigen por unos códigos de honor que les acercan a la épica caballeresca.

Al final, la fatalidad, algo que también es sello de identidad del realizador, acaba dictando sentencia.

Un film largo, con momentos de tensión y muy elegante.

TRADICIÓN DEMOCRÁTICA

2012-02-10T09:33:00.003+01:00

No seré yo quien haga un panegírico de los estadouni-
denses, pero siempre me ha llamado la atención el doble lenguaje de nuestros políticos cuando hablan de los americanos, dicen una cosa, pero hacen otra, como tantas veces, nos engañan. Salvo Aznar, que se echó en sus brazos con armas y bajages, con errores y aciertos, pero abiertamente, los demás han ido jugando a eso de poner una vela a Dios y otra al diablo.

Los yankees, muchas veces a lo largo de la historia, nos han visto como lo que yo llamo, un país de Hemingway y no me extraña, porque entre nuestra manera de ser un tanto cainita y envidiosa y el papanatismo de nuestra clase política que dice esto y hace lo otro... Cada vez que recuerdo la foto de la familia Zapatero... En fin.

Lo que está claro, defectos de unos y otros aparte, es que en tradición democrática nos llevan cierta ventaja. Yo no imagino a la Sra. Palin llamando antipatriotas a sus oponentes, a Barack Obama, por ejemplo, por mucho que sus ideas estén en las antípodas, como hizo ZP con los del PP a cuenta de la crisis que no existía.

Ni puedo imaginarme a Obama diciendo que mientras él se preocupa por solucionar los problemas de la nación, los republicanos están en peleas internas porque ahora estén en plenas elecciones primarias. Eso lo hizo Sorayita Saez a propósito de las primarias del PSOE.

Un poco más de contención y las críticas cuando vengan a cuento, de lo contrario, lo que demuestran es lo que todos sabemos.

MARLOWE, DETECTIVE MUY PRIVADO

2012-02-09T10:44:00.000+01:00

Enésima adaptación para la gran pantalla del famoso detective creado por Raymond Chandler, con algunos toques de estética sesentera (hippies incluídos), unas actuaciones que no son de lo mejor precisamente y una dirección a cargo de Paul Bogart, que tampoco es nada del otro mundo.

Por cierto que Bruce Lee hace un cameo, hay una escena en la que visita a Marlowe para amenazarle que intuímos como va a acabar y que nos da un poco de risa, bueno, como alguna otra escena que resulta también un tanto ridícula.

Tampoco es que en esta ocasión se cometa un pecado capital, porque incluso en las películas de Marlowe que tenían una mejor calidad (todos recordamos "El sueño eterno" o "Historia de un detective"), este no es el detective que aparece en las novelas, sino una especie de remedo.

La adaptación no es buena, pero esto, al menos para mí, tampoco es nuevo, es algo que, por desgracia ocurre bastante al llevar las obras de Chandler al cine, de hecho la gran mayoría de las adaptaciones han sido un fracaso.

En su momento tuvo cierto éxito de público, pero yo creo que hoy en día poca gente la recuerda.

No es una gran película, pero es entretenida y conserva en algunos de los diálogos la magia de las novelas de Chandler, con lo cual aunque es de baja calidad artística, es facil de digerir e incluso, como ya he dicho, entretenida.

ZUMALACÁRREGUI

2012-02-08T11:42:00.000+01:00

Primera entrega de la tercera serie de los Episodios, en la que D. Benito nos lleva por tierras del Pais Vasco y Navarra en pos de la figura del más emblemático de los generales carlistas: D. Tomás Zumalacárregui, el hombre con el que "La causa" tomó brios y que supo convertir en tropas regulares, dotadas del mínimo orden que requiere un ejército que se precie a aquellos campesinos llenos de ardor, pero indisciplinados. Fue la cabeza que supo aglutinar la bravura de los subordinados y conducirlos hacia los mayores éxitos que obtuvieron los partidarios de Carlos Mª Isidro.

Aunque nos habla mucho de batallas y escaramuzas, de estrategia e incluso de las intrigas de la corte ambulante del pretendiente, Galdós también hace otra serie de reflexiones, en las que el personaje de José Fago, le sirve al autor para plantearnos lo absurdo de las guerras, hablar sobre la religión y otras facetas de la vida (sobre todo de aquella vida), al tiempo que continua con sus magníficos retratos de tipos y paisajes.

LA MANSIÓN DE LOS SIETE PLACERES

2012-02-07T12:46:00.001+01:00

Un tren cargado con un billon de dólares en lingotes de oro es robado en Dinamarca. Los norteamericanos enviarán a su agente Matt Helm (Dean Martin) a investigar, mientras que el Mi5 británico despachará a Freya Carlson (Sharon Tate) para que actúe como apoyo del espía. Apenas ha llegado a tierras danesas y Helm se convierte en un blanco móvil de los secuaces del Conde Massimo Contini (Nigel Green), autor del robo. Y mientras se encuentra en negociaciones con los principales gobiernos del planeta - ya que manipular el cargamento de oro puede provocar el caos de la economía mundial -, el Conde enviará a su secuaz Wen Yu-Rang (Nancy Kwan) y a su "novia" (Elke Sommer), cada una por su lado, con el encargo de despachar a la pareja de espías.

No hay nada peor que empeñarse en tomarse en serio una cosa que no tiene pies ni cabeza.

Este film es la cuarta y última entrega de la serie de parodias de espías de Matt Helm que protagonizó Dean Martin entre 1966 y 1969. Estas pelis se reducen, prácticamente a un desfile de bellezas, muchas veces sin ton ni son.

En las otras entregas de la serie, las risas venían provocadas por la ridiculez de las situaciones, pero aquí pretenden darle seriedad al asunto y la fastidian del todo, porque desde luego, como película seria no funciona y como comedia, tampoco, así que ni una cosa ni otra.

El resultado fue que, aunque al final del film se anuncia la siguiente entrega, esta jamás llegó a rodarse, al parecer todo el mundo estaba cansado del bodrio, empezando por el propio Dean Martin que aunque nunca fue un actor brillante, tenía ciertas dotes para la comedia y aquí aparece totalmente desganado, sin gracia, limitándose a gesticular de vez en cuando.

Un guión vulgar, rodado de cualquier manera y cinematográficamente, bastante desastroso.

Si hay que salvar a alguien, le daremos un aprobado a Sharon Tate, además éste fue su último film antes de perecer a manos del Clan Manson en Agosto de 1969.

COMO AYER

2012-02-06T13:52:00.002+01:00

Sería injusto (y falso) decir que estamos igual que hace 50 años, como de vez en cuando se oye por ahí. Hay cosas que han cambiado para mejor (para mucho mejor) y quien lo contrario afirme, o no ha vivido otras épocas, o se le han pasado por alto algunos detalles o algo peor.

Pero que hay cosas que no cambian para nada, es también más que evidente. El otro día, buscando información sobre una peli de los años 60, me encontraba un comentario sobre ella que decía más o menos así: "...la depresión cultural de una ciudadanía alienada por el fútbol, el sensacionalismo morboso (semanario “¿Por qué?” y otros), la desinformación tendenciosa y tópicos folclóricos".

Se refería a la España franquista de finales de los 50, principio de los 60. De verdad que me quedé de piedra, esto me sonaba de lo más actual ¿a ustedes no?

¿En qué hemos cambiado entonces? En que hoy yo puedo criticar esta situación sin elipsis de ningún tipo. Por lo demás, todo sigue igual.

EL CASO DE THOMAS CROWN

2012-02-05T17:16:00.002+01:00

Thomas Crown (Steve McQueen), un joven y excéntrico millonario de Boston planea un importante robo a un banco, se aburre y este golpe será una especie de entretenimiento para salir de lo que el considera una existencia tediosa. Organiza para ello a siete hombres que no se conocen entre sí y que logran hacerse con 2.600.000 dólares. Los ladrones tampoco conocen la identidad de su jefe, el cual, una vez conseguido el dinero, lo deposita en un banco suizo, en una cuenta anónima identificada únicamente por una clave.

En este punto, entra en acción Vicky Anderson (Faye Dunaway), una atractiva investigadora que se ocupará del caso por encargo de la compañía aseguradora en colaboración con el inspector de policía Eddy Malone (Paul Burke). Vicky descubre que Crown es el cerebro del robo y a partir de ese momento se convierte en su sombra y comienza a frecuentarlo, dejando patentes todas sus sospechas. Las cosas se complican cuando ambos se implican sentimentalmente.

La película es principalmente un entretenimiento, con un prometedor comienzo y un buen final, pero en el medio tiene muchos altibajos.

Con dos historias que se desarrollan paralelamente, por un lado todo lo referente al robo, la investigación, etc. y, por otro, el romance entre la pareja protagonista.

Con una cuidada banda sonora que incluye la canción The Windmills of Your Mind que se llevó un Oscar.

Un montaje de lo más original, pues incluye muchas secuencias en las que se utiliza la técnica llamada split screen (consiste en dividir encuadres en dos o más partes en la pantalla), aunque es cierto que, en algún momento, abusa un tanto de ella.

El mayor atractivo de la peli está en la pareja protagonista, con un Steve McQueen que nunca fue un actor descollante, pero que interpreta uno de esos papeles que le van tan bien, de persona segura de sí misma y una Faye Dunaway, elegante y sofisticada.

Las escenas en las que aparecen destilan un erotismo latente que encuentra la sublimación en la escena de la partida de ajedrez. Larga, con empleo de planos de todo tipo, elegante, glamurosa, tierna a la vez que sugerente... Una delicia de parábola del juego amoroso que acabas viendo con una sonrisa cómplice.

Quiero acabar con algo distinto, uno de esos apartados que no siempre se mencionan: El diseño de vestuario. Corrió a cargo de Theadora Van Runkle, entonces ya muy conocida por su gran éxito en Bonnie and Clyde, peli por la que estuvo nominada al Oscar. El armario de lujo de los dos protagonistas es una tentación visual, con modelitos impresionantes, cuya mejor definición, quizá sea la sexy. Aunque eso se nos escapa a los que no seguimos este ambiente, el impacto de la película sobre el mundo de la moda fue innegable.

REDES SOCIALES

2012-02-04T17:00:00.000+01:00

Que las redes sociales son un arma de doble filo, con sus pros y contras, es algo de sobra sabido, por más que algunos, conociéndolo, dejen o dejemos de lado algunas advertencias hasta que nos vemos metidos en algún lío nada agradable por culpa de quien se aprovecha de nuestra buena voluntad o de nuestra falta de malicia.

En fin, en este caso voy a hablar de la parte positiva a cuento de dos situaciones que me han llamado la atención y en las que gracias, en buena parte, a las redes sociales, más de uno ha podido desfogarse, decir lo que piensa y llamar tonto y sinvergüenza a quien se lo ha buscado.

Una son las declaraciones del Presidente del Gobierno italiano, Mario Monti, que se descolgó con eso de que los jóvenes se tienen que acostumbrar a no tener un puesto de trabajo fijo y que además "trabajar siempre en el mismo sitio es monótono".

Este tipo, otra muestra de político que dice tonterias, ha tenido que escuchar de todo vía Twitter, por ejemplo, desde quien le reprocha lo fácil que es hablar cuando uno haga lo que haga seguirá siendo senador vitalicio; hasta quien le recuerda que cuando vas a pedir un crédito, el banco lo primero que te pide como garantía es que tengas un aburrido puesto de trabajo fijo.

Como decía uno de los jóvenes que dejaban sus ingeniosos e indignados comentarios: "Finalmente Monti ha explicado por qué hay tantos jóvenes que no tienen trabajo, claro, se aburrirían".

Otro caso ha sido el de los famosos (desgraciadamente) vídeos que para promocionar el euskera, ha elaborado la Fundación Leizaola y para los que contaban con una subvención de 3.500 euros del Gobierno vasco.

También ahí, las redes sociales, personas jóvenes sobre todo, han demostrado todo el ingenio y el sarcasmo del mundo, para burlarse, ya no de si son pseudopornos o no, sino que lejos de calificaciones morales, ha incidido en la cutrez y falta absoluta de buen gusto y de que una fundación pretendidamente seria, saque a la luz esta basura. La calidad brilla por su ausencia en una porquería que ha sido pagada con dinero público.

Uno de los twiteros decía: "El Euskera podría tener origen extraterrestre. Eso explicaría muchas cosas..."

EL SILENCIO DE UN HOMBRE (EL SAMURAI)

2012-02-03T12:50:00.000+01:00

Jeff Costelo (Alain Delon), es un asesino a sueldo que recibe el encargo de matar al propietario de un club nocturno.

Durante la investigación que se inicia nada más cometerse el crimen, es detenido por la policía junto con otros muchos sospechosos, y posteriormente puesto en libertad gracias al testimonio de Valérie (Cathy Rosier) y a la coartada que le proporciona Jeanne Lagrange (Nathalie Delon).

Costelo se verá acosado a un tiempo por el superintendente de la policía (François Périer), que dispondrá un amplio despliegue de hombres y medios y por los hampones que le encargaron el último trabajo, que tratarán de deshacerse de él por miedo a que los delate.

La película tiene todos los tintes del noir, pero es a la vez una especie de composición un tanto poética sobre la soledad.

Un hombre que va y viene por una ciudad fantasmal, vacía, ese París frío y lejano que nos muestra el director y que remarca el aislamiento del personaje protagonista.

Los diálogos son breves, directos, concisos y cortantes y los silencios predominan. Sin embargo las miradas y los gestos, explican todo lo que las palabras nos hurtan, de una manera sublime.

Melville crea, junto a Delon, uno de los personajes más complejos y exquisitos de los que se han podido ver en una pantalla de cine y ambos logran culminar uno de los mejores trabajos de sus respectivas carreras.

Con una magnífica ambientación, el realizador nos obsequia algunos recursos técnicos de los que le son habituales y que tan bien maneja: Largos planos-secuencia, variedad de picados y contrapicados... y algunas escenas que son antológicas, como la del principio en la que sin una sola palabra y con el sonido de fondo del píar del pajarillo enjaulado, vemos una habitación de difusos contornos en la que, tras largo tiempo (todos los títulos de crédito), de repente descubrimos, por la pista que nos dan las volutas de humo del cigarrillo, a un hombre tendido sobre la cama: El protagonista, que como el tigre cuando acecha, está mimetizado con el entorno. Una maravilla de presentación.

La maravilla del film está, más que en lo que cuenta, en cómo lo hace, de manera pausada y atractiva, cuidando el detalle, pero sin aburrirnos, como en esa larguísima persecución por el metro parisino que tanto ha sido repetida después por otros.

Para llegar a ese final, elegante y poético, en el que el moderno samurai se autoinmola en presencia de la inquietante dama.

Cine negro en estado puro.

DEBATES EDUCADOS

2012-02-02T14:24:00.000+01:00

Cogí por los pelos el final de un debate entre dos personas (con el acompañamiento de un periodista que moderaba e introducía alguna preguntilla de cuando en cuando), sobre un asunto de plenísima actualidad y muy, pero que muy interesante para muchos de nosotros: El jurado popular.

Lo de menos, en este caso, es lo qué decían en concreto, no fue eso lo que llamó mi atención, fueron otras cosas, sobre todo, los modos.

¡Qué altura la de los intervinientes! Preparación, conocimiento, capacidad dialéctica... Todo lo que ustedes quieran y algo más.

La confrontación era dura, sin pelos en la lengua, acompañada de datos, con unas exposiciones claras y fundamentadas, sin falsas cortesías.

Dos personas cuyas opiniones y creencias sobre el asunto que debatían no podían estar más enfrentadas, allí no cabía posibilidad de poner a los dos de acuerdo, posturas de las llamadas irreconciliables y sin embargo para quien les escuchaba, el debate era de lo más enriquecedor, precísamente por las posturas dispares, porque escuchabas argumentos de uno y otro y, repito, todo ello tremendamente bien fundamentado y acompañado de una buena capacidad de oratoria, sabían hablar.

Cuando el periodista despedía el debate, me enteré de quienes eran los dos "guerreros verbales": Miguel Cid Cebrián (Presidente de la Asociación Pro Jurado) y Ernesto Pedraz Penalva (Catedrático de Derecho Procesal de la Universidad de Valladolid).

Como digo, el periodista les despedía y, tras los oportunos agradecimientos, iba a cambiar de asunto para seguir con otras cuestiones, cuando uno de ellos, el Sr. Cid, le pidió permiso para decir dos palabras: Quiero envíar un saludo a Sr. Pedraz -dijo-; a lo que el aludido respondió: Yo también deseo enviar otro al Sr. Cid, con cuya amistad me honro.

Al periodista le debió ocurrir lo que a mí y no pudo por menos que poner el colofón: Que dos personas que han debatido tan duramente y defendiendo posturas tan encontradas acaben de esta manera, con la mano tendida, es un motivo de inmensa satisfacción.

Tenían que haber oído la discusión, de veras, para saber apreciar lo que ese gesto final significaba.

Y uno no puede por menos que acordarse de toda esa basura que diáriamente nos ofrecen las televisiones, esa sarta de insultos sonrojantes, esas pontificaciones de personajillos que no saben ni hablar y, por supuesto, de cultura "na de na".

Por qué no hacen cosas como la que yo tuve el placer de escuchar, debates con temas candentes, que con una mínima promoción convocarían ante la pantalla a un buen número de televidentes, con personas preparadas, educadas y que no anduvieran con paños calientes.

Por supuesto, el debate era en la radio, no podía ser de otra manera.

LA MATANZA DEL DÍA DE SAN VALENTÍN

2012-02-01T13:46:00.000+01:00

Estamos en el Chicago de finales de los 20, con la llamada Ley Seca en vigor, las organizaciones mafiosas haciendo su agosto gracias a ella (a saltarse la ley, se entiende) y dos hombres que pugnan por el control de tan lucrativo negocio en la ciudad, Al Capone (Jason Robards) y George Clarence 'Bugs' Moran (Ralph Meeker). El primero controla la mayoría de los barrios de la ciudad, el segundo la zona norte, pero no se conforma con ello y se va introduciendo poco a poco en territorio de Capone.

Este no se conforma con una negociación, como le sugieren otros capos, sino que intuye que Moran desea hacerse con el negocio a toda costa, incluso pasando por encima del propio Capone, por lo que toma la decisión de golpear primero.

La película recrea los famosos hechos que tuvieron lugar el 14 de febrero de 1929, uno de los episodios más sangrientos de las luchas gansteriles y que se saldaron con la muerte de siete sicarios de la banda de Bugs Moran en un garaje de Chicago.

Nunca se supo quién había dado las órdenes de llevar a cabo la masacre, pero la versión más extendida (la que sigue el film), señala a Al Capone como cerebro de la operación.

El guión relata los hechos con una buscada pretensión documental. De forma continuada a lo largo del metraje, una voz en off nos cuenta determinados pormenores, sobre todo cuando nos va presentando a los nuevos personajes que son muchos, en la mayoría de las ocasiones con breves pero intensas apariciones.

Con ello consigue, aparte del cometido principal, que es contar parte de lo que sucede e incluso los pensamientos de los personajes, interponer una cierta distancia entre el espectador y los protagonistas. El realizador no se pone en ningún momento de parte de los criminales, ni trata de humanizarlos, nos muestra a personas duras, sin sentimientos, amorales y si nos induce a cierta piedad hacia alguno, estos son gentes que se ven obligadas a intervenir o que están en trance de abandonar aquel mundo de delicuentes.

Los actores desarrollan sus papeles de modo convincente, con una gran actuación de Jason Robards, si bien hay que reconocer que físicamente no da el tipo que todos conocemos de Capone, pero él, su papel lo hace muy bien.

Magnífica ambientación, con un vestuario muy cuidado, algunos recursos formales imaginativos y, para los fans, un buen desfile de modelos de coches de época y no digamos de armas.

La película tiene escenas muy violentas, como no podía ser de otro modo y una muestra concisa y eficaz de lo que eran las luchas entre bandas rivales y la crueldad de sus miembros y de sus métodos.

Para la reconstrucción de la escena cumbre del film, la matanza del garaje, se estudiaron y recrearon (bastante fielmente, por cierto) las fotos de los hechos publicadas en la prensa del día siguiente.

Roger Corman, un realizador que hizo sobre todo películas de bajo presupuesto, contó en esta ocasión con bastante más dinero del habitual. El resultado es una obra adelantada a su tiempo y un buen ejemplo de que con dinero, talento y conocimientos, salen cosas más que dignas.

LUCHANA

2012-01-31T17:27:00.000+01:00

Se conocen como Batalla de Luchana los combates que durante la Primera Guerra Carlista tuvieron lugar durante los días 1 al 25 de diciembre de 1836 con los que el ejército isabelino, al mando de Baldomero Espartero, partiendo desde su base en Portugalete, consiguió arrollar a las fuerzas carlistas que asediaban Bilbao desde el 25 de octubre.

Por debajo de la acción bélica, se narra otro asedio, el que Aurora Negretti soporta del tozudo bilbaíno Zoilo Arratia.

La bravura de los liberales bilbainos, sin apenas medios y sometidos a una angustiosa falta de suministros, es retratada de manera magistral por Galdós. Todo el mundo se afana por defender la capital vizcaina y evitar que caiga en manos de las tropas de D. Carlos, han jurado dar hasta la última gota de sangre en el empeño y, a pesar de la desesperanza que les supone la tardanza de Espartero en socorrerles, ellos hacen gala de su tozudez y valentía y declaran que los carlistas entrarán en Bilbao sólo por encima de sus cadáveres.

La novela sigue avanzando por el camino costumbrista y con el uso variado de jergas y de tipos diversos de lengua, en este caso el vascuence, bien con palabras en tal idioma, o con giros del castellano propios de aquella tierra.

Son legión los personajes secundarios y episódicos bien perfilados que circulan por la novela, en la que tampoco faltan la comicidad e ironía, con el trasfondo histórico magníficamente documentado.

A QUEMARROPA

2012-01-30T18:42:00.001+01:00

Walker (Lee Marvin) acepta la petición de su amigo Mal Reese (John Vernon) para dar un golpe en la abandonada prisión de Alcatraz.

Se trata de robar a una organización criminal, de la que más tarde descubrimos que ellos forman parte en los escalones inferiores. Reese necesita dinero para pagar una deuda a la mencionada organización y promete a Walker que será un trabajo limpio y sin sangre.

Sin embargo, cuando llega el momento, dispara y mata a los dos tipos a quienes van a asaltar, para deshacerse a continuación de su amigo Walker, a quien deja por muerto en una de las antiguas celdas, para huir con el dinero y con Lynne (Sharon Acker), la esposa de Walker.

Walker, malherido, logra regresar a San Francisco y, transcurrido un tiempo, una persona que hace ver que habla en nombre de un grupo, le propone un trato, ellos quieren quedarse con la Organización y a cambio de que Walker les ayude en su objetivo, ellos le ayudarán a encontrar a Reese para que Walker pueda terminar lo que se ha convertido en una verdadera obsesión: Acabar con su antiguo amigo y recuperar los 93.000 dólares del botín que le pertenecían.

La hermana de su mujer, Chris (Angie Dickinson) le ayudará a conseguir su objetivo.

Para los defensores del dogma, el llamado cine negro acaba su ciclo vital con Sed de mal.

Recordemos, sin embargo, que el clasicismo artístico acabó cuando finiquitó el helenismo, sin embargo, para eso llegó el Renacimiento y rescató todo aquello poniéndolo al día.

Así apareció eso que algunos llaman el neo-noir, un cine negro en la época del color, aunque algunos filmes conserven el blanco y negro primigenio.

Muchos críticos han visto en este film, el arranque de esa nueva etapa del noir, revitalizado y puesto al día, en busca de nuevos caminos que le permitan superar el atasco en el que estaba sumido. El realizador británico John Boorman, lleva a la pantalla un guión basado, de una manera bastante libre, en la novela The Hunter, del escritor norteamericano Donald E. Westlake (bajo el seudónimo de Richard Stark)

A quemarropa nos presenta un universo en el que los delincuentes viven como en un mundo aparte, y el nuestro, en el que nosotros vivimos, de vez en cuando se intercala en el suyo. Quizá el personaje más cercano a nosotros sea el que interpreta Angie Dickinson, los otros se mueven en otra dimensión, como si Boorman nos hiciera seguir y contemplar a los malhechores, pero no a involucrarnos con sus sentimientos y sus instintos.

A pesar de ello, no crean que ello le resta un ápice de interés, es un modo de contar, pero nosotros sí que quedamos atrapados por la historia, sobre todo por la obsesión de Walker en recuperar sus 93.000 dólares.

Marvin es Walker (el caminante), el hombre cuyo único objetivo es ese, seguir el camino que le lleva de un lado a otro tras su objetivo. Los obstáculos que se interpongan en su camino, los elimina, de forma expeditiva y fría. Incluso aplaca sus deseos de hombre, porque está "trabajando" y eso le distrae de su labor, su misoginia (tan del negro, por otra parte) viene principalmente de esa necesidad de mantener la mente despejada, él va a su rollo.

Cuando le dejan, Marvin consigue una gran interpretación, él sí supo captar el personaje, algo que no conseguiría en igual medida Mel Gibson en el remake que se hizo años después.

Una película llena de experimentos, no siempre muy conseguidos; súbitos flash backs; elipsis audaces; ritmo entrecortado de la acción, con alguna salida de tono; y una violencia y un erotismo más directos y agresivos que en el noir clásico, en un claro precedente de lo que vendrá en las películas de los 70 y, sobre todo, en las de los 90.

El resultado es extraño y desigual, pero el film resulta muy interesante.

LA COSMOVISIÓN YANKEE

2012-01-28T18:20:00.001+01:00

Que los norteamericanos tienen su particular visión del planeta, es sabido. Su cultura contiene ese punto de egocentrismo de potencia dominante y la cosa viene de lejos.

El Memorial de Caen, es una especie de museo para la paz, donde se conserva mucha documentación sobre todo relativa al Desembarco de Normandia. Hay mapas, fotos, documentos oficiales, pero también archivos sonoros y diarios y cartas depositados por particulares.

El señalado con la signatura MdC TE215, perteneció a una tal P. Peschet y entre las cosas que en él se dicen me llamó la atención un párrafo: "...nous considèrent nettement comme des sous-développés. L'un d'eux me demande (en anglais)si j'ai jamais vu un cinéma... Il en reste pantois, et pas tellement convaincu."

Ampliado y en castellano, lo que cuenta la tal P. Peschet es algo que le aconteció con un soldado norteamericano, cuando la ciudad en la que ella vivía fue liberada.

Queda desconcertada al darse cuenta de que los norteamericanos "nos consideran claramente un pueblo subdesarrollado. Uno de ellos me pregunta (en inglés) si he visto alguna vez un cine". La mujer le contestó que el cine había sido inventado en Francia, lo mismo que el automóvil. "Se quedó de piedra, pero no parecía demasiado convencido".

CONSPIRACIÓN EN BERLÍN

2012-01-27T16:45:00.001+01:00

Estamos en plena Guerra Fría y varios agentes británicos han muerto en Berlín. El agente Quiller (George Segal) es enviado para continuar la investigación. Pol (Alec Guinness) jefe de la inteligencia local, le informa que los agentes se encontraban tras la pista de una peligrosa célula neonazi. Pero los únicos datos que han dejado han sido un par de recortes de periódicos y el ticket de un gimnasio. Quiller comienza a indagar hasta toparse con la bella Inge Lindt (Senta Berger), una profesora que le pone en contacto con personas que saben donde se localiza dicha célula. Pero el agente es secuestrado por éstos y es sometido a un feroz interrogatorio por su líder, cuyo nombre clave es Oktober (Max von Sydow). Los neonazis desean encontrar el cuartel secreto de la inteligencia británica en Berlín para asaltarlo y apoderarse de información vital.

El guión, del aclamado escritor Harold Pinter (premio Nobel de literatura en 2005), se basa en una novela de Trevor Dudley Smith, quien bajo el seudónimo de Adam Hall la había publicado con el título de El memorándum de Berlín, que se convertiría en The Quiller memoramdum para los lectores estadounidenses.

La película cuenta con un reparto de cierto relumbrón (George Segal, Alec Guinness, Max von Sydow, Senta Berger, George Sanders...), pero a pesar de todo lo que nos promete con semejante elenco y semejante guionista, no se cumple ninguna de las expectativas que podamos albergar.

Algunas de las estrellas, hacen breves apariciones y en otros casos es como si el papel no tuviera demasiada conexión con el guión.

La película se queda en un quiero y no puedo, podrían haberla convertido en una especie de chanza sobre el mundo de los espías, pues la verdad es que George Segal no funciona como hombre de acción, parece encantado con la perspectiva de dejarse coger para que le torturen. Algunos de los diálogos podrían se tomados también como una caricatura de ese ambiente, pues los mandamases de Londres hablan de los espías en el mismo tono que de los ingredientes de la comida que están saboreando y de las muertes de los agentes, como de una parte más del engranaje del estado. Pero tampoco como comedia funciona.

Así que ni misterio, ni comedia, ni siquiera acción.

Hay escenas, como la del interrogatorio que parecen un performance bizarro sobre el mundo y la parafernalia neonazi.

El colmo del desatino es la escena final, que se presta a sembrar la inquietud en el espectador sobre quién es realmente el personaje de Senta Berger, la profe que se ha ligado el protagonista. Pues bien, el director, Michael Anderson, acaba de arruinar la peli convirtiendo lo que debería ser una sospecha (incluso una revelación) inquietante, en algo que pasa desapercibido por lo mal contado que está.

Una película prescindible, bajo mi punto de vista.

PARTICIPACIONES PREFERENTES

2012-01-26T19:39:00.001+01:00

Una de las tonterías recurrentes que escuchamos de vez en cuando, incluso dicha por nosotros mismos mitad en broma, mitad en serio, es que los españoles son (somos) unos vagos.

Los españoles, hablando en general, son un pueblo laborioso, a las pruebas me remito, la situación económica está con está y esto no revienta, en buena parte porque las familias, tirando de ahorros, están soportando como pueden el lastre de la disminución de ingresos, del paro y de las perspectivas horripilantes que se nos presentan. ¿De dónde creen que proceden esos ahorros? Pues del trabajo, ni más ni menos, de lo que durante los años de bonanza (y de no bonanza), durante toda una vida, en algunas ocasiones, hemos ido metiendo en la cartilla del banco.

Algunos de esos ahorradores las están pasando canutas, necesitan dinero líquido para poder seguir tirando para adelante y echan mano de sus ahorros, vendiendo el segundo piso que compraron con sangre sudor y lágrimas, hipotecando la vivienda habitual cuando acababan de librarse de la hipoteca o sacando del banco los euros que tenían ahorrados, muchas veces perdiendo una pasta que habían invertido como plan de pensiones o productos similares.

Habrán oído y leído el lío que se ha montado hace poco con uno de estos productos financieros llamado participaciones preferentes.

Las participaciones preferentes son valores emitidos por una sociedad, pero que no otorgan a sus suscriptores parte de la propiedad y fue un producto de moda en los años 2008 y 2009 y en muchas ocasiones, quienes las compraron lo hicieron asesorados por empleados del banco (de su banco de toda la vida), pensando (porque así se lo decían) que eran productos garantizados. Alguna de esta gente son personas cuyo nivel cultural tampoco es nada del otro mundo y si bien es cierto que la responsabilidad última es del que firma y que se les puede llamar lelos por creer que un producto de alta rentabilidad no esconde detrás un riesgo, no es menos cierto que muchas veces, las entidades emisoras (normalmente bancos o empresas participadas por ellos), se mueven, a la hora de colocar estos productos, por la obtención de unos objetivos comerciales establecidos por la dirección y les importa un bledo trincarte a ti, a mi, o al vecino de enfrente, lo que quieren es venderlas y después es tu problema. Para ello, en ocasiones, se callan ciertas cosas (la famosa letra pequeña) y la gente compra, porque la tentación es golosa y porque supones que viniendo de un banco, no es lo mismo que viniendo de Nueva Rumasa (¡ja, ja).

El problema surge al quererse deshacer de este producto de forma anticipada a través de su venta en el mercado secundario, caracterizado por ser poco líquido, en comparación con el mercado continuo. Con toda probabilidad la realización a través de la venta deberá esperar en el tiempo, hasta que exista un comprador que esté dispuesto a adquirirlas, aplicándoles previamente un porcentaje de descuento importante.

Muchos autónomos están tiesos como la mojama y necesitan pasta, solución: Vender estas participaciones y cuando van al banco, el banco les dicen que nones, que se lo cambia por otras cosas. Pero si yo necesito dinero, pues ni caso, si te mueres que te entierren.

Hay otros que se lo piden prestado a la familia, a su padre, por ejemplo, que tiene 85 tacos y cuando el pobre señorico va a por la pasta que necesita su hijo para no tener que cerrar el negocio, le hacen lo del trilero: Mire, el dinero no, pero le cambiamos las participaciones por un depósito a 10 años del 70% del capital y el otro 30% en acciones del banco o caja.

Pero oiga, que dentro de 10 años tendré 95 y, es más, no creo que llegue. Mire, por qué no me da un crédito para dejarle el dinero a mi hijo y toma como garantía la participaciones esas que me vendieron ustedes.

NO. Si quieres un crédito presenta otra garantía esa no vale.

Pero si me lo vendieron ustedes, cómo no va a valer.

He dicho que NO.

Total, toda mi puta vida (con perdón) en el mismo banco, creyendo que todo estaba garantizado y ahora no me dan mi dinero.

Y tú diciendo: Mi hipoteca la pago religiosamente, mis impuestos me los descuentan de la nómina y no puedo defraudarlos, jamás me han dado una beca para mis hijos, no he cobrado el paro por suerte y ahora encima llegan estos y me quitan el dinero a mayores del que les estoy dando a través de las ayudas del estado. Y cuando les vas a pedir pasta, no tienen, prefieren depositar los millones que les están dando, en deuda de la que compra el BCE.

Demasido pocos indignados hay.

Sacad esta lección: Si vais al banco, no vais a hablar con un amigo, vais a hablar con alguien que tratará de venderos algo para sacar una ganancia con ello, pero no son nuestros amigos.

IPCRESS

2012-01-25T13:38:00.000+01:00

El agente Harry Palmer (Michael Caine) es destinado al departamento del Mayor Dalby (Nigel Green), para sustituir a un compañero asesinado.

Los agentes del departamento de Dalby están trabajando en un caso al que han bautizado “Fuga de Cerebros”. Al parecer, en un corto periodo de tiempo gran parte de los científicos más brillantes de Inglaterra han desaparecido o muestran un comportamiento errático que los ha inutilizado para ejercer sus tareas. Dalby no cree que esto se trate de una coincidencia, por lo que cuando un científico llamado Radcliffe (Aubrey Richards) desaparece, moviliza a todos sus hombres para que den con su paradero. El principal sospechoso de las desapariciones parece ser un tipo al que llaman Bluejay (Frank Gatliff), a quien Palmer decide seguir de cerca. Aunque en un principio la investigación parece ir bien encaminada, pronto Palmer se verá atrapado en una compleja situación cuando por error mata a un agente de la CIA. Ahora los verdaderos culpables aprovecharán este descuido para inculpar a Palmer y así deshacerse de la única persona que puede echar por la borda sus planes.

La peli sirvió para el lanzamiento al estrellato de Michael Caine, quien se había dado a conocer internacionalmente con la película Zulú, pero al que le faltaba ese empujón que te hace dar el salto al estrellato.

El guión toma como base la novela The Ipcress File, de Len Deighton y con posterioridad a esta película, tuvo alguna otra secuela.

Al productor Harry Saltzman, uno de los responsables de la primera entrega de 007 (sí, la del Dr. No, perdón por el chistecillo fácil), le pareció atractivo iniciar un camino con la misma temática, pero huyendo de la naturaleza que podríamos llamar más fantástica de James Bond.

En efecto Harry Palmer, es más cercano, lejos del glamour de Bond. Cuando se nos están pasando los títulos de crédito del film, le vemos preparando el desayuno en una corriente cafetera de émbolo y a lo largo de la cinta, nos lo encontraremos haciendo la compra en el supermercado del barrio, con su carrito, para preparar la comida.

A Palmer no le envían a misiones imposibles en el extranjero, ni se le acercan mujeres despampanantes, se conforma con ligar con una compañera de trabajo. Es mucho más realista y terrenal, bastante más creible para el público en general. Y lo poco que puede tener de sofisticación, es más de andar por casa, pues aunque aprecia la buena comida, se la hace él y aunque le encanta la música clásica, nada de Royal Opera House, o bien tocadiscos o, si acaso, una banda del ejército que ha hecho una adaptación de Mozart para tocarla en el templete de un parque.

Palmer es un tipo que ha llegado al servicio de espionaje porque en el ejército le formaron consejo de guerra por andar trapicheando en el Berlín de la postguerra y le pusieron en la alternativa de la prisión militar o servir a Su Majestad lavando trapos sucios.

La peli, por momentos, puede resultar algo lenta, el director (Sidney J. Furie), que tuvo sus más y sus menos con los productores, se toma todo el tiempo del mundo para presentar a los personajes. A mí particularmente, me gustó la pausa que le da a todo este ritual, pero entiendo que hay quien pueda aburrirse un poco. Hacia mitad del film, la acción se vuelve un tanto más trepidante, el ritmo narrativo y los niveles de tensión, centrados en la encrucijada en la que se ve atrapado Palmer, aumentan de nivel.

Estupenda actuación de Michael Caine y de sus superiores en el film (Nigel Green y Guy Doleman), con algunos diálogos muy irónicos entre ellos.

La cámara recoje abundancia de planos de detalle, algunos contrapicados y otros desde puntos de vista un tanto originales.

No será una obra maestra, desde luego, pero vale la pena verla, es una de las buenas películas de espías que surgieron en la Inglaterra de los 60.

LOS CULPABLES

2012-01-24T11:32:00.000+01:00

Mucho se habla de los culpables de la crisis en este mundo nuestro en el que hay que buscar culpables para todo y si es posible, que sea el vecino de enfrente.

A veces, además de culpables (que también), hay que saber reconocer errores y buscar soluciones. Todo ello, si fuere posible, debería ser acompañado de alguna medida (aunque fuera un detallito) para dar ejemplo.

Los políticos son muy dados a tirar de manual, se aprenden cantinelas que alguien escribe y les son distribuídas por el partido para que dominen el arte de salirse por los cerros de Úbeda, todo con tal de dar la impresión (que nadie se cree, por otra parte) de que ellos son como los Santos Inocentes, cuando en realidad son como Pilatos.

Últimamente han encontrado culpables a los que echar el muerto de la mala situación que vivimos. ¿Quienes son? ¿Los bancos? ¿Las instituciones públicas? No, son los que tienen un trabajo a quienes de manera subliminal se culpabiliza muchas veces, haciéndoles aparecer como unos privilegiados a los ojos de los demás, todo ello en una sutil maniobra para seguir cercenándoles la nómina a base de bien.

Vamos a ver, yo no digo que no haya que ser solidarios, todo lo contrario, debemos serlo, para que la cosa salga adelante, el que tiene dos, debe ser consciente de que debe compartir uno con el que nada posee. Aunque muchas veces sean necesarios esos dos para vivir y con sólo uno lo que se hace es malvivir.

Pero de ahí a señalarle con el dedo, como ya comienzan a hacerse algunas veces, sobre todo por quienes deberían tener un poco de tacto, va un trecho y más aún cuando quien da lecciones morales, lo que debería hacer es dar ejemplo y no lo da.

Nuestra clase política está aplicando recortes por doquier, probablemente necesarios por lo que vemos y oímos todos los días, pero ¿qué hacen ellos?, ¿cómo aleccionan al ciudadano? ¿dando ejemplo? Por desgracia, salvo contadas excepciones (que honran más a quienes dan un paso al frente), aplican las medidas más fáciles y siempre apuntando a otros.

¿No se dan cuenta de que el problema más grave es el paro y que los puestos de trabajo los generan las empresas? ¿Por qué no barren de un plumazo toda la burrocracia que ha de soportar cualquier emprendedor para poner en marcha su negocio? Además así se ahorrarían dependencias administrativas inútiles con su correspondiente dotación de personal.

Recortan plantillas, aumentan jornadas laborales a los funcionarios públicos ¿por qué no se reduce el número de diputados?, ¿para qué nos sirven, si al final van a votar lo que el partido les ordene? Y lo mismo podría decirse de un buen número de concejales, que sólo van a los plenos a votar y no tienen competencias.

Esto sin entrar en la consabida retahila de las visas, coches oficiales, despachos mastodónticos...

¿Y qué me dicen de los asesores? Los hay a miles. Pero si ya hay funcionarios cualificados que podrían desempeñar esas funciones, pero no, tienen que contratar a alguien de la cuerda porque, dicen, necesitan una persona de confianza. ¿Confianza para qué?, ¿para hacer chanchullos? Porque si tus actuaciones son transparentes con el funcionario de turno te vale, no necesitas meter a nadie de la familia. Huele mal.

¿Que todas esas cosas no arreglarían la crisis? Pero serían señales, como las carantoñas de la madre al niño que se ha caído, que te dan el ánimo suficiente para tirar p'alante.

Hace unos días, a la alcaldesa de mi ciudad le preguntaban los periodistas qué les diría a los funcionarios munipales a cuenta de la congelación salarial y ella, tan oronda, tiró de manual y no se le ocurre otra cosa que decir: Yo les diría que miraran a la cara a esos ciudadanos que están en el paro.

¡Para cara la suya!, como si no lo hicieran ya, cuando más de uno tendrá alguien en la familia que esté sufriendo estas miserias. Yo si fuera funcionario mucipal, le miraría a la cara a ella y le enseñaría los titulares de la prensa local del pasado mes de noviembre: Valdeón sube el sueldo un 35% a su asesor, que cobrará 9.000 euros más al año (La Opinión de Zamora)

Afortunadamente, la presión popular sirvió de algo y desde el propio PP obligaron a retirar la propuesta, no sin que la alcaldesa siguiera erre que erre defendiendo la procendencia de su propuesta. Señora, por favor, mire a la cara a esos ciudadanos que llevan en el paro desde hace meses, pero mírelos usted y deje de dar a los demás consejos que usted ignora, porque parece que se está riendo del prójimo.

EL INFIERNO DEL ODIO

2012-01-23T13:01:00.001+01:00

Kingo Gondo (Toshiro Mifune) es un importante ejecutivo de la compañía Zapatos Nacional que planea llevar a cabo una jugada maestra para hacerse con el control de la empresa: Tras muchos años trabajando duro y ahorrando, ha conseguido una cantidad de dinero que le permitirá hacerse secretamente con un buen porcentaje de acciones. Su plan además va a llevarse a cabo en el momento más oportuno, ya que otros altos ejecutivos de la compañía le han ofrecido aliarse con ellos para hacerse con la empresa porque que su filosofía choca con la del dueño de la misma. Ellos quieren abaratar costes y hacer zapatos modernos pero de mala calidad, mientras que el jefe se ha quedado algo anticuado. Gondo rechazará la propuesta por discrepar con sus ideas y decidirá asumir él solo el poder.

Sin embargo, la misma noche en que va a iniciar la compra de acciones que le convertirán en el hombre más importante de Zapatos Nacional recibe una llamada telefónica de una persona que dice haber secuestrado a su hijo y que pide u n rescate de 30 millones de yens, una cantidad considerada desorbitada. Poco después de colgar el teléfono, Gondo y su mujer descubren que no es su hijo quien ha sido secuestrado, sino el hijo de su chófer. Pero eso no echa atrás al secuestrador, quien vuelve a llamar exigiendo el mismo rescate. Gondo entonces se encuentra con un serio dilema: Si no paga al secuestrador éste matará al niño y si paga no sólo no podrá hacerse con la empresa sino que quedaría arruinado pues ha hipotecado todas sus pertenencias.

Que a algunos no les gusta el cine de Kurosawa, es algo sabido, dicen muchos de lo que tal alegan que no entienden sus películas.

A todos esos, les animo a que vean este Arriba y abajo (que sería la traducción más o menos textual), lo van a entender todo, el maestro japonés se lo pone (nos lo pone a todos) de lo más clarito.

La primera media hora del film, transcurre en el salón de la casa del Sr. Gondo, con una estructura claramente teatral, donde los personajes entran y salen del espacio escénico y otros (el secuestrador), participan en la trama a través del teléfono.

¡Qué aburrimiento!, pensará más de uno. Puedo asegurar que no, casi sesenta minutos que no se hacen largos, en los que asistimos, primero a los intentos de los compañeros directivos de Gondo para que éste les secunde en sus planes y después a toda la tensión que provoca el grave dilema que se le plantea.

Todo ello con las varias llamadas del secuestrador, los intentos de la policía para localizarle y preparar las ulteriores actuaciones, la desesperación del padre del niño, los ruegos de la Sra. Gondo para que su marido pague, la traición de su más cercano colaborador y, al final, la soledad del protagonista a la hora de tomar la última decisión.

Aquí, sin que nos hayamos dado cuenta, Kurosawa ya nos ha atrapado, ya nos ha hecho participes de las dudas de Gondo como si fueran nuestras y nos hace pensar en lo que haríamos nosotros en su caso y, también, ha despertado en nosotros el interés por la intriga.

Durante el resto del film asistimos a la persecución policial, contada con todo detalle y nos adentramos, hacia el final de la peli en el mundo del hampa y la droga del que se nos hace un patético y realista retrato.

Hay más cosas, además de todo esto, de lo que a simple vista vemos y es que Kurosawa es un analista consumado y aquí hace una disección clarividente de algunos sentimientos humanos, pero también de la sociedad japonesa de su tiempo.

Sin hipocresía sin falsos moralismos, el realizador estudia la ambición, la envidia, la pesada carga que supone tener libertad de elección, la renuncia, el sentido del deber...

Nos ofrece un retrato crítico de esa sociedad japonesa que emerge tras la guerra, que sin abandonar algunas de sus milenarias tradiciones, está adoptando muchas cosas venidas de occidente, algunas buenas, pero otras, sencillamente, malas. Las abismales diferencias entre clases sociales, maravillosamente reflejadas en la casa de Gondo (todo un símbolo) y lo que ésta significa para los que la ven desde la parte baja de la ciudad.

Kurosawa aprovecha para criticar de manera mordaz a los bancos y prestamistas en general, entes sin corazón: Si puede permitirse pagar un secuestro, debe pagarnos a nosotros también, le dicen a Gondo. También da un repasito a la justicia y algunas leyes de su país, concretamente, la pena por secuestro, muy leve para el daño que ocasiona a quienes lo sufren. La policía se siente en la obligación de hacer pagar al culpable por lo que está haciendo sufrir al Sr. Gondo y hará lo imposible, tendiendo trampas y haciendo seguimientos al sospechoso, para reunir pruebas con las que poder acusarle de delitos castigados con más dureza.

Como siempre en las pelis del maestro, cuidados todos los detalles técnicos, con una magnífica planificación, encuadres medidos y exquisita composición de los planos.

El film todo, desprende un halo de modernidad.

Y ese toque de humo rosa en esta peli en blanco y negro.

Una maravilla y, además, muy entretenida.

EL DÍA D. LA BATALLA DE NORMANDÍA

2012-01-22T17:09:00.002+01:00

Antony Beevor, el autor de este libro, ha pretendido con el mismo, distanciarse de las mitificaciones que envuelven este episodio tan destacado de la Historia mundial y rastrear algunas de esas otras cosas que no se cuentan en las historias oficiales, ni tampoco en los manuales al uso.

Para ello, entre otras cosas, se pasó meses en Le Mémorial de Caen, leyendo los diarios que muchos soldados aliados, alemanes y civiles franceses han ido depositando allí a lo largo de los años. Sus observaciones salpican todo el relato en el que el autor sabe concitar sabiamente lo que dicen los memorandums oficiales con estas otras otras referencias provenientes de antiguas entrevistas y de estos diarios citados de los protagonistas de las actuaciones que tuvieron efecto en Normandía en aquel verano de 1944.

No fueron héroes todos los que participaron en el desembarco de Normandía, allí hubo mucha gente y Beevor, no olvida a la población civil, auténticos sufridores del conflicto, sin menospreciar la valentía de los soldados, tampoco debe pasarse por alto la ingente cantidad de civiles, víctimas, sobre todo, de los bombardeos preparatorios de los aviones y la artillería aliada, pero también de los desmanes que todo conflicto origina. El hecho de que los alemanes decidieran no replegarse y plantar batalla en territorio normando, hizo que el avance posterior por el resto de Francia fuera casi un paseo militar, pero convirtió a Normandía en un inmenso cementerio.

El libro, a pesar del gran número de páginas, es de jugosa lectura y a través de él huímos de ese peligro que supone que el conocimiento histórico de la mayoría de la gente proceda de películas y series de televisión, más que de los libros, en esta sociedad post literaria donde la imagen es más importante y poderosa que la palabra, para adentrarnos de la mano de Beevor en un relato más cercano de lo que aconteció, en el que asistimos a algunos actos de arrojo y valentía, pero también vemos a los jóvenes soldados desorientados por el fuego real, temerosos del enfrentamiento directo del enemigo o de sus propios compañeros que equivocan el objetivo; a los aciertos y errores en la toma de decisiones; al sufrimiento de los civiles desprotegidos en medio de la barbarie; a las vergonzosas rencillas entre los altos mandos y a un buen número de anécdotas puntuales, muchas veces en boca de sus propios protagonistas.

Un libro que intenta explicarnos por qué la Batalla de Normandía (toda ella, no sólo el Día D) es diferente de lo que la gente suele pensar.

A TIRO LIMPIO

2012-01-21T19:29:00.002+01:00

Martín (Luis Peña) y Antoine (Joaquín Navales) llegan a España para organizar una banda de atracadores. Una vez instalados se ponen en contacto con Román (José Suárez) un viejo camarada que, a su vez, buscará otro colaborador "El Picas" (Carlos Otero) con alguna experiencia en acciones de este tipo y que les puede proporcionar armas. Martín convence a Román para que adelante la cantidad de dinero que necesitan a fin de cometer varios atracos a bancos y grandes empresas en la ciudad de Barcelona. Aunque las acciones que llevan a cabo no salen del todo mal, durante una inspección rutinaria en el puerto, la policía los descubre y en el intento de huida se produce un tiroteo en el que muere un policía.

En medio del panorama del cine español de los sesenta, en el que la mayoría de las producciones eran de consumo rápido y buscando una pronta rentabilidad económica, de vez en cuando, los mismos realizadores y productores que hacían esas otras películas bastante mediocres, nos dejaban muestras de su conocimiento del medio y de que estaban a la altura de cualquiera, quedando claro que si el cine nacional iba por otros derroteros, era por otras razones, pero no por falta de talento.

El guión de Miguel Cussó y el propio realizador, Francisco Pérez-Dolz, desarrolla un relato original de José Mª Recarte y no es sino una recreación muy libre de las andanzas de dos anarquistas, Quico Sabaté y Josep Lluis Facerías que habían sido abatidos poco tiempo antes (en 1960 y 1957 respectivamente).
La película tiene un cierto valor documental y pienso que no es sólo debido al paso de los años, sino a que ya fue concebida así, bebiendo de las fuentes de la nouvelle vague, cuyas influencias comenzaban a llegar, de este modo, tiene muchas escenas rodadas en las calles y edificios públicos de Barcelona que nos muestran a sus gentes tal cual y en el ambiente en el que se movían cada día.

Las interpretaciones son correctas y muy creíbles, destacando sobre todas la de Luis Peña que desarrolla un magnífico trabajo.

La música, tiene pasajes jazzisticos y la fotografía cuenta con algunos planos muy interesantes que ponen de manifiesto una gran tarea de elaboración y un perfecto conocimiento del medio.

Quizá los mayores defectos estén en el montaje. Por contra, en algún lugar he leído que los personajes están poco perfilados y que no se profundiza en ellos. No estoy de acuerdo, creo que los tiempos no estaban para profundizar demasiado dado el tipo de personajes de que se trata o qué se quiere ¿que se desarrollen las inquietudes políticas de los mismos? Bastante hacen que dejan más que claro su pasado político y que se nos deja entrever (más que entrever, diría yo) que la familia de Román malvive al frente de un lavadero público porque es a todo lo que puede aspirar tras haber estado en el bando perdedor de la guerra.

Obviamente, los autores del film sabían de sobra que tenían que enmascarar ciertos aspectos, así, para despistar un poco, los miembros de la banda se nos presentan como antiguos comunistas, para que no se viera tan claro que eran los mencionados Sabaté y Facerías, porque algunas de las cosas que se nos narran están tomadas de hechos reales, como el primer y largo plano-secuencia del atraco al garaje, que se corresponde con un hecho que llevó a cabo en 1956 Facerías o el atraco a la caja de ahorros, igual a otro que perpetró en los mismos lugares en que se ruedan estas escenas (junto al mercado barcelonés del Born) Quico Sabaté a una sucursal del Banco Central. Incluso se toman detalles como la dinamita utilizada para amedrentar a los clientes y que en realidad eran cilindros de madera, o que las armas se transportaron en una cesta.

La película tiene algunos toques de modernidad inusitada para el cine español de la época: La más que insinuada homosexualidad de Martín; la recreación que se nos presenta de los meublés al servicio de la burguesía barcelonesa...

A pesar de todo, de que explícitamente se nos dice que Antoine viene de la escuela de activistas de PC francés en Toulouse (no se dice tal cual, pero sí que viene de esa ciudad y se da una dirección concreta que corresponde a esa escuela); de que todos los diálogos de la señora Quimeta durante las escenas de la masía, son en catalán; sólo intervinieron las tijeras de la censura en dos escenas: El descubrimiento del cuerpo ahorcado de uno de los personajes y un camisón que se deslizaba hasta el suelo en una escena íntima entre Román y su amante (María Asquerino).

No estamos ante un gran guión, ni ante una película deslumbrante, pero sí ante un producto muy digno, una historia bien contada, emocionante y bien planificada.

Pero nació muerta, ya desde el principio se vio que nadie iba a hacer nada por ella. Se estrenó en Barcelona en 1963 en régimen de programa doble, acompañando a una peli austriaca que nadie recuerda (Romance en Venecia) y hubo que esperar casi dos años para verla en Madrid, donde la crítica la masacró. Había que dar crédito a la versión oficial y el submundo del gansterismo y similares sólo se daba en EE.UU., en España no había cosas así ¡sólo faltaba! y claro, dijeron de ella que era una burda copia del cine francés y americano.

LES FEMMES TONDUES

2012-01-20T17:29:00.001+01:00

Cuando las tropas aliadas desembarcaron en Normandía y comenzaron su avance por territorio francés, también comenzó el sufrimiento de mucha gente que no estaba participando en los combates.

Unos cuantos miles de civiles franceses sucumbieron a los bombardeos aliados y otros muchos se quedaron sin nada, sin casa, sin ganado o con las cosechas destruídas. Ya se sabe, los daños colaterales.

Se saldaron también algunas cuentas personales, había muchas cosas de las que vengarse, pero la ofensa moral de la venganza, ocultaba también cierto grado de oportunismo político y personal.

Los grupos de la Resistencia quitaron la vida a unas 6.000 personas antes de que los alemanes se retiraran. Luego, en la llamada épuration sauvage o "purgas no oficiales", fueron asesinadas al menos 14.000 personas más.

Pero siempre hay alguien que paga el pato a precio doble, normalmente los más débiles, ya se sabe, niños y, sobre todo, mujeres.

Las estadísticas que quizá resulten más reveladoras son las de Bretaña, donde una tercera parte de las personas asesinadas fueron mujeres. Algo exraño a primera vista, si tenemos en cuenta que entonces la guerra era una cuestión puramente de hombres ¿Cuál era la razón para este elevado número de mujeres represaliadas?

Estas mujeres eran acusadas de collaboration horizontale, vamos de haberse acostado con soldados alemanes. Algunas eran prostitutas que habían ejercido su oficio tanto con alemanes como con franceses. Otras eran chicas un poco simples y muchas más eran madres jóvenes cuyos maridos estaban en campos de prisioneros de guerra alemanes. Carentes de medios de subsistencia, su única esperanza de conseguir comida para ellas y para sus hijos durante aquellos años de hambruna había sido aceptar la relación con un soldado alemán.

Tras la humillación que suponía que les afeitaran la cabeza en público, las tondues (las rapadas o pelonas) solían ser obligadas a desfilar por las calles, a veces al son de un tambor. Algunas eran untadas de alquitrán, otras iban medio desnudas y a algunas les pintaban la cruz gamada en el cuerpo.

El historiador americano Forrest Pogue observa a propósito de las víctimas: ...su aspecto, en manos de sus sayones, era el de un animal acosado.

El coronel McHugh, cerca de Argentan, comunicó: Las colaboracionistas eran castigadas además a una especie de carrera de baquetas, en la que les propinaban una buena paliza.

Este feo carnaval, asqueaba a más de uno que, con el paso de los años, reconoció que deberían haber hecho algo por algunas de aquellas pobres mujeres, pero todo el mundo callaba por miedo a ser tachado a su vez de colaboracionista, agachaban la cabeza y miraban para otro lado.

Existía una especie de ritual establecido poco después del Día D. En cuanto una ciudad (incluso pueblos pequeños) era liberada por los aliados, los esquiladores se ponían manos a la obra. A mediados de junio, el primer día de mercado tras la toma de Carentan, una docena de mujeres fueron rapadas en público. En Cherburgo, el 14 de julio, un cargamento de mujeres jóvenes, en su mayoría adolescentes, fueron paseadas por las calles en un camión. En Villedieu, una de las víctimas fue una mujer que simplemente había trabajado como limpiadora en la Kommandantur. En otros lugares, a algunos hombres que habían trabajado voluntariamente en fábricas alemanas, también les afeitaron la cabeza, pero aquello solía ser una excepción. Las mujeres eran casi siempre el primer objetivo. Aquellas mujeres eran, sencillamente, el chivo expiatorio más fácil y más vulnerable, en particular para los hombres que deseaban ocultar su falta de credenciales en la Resistencia.

Se aprovecharon de mala manera de la debilidad del sexo débil.

No entro en si aquellas mujeres eran culpables de algo, alguna de ellas lo sería, otras serían culpables de tener hambre o de querer alimentar a sus hijos o, sencillamente, era envidia que disfrazaron de ofensa moral. Pero la humillación exagerada a la que fueron sometidas, quitaba a sus verdugos cualquier razón que pudieran tener previamente.

Alguien dijo en 1944: La France sera virile ou morte. Debería haber añadido: Mujeres, echaos a temblar.

EL CONFIDENTE

2012-01-19T10:46:00.000+01:00

Maurice Faugel (Serge Reggiani) sale de la cárcel tras cumplir condena. Al poco de ser liberado asesina a Gilbert Varnove (René Lefèvre), que era amigo suyo. El siguiente paso de Maurice será preparar un asalto, pero para eso necesitará una serie de herramientas que le serán proporcionadas por Silien (Jean-Paul Belmondo), de quien se sospecha que es un confidente policial. El robo sale mal y despierta en el apartamento de su amigo Jean (Philippe March) tras haber sido recogido en un automóvil que no recuerda quien conducía, ya que estaba herido y medio inconsciente. Sospecha que ha sido Silien quien le ha vendido, de modo que se verá obligado a ajustar cuentas, algo que no le va a resultar nada fácil, ya que el comisario Clain (Jean Desailly), le echa el guante en calidad de sospechoso y lo mantiene retenido...

Magnífico film de Jean-Pierre Melville que adapta una novela de Pierre Lesou que me gustaría leer algún día, para hacerme una idea de hasta qué punto Melville (que firma el guión) ha tenido que añadir o no cosas, porque desde luego la historia es muy buena, pero claro, hay que saber trasladarla a la pantalla.

El film hace un esclarecedor estudio sobre la mentira. Aunque intuímos que el nudo se irá deshaciendo a medida que avance el film, hay algunos momentos en los que no tenemos nada claro a dónde nos va a conducir aquella madeja que está embrollando el realizador.

Pero todo está medido, perfectamente planificado para que el espectador se vea atrapado por la intriga, ya que las pistas que nos van dejando, nos hacen dudar de qué lado está cada cual.

Los personajes se mueven con una mezcla de frialdad absoluta a la hora de apretar el gatillo y un respeto por los particulares códigos de honor en cuyo mayor o menor cumplimiento iremos notando las diferencias entre unos y otros.

Como dice uno de los personajes refiriéndose a Silien: "...no exterioriza sus sentimientos, pero es capaz de todo por un amigo, ya sea un madero o un ganster"

Y es que la amistad es otro de los pilares de este film en el que nada es lo que parece.

Buen trabajo de Jean-Paul Belmondo, quizá uno de los mejores de sus carrera y magnífica interpretación de Serge Reggiani que sabe sacar todo el partido del mundo a su personaje.

Un gran trabajo de dirección, con muchos detalles que nos ayudan a reconocer a Melville detrás de la cámara y una labor de montaje que no debió resultar nada sencilla.

Una gran película, en la que el director sabe hacer que el espectador empatice con estos tipos que viven en el filo de la navaja, adornando todo ello con ese toque tan del cine francés, los personajes vestidos con esas gabardinas que sirven para ocultar el dinero robado, la pistola, pero también todas las vergüenzas de estos antihéroes.

Tras verla, reconocemos muchas cosas que hemos visto después en películas de otros reconocidos directores, con lo que nos queda el convencimiento de que Melville está mucho más presente en la obra de cineastas posteriores que en la memoria del espectador.

Y un final que es una auténtica maravilla, uno de esos momentos mágicos que se dan en el cine de tarde en tarde.

RUY LÓPEZ DE SEGURA

2012-01-18T12:53:00.000+01:00

Ruy López de Segura (Zafra, Badajoz, c. 1540 – Madrid, c. 1580) fue un clérigo y ajedrecista español. Su tratado Libro de la invención liberal y arte del juego del Ajedrez publicado en Alcalá de Henares en 1561 fue uno de los primeros libros de ajedrez publicados en Europa. En algunos círculos ajedrecísticos, se le considera el más antiguo campeón del mundo de ajedrez.

En 1575, se celebró en Madrid el que se cataloga como primer torneo de Grandes Maestros de la historia, bajo los auspicios de la Casa Real Española y fue ganado por el italiano Leonardo di Bona, tras enfrentarse a su compatriota Paolo Boi, al mencionado Ruy López y al granadino Alfonso Cerón.

Las partidas del siglo XVI eran breves y se desarrollaban de modo fulgurante, adaptándose a la mentalidad de la época en la que el ajedrez era, por encima de cualquier otra cosa, un juego que simulaba las batallas auténticas. De hecho, algunos de los consejos que da Ruy López en su libro vienen a certificar este modo de ver el juego:

"Que siempre el jugador procure de traer a su enemigo lo más fatigado y afligido que ser pueda. Porque trayendolo assi apretado, le cansara la fuerza de la imaginación y le hara cometer errores"

O este otro: "... quando porna a jugar si fuere de dia claro, y al sol, procure que el enemigo tenga el sol de cara, porque lo ciegue; y si fuese obscuro, y se jugare con lumbre, hazer que la tenga a la mano derecha: porque le perturbe la vista, y la mano derecha que trae por el tablero, le haga sombra: de modo que no vea bien donde juega las piezas"

Y por último, esta cita del mismo libro, un tanto chauvinista, pero que también demuestra la mentalidad de potencia dominante que tenían los españoles de su propio país: "Y por tanto este juego se juega en España mejor que en otras partes, por observarse mejor las propiedades de la milicia, en cuya semejanza esta compuesto este juego"

Se le considera el inventor de la llamada Apertura Española (también conocida como apertura Ruy López), que sigue vigente aún y ha sido analizada y puesta a prueba en la práctica del ajedrez moderno por los más grandes maestros. Aparece en su tratado como Apertura IX.

LA COMMARE SECCA

2012-01-17T12:33:00.002+01:00

Una prostituta es asesinada cerca de un parque de los suburbios de Roma, junto al Tíber. La policía comienza a investigar el crimen y, pronto, surgen los primeros sospechosos a los que no tardan en detener e interrogar. Un joven sin empleo, un macarra que vive mantenido por una mujer que explota a las prostitutas, un soldado obsesionado por el sexo y unos jóvenes que necesitan dinero para preparar una comida son los personajes a quienes la policía intentará sacar la verdad. Sin embargo, las versiones son, en muchos aspectos, tan distintas que parece que nadie se acuerde, a ciencia cierta, de lo que hacía la noche del crimen.

Debut cinematográfico de un jovencísimo Bernardo Bertolucci que le valió el reconocimiento de buena parte de la crítica, apreciando en su trabajo el indicio claro de que se podían esperar grandes cosas de aquel realizador novel que ahora se presentaba.

La peli tiene algun detalle de esos que denotan la bisoñez del autor, pero para los 21 ó 22 años que entonces tenía, no deja de ser un cierto prodigio.

Desde el primer momento vemos la influencia clarísima de Pasolini (autor de la historia y firmante del guión), pero no sólo en los grandes rasgos, sino en muchas de las cosas pequeñas que conforman la cinta.

Hay que señalar, sin embargo que el realizador deja el sello propio en muchas cosas trascendentes, por ejemplo algo tan esencial en la estructura del film como es la forma en la que se desarrollan los interrogatorios de los sospechosos.

No es un film con protagonistas principales, en realidad es un cuadro en el que se pretende retratar una parte de la sociedad romana del momento, formada por un puñado de desheredados y de personajes marginales (ladrones, vagos, proxenetas, prostitutas...) En sus interragotorios lo que relatan, en realidad, son sus propias historias, historias de pobreza y marginalidad que poco o nada tienen que ver con el crimen en sí mismo.

Los actores, en muchos casos, eran gente con poca experiencia (en los casos en que tenían alguna), pero en todo momento, quizá en parte por eso mismo, alcanzan niveles altos de credibilidad y la propia ciudad, los suburbios y las zonas marginales, se convierten en un actor más del film.

La película desde luego, no es nada fácil para un debutante y es admirable la valentía y las ganas de hacer cine de este hombre cuando se puso al frente del proyecto que se le ofrecía. Cuenta el propio Bertolucci que era el miembro más joven del equipo y que no podía pensar en el primer día de filmación sin sentir escalofríos; cuando un camarógrafo me preguntó -dice- ceremoniosamente donde debía posicionar la cámara, experimenté uno de los momentos más tensos de mi vida.

Una de las cosas que me llamó la atención es lo bien utilizada que está la banda sonora, de Piero Piccioni y Carlo Rustichelli.

Como algunas otras pelis de las llamadas de autor, aquellas en las que el realizador hace el cine que él quiere y bajo su visión particular, la película no es para todo el mundo, que no se vea en esto nada pedante, por favor, pero algo que me fastidia mucho es que la gente vea una peli porque es de tal o cual director o porque hay que verla.

Una vez dicho esto, añadir que el film no se hace pesado y que resulta muy interesante.

LAVADO DE DINERO

2012-01-16T12:55:00.000+01:00

Esto de blanquear capitales es casi tan antiguo como el dinero en sí, bueno no tanto, pero vamos que la cosa viene de lejos.

De cualquier modo la frase como tal, lo de lavar o blanquear dinero, procede del pasado siglo, de la época de la prohibición norteamericana.

Casi todo el mundo conoce la historia del encarcelamiento de Al Capone, lo que no consiguió la policía, lo hizo la hacienda estadounidense, que le enchironó cuando consiguió reunir pruebas de que gastaba más de lo que ingresaba y no fue capaz de explicar de dónde procedía la diferencia y por qué no había pagado impuestos por ella.

Total, que viendo lo que le pasaba a las barbas de vecino, otro de los míticos ganster de la época, Lucky Luciano (supongo que asesorado por los entendidos en el asunto), puso en marcha una cadena de establecimientos de lavandería, equipados con lavadoras automáticas de las de monedita.

Cada vez que le preguntaban de dónde sacaba esta o aquella cantidad que había invertido comprando bienes y no era capaz de justificarlo con los otros negocios "legales" que tenía, lo achacaba a los ingresos de las lavanderías y quién controla cuántas monedas se depositan en una máquina de esas.

Pues eso, que lo de blanquear o lavar dinero sucio, viene de ahí.

CHANTAJE CONTRA UNA MUJER

2012-01-15T19:10:00.001+01:00

Kelly Sherwood (Lee Remick), es una mujer aterrorizada por alguien a quien no conoce pero que lo sabe absolutamente todo de su vida, costumbres, hábitos, familia, trabajo, todo. A partir de que el hombre la asalta en el garaje de su domicilio, la protagonista vivirá una experiencia marcada por el miedo a lo que a ella o a su hermana, con quien convive, les pueda ocurrir a manos de este desalmado que parece dispuesto a acudir a cualquier medio para alcanzar su objetivo.

El chantaje al que hace referencia el título español, se refiere al hecho de que Kelly trabaja en un banco y su nuevo “amigo” la coaccionará para que robe la cantidad de 100.000 dólares. Para ello hará que Kelly sufra toda una experiencia terrorífica —de ahí su perfecto y acertado título original (Experiment in terror)—, acosándola cuando ella menos lo espere. A pesar de las serias advertencias del asesino —él mismo reconoce haber matado a dos personas con anterioridad y lo fácil que resulta—, Kelly logra ponerse en contacto con el FBI y pedir ayuda. Un agente de intachable moral, John Ripley (Glenn Ford) creerá en su historia y pondrá a su servicio todos los medios disponibles.

Blake Edwards, un director de sobra conocido por otro tipo de pelis, que podíamos llamar más comerciales, que buscan el puro entretenimiento, demuestra con este film su versatilidad a la hora de hacer cine y su dominio del arte cinematográfico.

Dentro de esas pelis que hemos llamado comerciales, hay que reconocer que el cine comercial de Edwards es diferente, tiene un punto de calidad que le diferencia de otra películas que podríamos encasillar como tales.

Eso lo logra a través de una suma de factores entre los que no es el menos importante la elegancia con la que sabe vestir a sus pelis. Sí es cierto que sus obras nos las presenta con cierta tendencia a la edulcoración, algo que se nota aquí un poco, quizá en la ausencia de crudeza en algunas escenas que serían propensas a ello y el tratamiento atípico del malo. Pero no resulta menos cierto que cualquiera que viera este filme sin saber quién lo dirigió, difícilmente se lo adjudicaría a Blake Edwards.

La verdad es que la trama está muy bien construída, sabe transmitirnos intriga y tensión a través de la ocultación de datos sobre el chantajista, la ausencia total de pistas y la manera de presentar el trabajo del FBI, que actua de manera rutinaria, sin que el inspector "Rip" demuestre ningún especial olfato como sabueso, lo cual incide en la tensión sobre el espectador.

Magnífica interpretación de Lee Remick, qué bien transmite el miedo en los primero planos. Su relación con Ford es de respeto y colaboración, sin atisbo de sentimientos más profundos. Curiosa, más que otra cosa, ya que sus apariciones no dan para más, la presencia de Stefanie Powers como hermana de la protagonista.

Magnífica banda sonora del inseparable de Edwards, Henry Mancini, quizá una de sus mejores composiciones, aunque, como el film, esté casi olvidado.

Una película muy entretenida, con un buen ritmo narrativo y unas cuantas escenas que después han servido de inspiración a otros filmes. Muy interesante el comienzo y la escena del apartamento de la fabicante de maniquíes, todo un prodigio de composición y de esas que recuerdas para siempre.

TVE

2012-01-14T16:23:00.003+01:00

Una de las cosas que más me incomoda (por decirlo de un modo poco grosero) de esta tanda de recortes que llevamos sufriendo durante un tiempo (y lo que queda) es que hay cosas intocables, empezando por la más sangrante, que son las prebendas de los políticos, pasando por las autonosuyas y rematando por las televisiones.

Hoy me voy a referir a la nacional, a esa televisión española que pagamos entre todos y cuyos males son más sangrantes en estos tiempos tan críticos. Es cierto que cerrarla implica mandar al paro a un montón de gente, pero a cambio se están cerrando camas de hospitales, entre otras cosas, esto que no se nos olvide.

Los gobiernos de turno han ido privatizando empresas públicas , algunas de ellas con una rentabilidad muy alta, pero la tele ni tocarla. El último invento fue quitarle la publicidad ¿para qué?, para que ganen las privadas, porque lo que no ingresa en anuncios sale de los presupuestos del estado. Y yo me pregunto, ¿para que sigue compitiendo por el share?, algo que sólo sirve para atraer anunciantes, cada poco nos bombardean con que la han seguido no se cuantos miles de personas, si nos da igual, ¡para lo que sirve!

Es muy difícil saber qué tipo de programación contentaría a una mayoría, pero lo que quizá esté más claro es qué tipo de programas no contentan a nadie. Programas y actitudes, como el Informe Semanal de hace unos días, en el que se les ocurrió dedicar un reportaje a Urdangarín. Las televisiones privadas habían removido bien el cubo de los detritus financieros del yernísimo ¿Hacía falta la versión institucional de TVE? Nadie la echaba de menos, menos aún cuando han ignorado olímpicamente escándalos como los ERE falsos de Andalucía.

Pero los mandamases de Informe Semanal debieron pensar que el buen pueblo español no es capaz de hacerse una idea adecuada de las cosas sin la voz del Gran Hermano Oficial. Y el programa, otrora prestigioso, decidió sentar cátedra, para qué vamos a engañarnos, lo que hizo fue dar jabón.

El personal trinaba en las redes sociales, tildando al programa de publirreportaje y una de las cosas que peor sentó fue que dedicaron más tiempo a glosar los éxitos deportivos de balonmanista que a relatar la trama de Instituto Nóos.

Presumo que los redactores de Informe Semanal (los de la tele pública en general), son buenos profesionales, pero en este caso, como en muchos otros, es evidente que han actuado movidos por razones no exactamente informativas.

Al nuevo jefazo de TVE le va a costar convencernos (al menos a mí) de que la cadena pública es necesaria para el país.

BAJOS FONDOS

2012-01-13T18:13:00.000+01:00

Un joven marginal, Tolly Devlin (Cliff Robertson), que vive en los bajos fondos, donde se va introduciendo en el mundo de la delincuencia mediante pequeños hurtos, presencia el brutal asesinato de su padre y, a partir de ahí, se promete a sí mismo que se vengará de los verdugos cueste lo que cueste.

Encerrado durante muchos años primero en un orfanato, después en el reformatorio y más tarde en diversas prisiones, un día descubrirá casualmente a uno de los criminales culpables, quien, a las puertas de la muerte, le confesará los nombres de los asesinos.

Traza un plan que le permite introducirse en la organización mafiosa donde los tres hombres que busca han conseguido escalar hasta los puestos más altos.

La venganza se sierve en plato frío y Tolly no descansará hasta lograr su eterno objetivo.

Con las pelis del llamado cine negro, ocurre lo que con otros géneros, que el ambiente e incluso los personajes parece que son siempre los mismos, pero no así la película, porque lo del género es el envoltorio, pero lo que nos cuentan son historias que podrían enmarcarse en otros ámbitos y más cuando hablan de sentimientos o de formas de comportarse.

En este caso, la venganza es el centro de la trama. Una venganza cuyos motivos, hacen que el espectador se ponga de parte del protagonista/vengador, pues el motivo es, nada menos, que el asesinato de su padre, víctima de una brutal paliza y que la cámara nos muestra a través de sombras en la pared de un callejón. Muy de cine negro, como se ve.

Samuel Fuller había trabajado en su juventud como redactor de sucesos, así que supongo que esa actividad le sirvió bastante a la hora de realizar películas como esta. Él supo arreglárselas en el tremendo mundo del cine americano, dominado por las grandes productoras, para hacer el cine que quería. En más de una ocasión a base de realizar películas de la llamada serie B, en las que, a cambio de lo rápido y barato que rodaba, le dejaban bastante libertad. Este es uno de esos casos, una peli de bajo presupuesto, con un resultado más que digno.

A pesar de que utiliza también el fuera de cámara, no por ello deja de mostrarnos en ocasiones la violencia de ese submundo en el que se mueven los personajes, esa violencia, seca, abrupta y sin efectismos, marca de la casa.

La historia de amor que, como algo paralelo, se nos cuenta, sirve para remarcar un tanto el signo fatalista de los personajes: Cuando traspasas ciertas líneas, no hay redención posible.

Una película muy entretenida, con un ritmo trepidante y una magnífica fotografía en blanco y negro. Actuaciones sobrias, con personajes duros y marcados por la vida que llevan. Me gustó el personaje al que da vida Richard Rust, un asesino que se coloca sus gafas de sol (muy cool) cada vez que tiene que actuar.

TERM SHEET

2012-01-12T13:51:00.001+01:00

Pedro Pérez, oriundo de Moratones de Vidriales es un tipo especialmente dotado para poner negocios en marcha y después venderlos, casi siempre han sido pubs o pequeños restaurantes que suben como la espuma gracias, entre otras cosas, al trato amable de Pedro. Muchos de ellos, cuando los ha vendido, decaen rápidamente porque los nuevos dueños no saben llevarlos bien.

Ahora está metido en uno de esos negociejos que ni está en la red, ni nada de eso, cosa rara en estos tiempos. Sin embargo ha tenido noticia de que una gran cadena del sector está a punto de absorverle. Él está sentado tranquilamente en su pequeño despacho, mirando la pantalla del ordenador, porque está esperando un correo electrónico. Espera el term sheet* de la operación. Podría abrirlo en casa, claro, pero no es lo mismo. Pedro quiere controlar el dónde y el cómo de este momento.

Suena la alarma del Outlook. Pedro lee el Asunto del mensaje: TERM SHEET. Pero no es el term sheet que está esperando. El remitente es su esposa, Encina Sáez. Está a punto de no abrirlo, pensando que puede ser uno de esos chistes absurdos que se envían por correo electrónico. Se lo piensa y hace doble clic y lo lee:

HOJA DE TÉRMINOS PARA LA ADQUISICIÓN DE ACCIONES PREFERENTES DE NUESTRA RELACIÓN. La adquisición de Acciones Serie A Preferentes de NUESTRA RELACIÓN, sociedad anónima promotora de inversión de capital variable compuesta por TU MUJER, TU HIJA Y TU HIJO. La presente hoja de términos está condicionada a la realización de una adecuada auditoría; revisión legal y documentación que sea satisfactoria para los Inversionistas.

Términos de la oferta: TIENES QUE EMPEZAR A VOLVER ANTES A CASA. TIENES QUE ESTAR EN CASA LOS FINES DE SEMANA.

El texto seguía en varias páginas que Pedro ya no siguió leyendo.

* TERM SHEET: Es un documento que permite plasmar el acuerdo de inversión entre un emprendedor y el inversor que están por cerrar la transacción, también conocido como acuerdo entre socios. Este documento de Term Sheet en realidad es sumamente importante para aclarar de antemano las cláusulas del contrato en una etapa donde existe bastante incertidumbre (de ambas partes).

EL PERRO DE BASKERVILLE

2012-01-11T14:38:00.001+01:00

Entre los habitantes de los brumosos páramos ingleses, circula una leyenda según la cual un diabólico ser, un sabueso infernal acaba con la vida de los herederos de la mansión de los Baskerville, que son víctimas de una antigua maldición, desde que uno de sus antepasados, un ser despreciable y amoral, acabara con la vida de la hija de uno de sus siervos. Pero antes que la salvaje bestia termine con el último descendiente, Sir Henry Baskerville (Christopher Lee), deberá librar una batalla con el famoso detective Sherlock Holmes (Peter Cushing) y su fiel compañero el Dr. Watson (André Morell), quienes intentarán poner fin a la maldición que se cierne sobre la familia Baskerville.

Supongo que los seguidores más acérrimos y puristas de Sherlock Holmes, se llevarán una pequeña decepción con este film, porque aunque si lo miras con detalle la adaptación de la novela es bastante fiel en general, cambian bastante las formas y los detalles.

Vamos que el fondo es muy parecido, pero la superficie no, sobre todo en algunos pasajes.

Y estamos a vuelta con lo de siempre, esto es cine, es una peli, con un realizador (Terence Fisher) que hace un film basado en la novela homónima de Arthur Conan Doyle y sobre esa base hace una obra nueva y personal.

La peli no está mal, es entretenida y quizá la parte más débil es el guión que, por momentos resulta algo farragoso y puede que alguien no comprenda con claridad lo que cada personaje está haciendo.

Sin embargo hay otros aspectos bastante logrados, empezando por la cuidada ambientación y pasando por las más que correctas interpretaciones y encima podemos ver a actores de la talla de Peter Cushing, Andre Morell y Christopher Lee actuando juntos o las deliciosas intervenciones de Miles Malleson que pone una especie de contrapunto humorístico.

Es una lástima que la peli no tuviera buena acogida tras su estreno, lo cual abortó el proyecto de Hammer Films de llevar a la pantalla otras obras de Conan Doyle.

Al final, hay que reconocer que los personajes y la historia en sí misma, no tienen la misma profundidad que en la novela, pero hay otras cosas que al director se le critican, como por ejemplo el ambiente gótico en el que envuelva la acción y que sin embargo yo los veo como un sello de originalidad, una manera de dejar su impronta que me parece original y bastante lograda.

DE OÑATE A LA GRANJA

2012-01-10T14:01:00.002+01:00

Siguiendo las peripecias de Fernando Calpena, uno de los personajes protagonista de las novelas de Galdós, viajamos hasta la Corte del Pretendiente D. Carlos, fijada en Oñate, durante la Primera Guerra Carlista, para acabar el relato con los sucesos ocurridos en el Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, donde se halla la reina legítima, Isabel II y conocidos como Motín de los Sargentos, en 1836, que supusieron la fugaz restauración de la Constitución de 1812.

Los primeros capítulos transcurren con Calpena en prisión y, desde allí, conocemos la caída anunciada de Mendizábal.

De nuevo encontramos citado al zamorano Juan Nicasio Gallego a propósito de su trabajo como censor de prensa, quien era tenido, junto a alguno de sus colegas como del sector duro de los censores, sin embargo de él dice: Me consta que a D. Juan Nicasio le tiene sin cuidado todo lo que de él se dice. Por nada se altera, y continúa muy amigo de todo el mundo, con aquella imperturbable pachorra y aquel cinismo de buen tono.

También, y a propósito del estreno de la obra de teatro El Trovador, se habla de otro zamorano ilustre, el toresano Carlos Latorre, entonces en la cima del éxito como actor. Así dice la novela: Carlos Latorre fue el primero que vio en "El Trovador", por la lectura, una obra de éxito probable...

No puedo resistir la tentación de reproducir uno de los párrafos de la novela, referido a la Corte Carlista, pero totalmente vigente, por desgracia, en este país nuestro antes llamado España:

Falso es todo lo que ves, carísimo, y en esta Corte diminuta no hallarás más verdad que en la grande de Madrid; farsa es la religiosidad de la mayoría de estos cortesanos; hipócrita la creencia en el derecho divino de este pobre Rey de comedia; engañoso el entusiasmo de los que mangonean en el Ejército y en las oficinas. Sólo es verídico el Pueblo en su ignorancia y candidez; por eso es el burro de las cargas. Él lo hace todo: él pelea, él paga los gastos de la campaña, él muere, él se pudre en la miseria para que estos fantasmones vivan y satisfagan sus apetitos de mando y riquezas. No imitemos al Pueblo, el gran inocente, el eterno bobo del mundo civilizado, el polichinela sobre cuya joroba recaen todos los palos. Y pues hemos de comer y de vivir y de abrirnos paso en el tumulto de esta mascarada, pongámonos la careta.

SED DE MAL

2012-01-09T14:36:00.003+01:00

Mike Vargas (Charlton Heston) y Susan Vargas (Janet Leigh) son una pareja de recién casados formada por un policía mexicano y su mujer estadounidense que interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión de un automóvil conducido por un poderoso empresario de la región. El caso lleva al policía Vargas a trabajar en la investigación junto a Hank Quinlan (Orson Welles), un corrupto y obeso jefe de la policía estadounidense, que no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan se dedica a fabricar pruebas falsas en los casos que soluciona. Al tiempo, unos mafiosos fronterizos se dedican a presionar a Vargas a través de acosar a su esposa.

Una película con una historia paralela que le da cierto aura de film mítico. Conforme se nos indica en la versión que he visto (la reconstrucción del film hecha en 1998), Orson Welles disputó con los productores para que respetaran el trabajo que él había hecho, cosa que, al parecer, no siempre fue así, aumentando de este modo el aura del genial realizador de persona defensora de sus principios.

Sea como fuere, esta versión nos permite, entre otras cosas, asisitir, sin la distracción de los títulos de crédito, a la portentosa secuencia inicial, tan admirada, alabada y conocida.

Pero no sólo es una gran secuencia en el plano técnico y estético, sino también por la fuerza que transmite, por cómo logra crear un clima de tensión y suspense que nos lleva al desasosiego esperando el momento de la esperada explosión.

Y si esa escena ha pasado a formar parte de la historia del cine, algunas otras hay que, sin llegar a esa combinación de exquisiteces, son no menos llamativas. Por citar alguna, otra que también tiene mucho predicamento, la del interrogatorio del sospechoso en el apartamento donde vive, con un ir y venir de personajes que sobresaturan la escena haciéndola incluso agobiante. La cámara va siguiendo a Vargas que se cruza con unos y otros en el pequeño ámbito formado por un par de habitaciones y el baño, con lo difícil que es mover a tanta gente en espacios minúsculos sin que interfieran.

Muchos han querido ver una cierta parodia del cine negro, justificando de este modo cierto caos en el guión, de ser así, incluso como parodia, es un tanto penosa, pues es cierto que tiene algunas cosas un tanto increíbles y situaciones grotescas que nos vamos tragando quizá porque aquella escena del principio nos ganó para siempre y nos hace olvidar algunas cosas que resultan un tanto chocantes.

Otro tanto ocurre con el reparto. Si bien es cierto que está llena de nombres conocidos (incluyo a algunos de los secundarios), salvo en el caso de Marlene Dietrich, que en los dos o tres minutos que aparece lo llena todo con su presencia y su mirada, son meros elementos decorativos o están infrautilizados.

Por supuesto no me refiero a ninguno de los dos protagonistas.

Magnífica la interpretación de Welles, que aparece con un sobrepeso que en buena parte es de atrezzo y que nos da la perfecta imagen de ese monstruo seboso que camina por el filo entre lo legal y lo ilegal.

Todo ello con una maravillosa fotografía y una banda sonora muy interesante debida a la inspiración de Henry Mancini.

El dilema entre respetar los derechos o aplicar la ley a cualquier precio, incluso el de la injusticia, está servido a la peculiar y barroca manera de Welles.

PUENTES

2012-01-08T18:22:00.002+01:00

Los puentes, tal como hoy los conocemos, estructuras sólidas que nos permiten franquear sin dificultad cauces de agua, son una de las aportaciones más genuinas de los romanos a la posteridad. Hasta que ellos empezaron a construírlos en piedra sobre sólidos pilares, o eran de madera, o se construían perecederos puentes de barcas cuando era necesario vadear un río o un brazo de mar, cuando no se tendía una simple cuerda o unas cuantas maromas de un lado a otro para permitir cruzar con cierta seguridad, pero como mucho una persona de cada vez.

En ningún lugar existían los puentes como tales obras de ingeniería casi imperecederas, ni siquiera en la avanzada cultura china, donde fueron conocidos gracias a Marco Polo. De hecho, aunque el chino ha desarrollado otros vocablos para designar al puente sólido, de piedra, la lengua china tradicional o popular, recurre a la expresión "Paso de Marco Polo" o "Camino de Marco Polo" para designarlo.

La palabra pontífice, proviene del latín Pons-Pontis (puente) y del sufijo -ifice (constructor), el que construye puentes.

El primer puente sólido construído por los romanos fue el puente Sublicio, en la época de Marco Ancio, que unía Roma con el Janículo a través del Tíber.

En la antigua Roma, mucho antes de la República, cuando la futura Ciudad Eterna era apenas una aldea de agricultores, la principal fuente de riqueza de la misma estaba en su privilegiada posición a los pies de las Siete Colinas, custodiando los pasos sobre el Río Tíber, que los comerciantes debían atravesar, previo pago, claro está. De esta manera adquirió mucha importancia para la vida económica romana la figura del Pontífice, que como su nombre indica, era el funcionario encargado de la vigilancia y mantenimiento de los puentes sobre el Tíber.

Con el tiempo, el cargo adquirió una significación religiosa, de ahí que el principal sacerdote en la antigua Roma pasara a ser el Pontifex Maximus, título que con posterioridad los Papas de Roma tomaron para sí, al fin y al cabo era el nombre del más prestigioso cargo sacerdotal de la antigua Roma, el jefe del colegio de los pontífices. Casi toda la literatura católica, al referirse al Papa como Sumo Pontífice, dice que esta palabra viene de "Hacedor de puentes", pues es la persona encargada de tender puentes entre Dios y los hombres. Sin embargo, yo pienso que en origen, simplemente trataron de conjugar las tradiciones paganas y las cristianas, como ha ocurrido tantas veces en la historia de la Iglesia.

De hecho, lo de Sumo Pontífice es relativamente moderno, y si vais alguna vez al Vaticano, sobre el pórtico de Bernini (recordemos, siglo XVII), antesala de la Basílica de San Pedro, podemos ver una gran inscripción relativa al Papa patrocinador de la obra, pues bien tanto en esta como en muchas inscripciones posteriores que conmemoran la acción de un Papa sobre una obra, veremos que se le sigue dando el título de origen romano de Pontifex Maximus.

CHANTAJE EN BROADWAY (EL DULCE SABOR DEL ÉXITO)

2012-01-07T18:20:00.000+01:00

J.J. Hunsecker (Burt Lancaster), es un periodista narcisista, autoritario y egocéntrico, cuya columna en The New York Globe, es seguida por millones de lectores. Se cree por encima del bien y del mal y se considera investido de especial autoridad para dar lecciones de ética y moral a todo el mundo escudándose en el demagógico argumento de la cantidad de gente que lee su columna diaria. Se codea con senadores, empresarios, estrellas de cine y teatro. Aficionado a las palabras grandilocuentes, invoca el patriotismo y la ética, pero sus artículos se abastecen de chismes, calumnias y venganzas personales. Sidney Falco (Tony Curtis) es un agente de prensa, un joven sin escrúpulos que sueña con llegar a lo más alto. Su única preocupación es no defraudar a Hunsecker para algún día ocupar su lugar y además, necesita que, de vez en cuando, el periodista hable de sus representados en el periódico para darles publicidad. Cuando Hunsecker le encarga que rompa el idilio entre su hermana Suzie (Susan Harrison) y un guitarrista de jazz, Falco recurre a las artimañas más sucias, desencadenando un drama de consecuencias imprevistas.

¿Se puede ser periodista y actuar como un mafioso? Ya lo creo, ejemplos hay algunos recientes y no muy lejanos de gente de esta que consiguen el aplauso del público a base de chismorreos y basura y que se ven, de buenas a primeras, subidos en un pedestal desde donde contemplan al resto de viles mortales, llegándose a creer que pueden hacer de ellos lo que quieran por estar investidos de un don: El de forjar o arruinar reputaciones según a ellos convenga, muchas veces por meros motivos personales. Son verdaderos gansters del periodismo.

J.J. Hunsecker es una parodia de Walter Winchell (1897-1972). Al igual que la temible Louella Parsons, Winchell trabajó para Randolph Hearst. Fue de los primeros en denunciar la agresiva política exterior de Hitler, pero después de la guerra se identificó con las tesis del macartismo. Creador del “gossip column” (columna de cotilleos), utilizó un lenguaje coloquial y sensacionalista. En su programa de radio, recurrió al sonido de un telégrafo para producir la ilusión de estar siempre al filo de la noticia.

Por desgracia, después de más de 50 años, el mundo no ha cambiado tanto.

Alexander Mackendrick es un perfeccionista, y consigue un film que desde el punto de vista académico, es irreprochable. Una peli en la que se nota que los engranajes de la maquinaria están manejados por auténticos profesionales, de esa gente que no tiene mucho nombre pero que conoce su oficio a la perfección, con lo que consiguen que, a base de pequeños detalles que no notamos cuando todo va bien, la visión que nos queda del film es esa que decía y que roza la perfección.

Las interpretaciones de los dos protagonistas, muy buenas. Curtis sabiendo sacar partido a todos los matices de su personaje y Lancaster dotando a su personaje de la rigidez que requiere esta persona despiadada, el impostor que vive y alimenta la mentira sostenida por sesenta millones de lectores hambrientos de inmundicia y que se opone a la relación que mantiene su joven hermana en una situación que nos hace pensar en unos enfermizos celos incestuosos.

Por cierto, muy interesante la banda sonora a base de suavez piezas de jazz interpretadas por The Chico Hamilton Quintet.

En definitiva, una crítica clarividente contra todo lo que de basura hay en este mundo que se llama a sí mismo el cuarto poder, con momentos de mucha dureza, aunque a través de elegantes elipsis se nos evite la sangre o las palizas que sabemos que hay. Con brillantes escenas, como aquella en la que Falco deja a una amiga en manos de quien le va a publicar un chisme, como pago en carne del favor, ella no quiere, pero se ve obligada, muestra su desamparo haciéndola caminar con un zapato de tacón puesto y otro quitado (cualquier mujer sabe lo vulnerable que una puede sentirse en esa situación).

O la gran escena final, una ventana a la esperanza pero sin sentimentalismo, con la hermana de Hunsecker liberándose del visón que su hermano la regaló, como a punto de emprender una vida propia, donde ya no hay espacio para él. En Broadway amanece y la luz ya no procede de los letreros luminosos. Los seres humanos que desfilan por sus calles no interpretan un papel. Sólo intentan vivir, sorteando la angustia, el desamparo y la desnudez.

LOS APOSTÓLICOS

2012-01-06T18:09:00.000+01:00

Un año después de contraer matrimonio con María Cristina de Borbón-Dos Silicilas, su cuarta esposa, un anciano Fernando VII decide derogar la Ley Sálica mediante la aprobación, en 1830, de la Pragmática Sanción. Las conspiraciones en torno a Palacio vuelven a multiplicarse. El infante don Carlos, apoyado por los apostólicos, presiona a su hermano, quien decide dar marcha atrás y dejarle expedito el camino hacia el trono. La escasa discrección de la corte hará que los liberales se enteren de las maniobras de los absolutistas y comiencen a ganarse la confianza de la futura regente que, en última instancia, conseguirá que el documento firmado por su moribundo marido sea destruído, todo con tal de que su hija Isabel se convierta en reina de España.

Los Apostólicos eran uno de los partidos o facciones que apoyaban al pretendiente D. Carlos como sucesor de su hermano en el trono de España, quizá el sector más retrógrado de la política nacional de entonces. De hecho, un tiempo más tarde, su enfrentamiento con el sector moderado del sonservadurismo, significaría el enterramiento definitivo del carlismo consumido, en buena parte, por las luchas internas, además de las derrotas militares.

Una vez más, la maestría con que Galdós nos acerca a estos momento cruciales de la historia patria, nos hace disfrutar de un texto en el que siguiendo su estilo, mezcla los personajes de ficción con los históricos.

Para los zamoranos, resultan curiosas las líneas que dedica a nuestro paisano Juan Nicasio Gallego, uno de los padres de la constitución de Cádiz, que cuenta cómo se sentía engañado por Calomarde que le había prometido protección, pues le había denunciado por francmason, pero él creía que Calomarde le odiaba más que a un tabardillo.

Estas son las palabras del personaje galdosiano Padre Alelí, referidas a nuestro paisano:

...fue discípulo mío en Salamanca donde leí sagrados cánones por los años de 792 a 794. Era entonces Nicasio el jayán más guapote que había salido de la tierra del garbanzo...

ASCENSOR PARA EL CADALSO

2012-01-05T16:41:00.003+01:00

Florence (Jeanne Moreau) y Julien Tavernier (Maurice Ronet) son dos amantes que han urdido un plan perfecto para asesinar al acaudalado marido de ésta, Simon Carala (Jean Wall), que es además el jefe de él. Un sábado por la tarde, cuando no queda casi nadie en las oficinas en que trabaja, Julien escala desde su terraza con la ayuda de una cuerda y un gancho al despacho de su jefe, al que asesina de un disparo para luego dejar la escena como si hubiera sido un suicidio. Sin embargo, cuando sale del edificio descubre que se ha olvidado la cuerda y el gancho. Vuelve corriendo para recuperar esas pruebas delatoras pero justo cuando subía a su piso por el ascensor el portero apaga la luz y él queda atrapado dentro.

El novio de la florista que trabaja frente a las oficinas, decide robar el coche que Tavernier ha dejado con las llaves puestas y se va autopista adelante con su novia a bordo. En el trayecto conocen a un matrimonio alemán al que acaban asesinando, como quiera que en el motel donde pararon han dado el nombre de Tavernier y han dejado allí su coche, su revolver y su gabardina, todas las pruebas del homicidio le señalan como culpable.

Primer film de Louis Malle como director, tras un periodo de aprendizaje.

A este director muchas veces se le suele asociar con la Nouvelle Vague porque empezó su carrera cinematográfica prácticamente al mismo tiempo que muchos de los cineastas de este movimiento y porque hacía un cine de autor con bastantes puntos en común con algunos de ellos. En realidad Louis Malle siempre fue por libre y nunca buscó adherirse a ninguna corriente. Pertenecía a una familia acomodada y es curiosa la respuesta a una pregunta que le hicieron en una entrevista para L'Express en 1952: ¿Qué película haría si tuviera 100 millones de francos? Yo los tengo, respondió Malle.

La película tiene un arranque vibrante y brillante, todo lo que tiene que ver con el crimen y el posterior encierro del protagonista en el ascensor, es muy bueno.

A partir de ahí, la trama parece concentrarse más en los personajes, en lo que estos piensan, en su íntimo comportamiento.

Al solaparse una trama doble (por un lado los dos protagonistas y por otro la pareja de jóvenes que roban el coche), el asunto se complica y no siempre es fácil que resulte claro lo que está ocurriendo. Yo creo que tanto el guión, como la realización, consiguen que podamos seguir con cierta claridad el desarrollo, si bien es verdad que todo lo que tiene que ver con la florista y su novio, chirría un poco, algunas de sus acciones parecen un tanto absurdas.

Claro que a esto y a la serie de desgracias surrealistas que les van sucediendo a la pareja protagonista, podemos buscarle una explicación si suponemos que Malle ironiza sobre esas constantes que han caracterizado al cine negro, haciendo de alguna de ellas caricatura. Lo que ocurre es que al hacerlo en un tono que nunca abandona la seriedad, esa ironía se nos puede escapar. Supongo que algo de eso habría, de otra forma hay algunas situaciones que pueden parecer casi ridículas por el encadenamiento de increíbles circunstancias de mala suerte. ¿Cómo es posible que un tipo que prepara un asesinato con todo lujo de detalles, se olvide de retirar la cuerda por la que escaló? Sí, estoy convencido que Malle ironiza un tanto sobre el cine negro de Hollywood.

Si alguna duda queda, se disipa al contemplar algunas acciones absurdas de la pareja de jovencitos que se cargan por las buenas al matrimonio alemán que les ha tratado con toda amabilidad y que meterá a Tavernier en un buen lío.

Buenas actuaciones, sobre todo encandila la de Jeanne Moreau, pero también Maurice Ronet está a la altura a la hora de darle la réplica a su amante en la ficción con la que no coincide en ninguna de las escenas.

En algún lugar he leído que la peli adolece de errores de montaje, puede ser, tal vez porque Malle decidió incluír muchas escenas que no estaban previstas, incluso algunas de prueba que coinciden con el deambular de Jeanne Moreau por las calles de un París un tanto frío y desolado, tomadas en la noche entre luces de bares y escaparates y que son de lo más bello de la película.

Mención aparte merece la banda sonora. Malle llamó a Milles Davis para ello y la grabación se realizó en la madrugada de un 4 de diciembre, en unas pocas horas, con tan sólo Malle, los músicos y las escenas de la peli como referencia.

El genial trompetista improvisó unas composiciones sugerentes y maravillosas.

LA CASTA

2012-01-04T18:22:00.002+01:00

Hay un sector de la sociedad que se salva de la crisis, el de los políticos, que siguen a lo suyo. Yo siempre he creído que el que se mete en esos berenjenales es para mandar y medrar, seguramente quedará algún concejal del algún pueblo perdido que lo hace por servicio público, pero los demás, van a lo que van. Hay algunos/as (el pasado gobierno dejó muestras fehacientes) que llegan a ministros sin más rodaje que el de los ascensores del partido, sin conocer las precariedades de los primeros empleos, la frustración que apareja el paro o la ansiedad que acompaña la búsqueda de trabajo.

Ellos y los otros que mandan (léase bancos), nos metieron en la que estamos, se llevaron las ganancias y ahora pagamos entre todos. Hay que apretarse el cinturón, dicen, cuando lo que están pensando en realidad es: Tenéis que apretaros el cinturón. Hechan la culpa al ciudadano manirroto, a los funcionarios (por cierto, aquí meten a todos los que cobran un sueldo de las administraciones, sin hacer distingos de quien se ganó su puesto lealmente acudiendo a una oposición abierta a todo el mundo y en igualdad de condiciones y aquellos otros que han sido colocados allí por el divino dedo de un político a quienes son afines), a todo quisque, menos a ellos. De lo suyo, ni mentarlo. Que le pregunten al ciudadano dónde metería la tijera, de sobra saben lo que diría, por eso ni preguntan, ni se espera que lo hagan.

De los miles de ejemplos repartidos por el país (antes llamado España), uno cualquiera: Cataluña. Despidos o no renovaciones a interinos, cierre de quirófanos los fines de semana, ambulatorios que desaparecen... ¿Y los políticos? De esos (y de las televisiones autonómicas, que esa es otra), ni pío. Los expresidentes de la Generalitat, cobran el 80% del sueldo que recibían en activo por un periodo equivalente a la mitad de los años de mandato. Jordi Pujol estuvo 23 años, Montilla cobrará un mínimo de cuatro años, a razón de 115.224 euros anuales, libre de cotizaciones a la Seguridad Social, más el 60% del sueldo al alcanzar la edad de jubilación (86.418 euros), más una oficina con presupuesto propio, más tres asistentes, más guardaespaldas, más chófer y coche oficial. El coste de esos servicios (sin el sueldo), ronda el millón de euros anuales.

Por si esto fuera poco, el Sr. Montilla es senador dentro del cupo que tiene el Parlament de Catalunya. No tengo noticia de que haya renunciado al sueldo (2.813 euros al mes, más otros 1.882 en concepto de dietas), totalmente compatibles con todo lo anteriormente relacionado.

Por supuesto que Montilla y Pujol no son lo únicos que tienen derecho a estas bicocas vitalicias, otras comunidades autónomas han creado chollos parecidos para sus antiguos mandatarios con la anuencia de todos los partidos: Hoy por ti, mañana por mí. La casta es la casta. Un escándalo.

ATRACO PERFECTO

2012-01-03T19:17:00.000+01:00

Johnny Clay (Sterling Hayden) es un expresidiario con un plan para cometer un atraco perfecto, el objetivo es hacerse con dos millones de dólares en un robo en las oficinas del hipódromo en el cual, a priori, nadie sufrirá daño. Pero a pesar de toda su previsión, Clay y sus hombres han descuidado una cosa: George Peatty (Elisha Cook), un cajero del hipódromo que participará en el golpe, le cuenta los pormenores a su esposa, Sherry Peatty (Marie Windsor), una mujer hambrienta de dinero y traicionera que planea dar su propio pelotazo financiero... ¡Incluso si tiene que librarse de toda la banda de Clay para conseguirlo! Para ello, no duda en ponerse en contacto con su amante a fin de que este establezca un plan para hacerse con el dinero una vez en poder de los atracadores.

Lo más destacable del film es la maravillosa fotografía y las buenas labores de dirección y montaje, algo que cobra especial importancia (lo del montaje, digo) por la estructura de la película, rodada a base de saltos adelante y atrás, con escenas que se repiten desde diversas perspectivas, para ofrecernos el punto de vista de los distintos protagonistas. Algo que ahora se utiliza frecuentemente y que Kubrick ya dominaba hace 50 años.

El centro de la narración es el atraco, descrito de manera milimétrica y todo ello rematado por la ya mítica escena final en la que la fatalidad se cumple de una manera muy original que después ha sido imitada reiteradamente.

Esta puede ser considerada como la primera gran película de Stanley Kubrick, acogida en su momento de manera bastante fría y que ha sido revisada posteriormente por el renombre del director, de otra manera, es posible que no tuviera la fama que ha cobrado.

A pesar de que está bien rodada y de que tiene algunas escenas muy buenas, hay algunas cosas en las que se nota que el mítico realizador está aún comenzando.

Hay una escena, sobre todo, cuando la banda está esperando al jefe con el dinero, en la que aparecen súbitamente quienes van a robárselo a su vez, y en la que mueren todos excepto George, que está mal rodada, resuelta de cualquier modo, casi en plan chapuza.

Y lo del final, ya es de traca. Que un tipo que lo prepara todo al milímetro, meta todo el dinero en un maletón inmenso y pretenda que le dejen subir al avión como equipaje de mano un bulto tan grandísimo, peca de una falta de credibilidad que estropea buena parte de la tensión que se pretende crear en el tira y afloja con los empleados de la compañía.

Peli entretenida, con un ritmo trepidante, una construcción original, con dosis de suspense sabiamente salpicadas, y que, a pesar de lagunas como las indicadas y alguna otra, nos indica que aunque esté en sus comienzos, allí hay un realizador que está llamado a dejar su sello en la historia del cine.

REGALAR DINERO

2012-01-02T17:25:00.002+01:00

En las Navidades de 2010, la compañía Western Union, publicó un estudio en el que se recogen las conclusiones de cuál es el regalo preferido para estas fiestas en cinco países europeos: España, Francia, Alemania, Reino Unido e Italia. Respuesta: El dinero.

No crean que el resultado es así por una cuestión de mera avaricia, sino que en esta sociedad consumista, son tantos los regalos, que muchas veces nos regalan cosas que no deseamos o que no utilizaremos jamás.

Los resultados de aquel estudio, ponían de manifiesto que el dinero en efectivo es el presente favorito. Un sentimiento universal, pues el dinero aparece como primera opción en todas las zonas geográficas analizadas en el estudio: El 69% de los consumidores de todos los países entrevistados prefiere recibir dinero en efectivo en lugar de un regalo del mismo valor en Navidades. En España, este porcentaje se sitúa en el 32%.

Este pasado mes de diciembre de 2011, Western Union ha repetido su encuesta, pero ampliando el radio de acción a nivel mundial y, para que nadie crea que los europeos somos especiales en este asunto, resulta que en todo el planeta, los resultados son parecidos. El ranking de países donde el dinero es preferido como regalo, lo encabezan Sudáfrica con 84%, Estados Unidos con 83, Brasil con 70, Reino Unido con 69 y Emiratos Arabes Unidos con 63%.

A estos países le sigue México con 61%, Alemania con 55 e India con 51% de los consumidores consultados.

¿Tendrá la crisis algo que ver con esto?

MUERTE DE UN CICLISTA

2012-01-01T19:23:00.001+01:00

María José (Lucía Bosé), una joven dama de la burguesía madrileña, y su amante Juan (Alberto Closas), un profesor universitario, atropellan accidentalmente, a un ciclista. Se detienen para comprobar su estado. Juan se acerca al moribundo, pero interpelado por ella, se detiene y retrocede. Acto seguido, ambos suben al coche, y huyen atormentados por el remordimiento, que les perseguirá a cada momento hasta que descubren que nadie sabe nada de lo sucedido.

Ella es asediada por un crítico de arte llamado Rafael Sandoval, a quien todos llaman coloquialmente Rafa (Carlos Casaravilla) que a base de insinuaciones hace sospechar a Mª José que sabe todo lo ocurrido, cuando en realidad sólo está enterado de la relación amorosa, lo que la hace temer por su reputación social. Juan, por su parte, ofuscado por un incipiente sentimiento de culpa, desempeña sus ocupaciones diarias distraídamente, aunque no ceja en su esfuerzo por conservar la calma, y asumir sus quehaceres con una aparente normalidad. Sin embargo, un acto de negligencia profesional le aboca al descrédito. Durante una de sus clases, una alumna, Matilde Luque (Bruna Corrà) sale a la pizarra para someterse a un examen. Durante el transcurso de la exposición, la voz de la alumna se le antoja a Juan asfixiante, y acaba conminándola a marcharse a su sitio. Al poco tiempo, Juan le suspende el examen, y como consecuencia de ello, debe asumir las decisiones de sus superiores y afrontar las protestas de los alumnos.

La película está rodada con un exquisito cuidado formal, muy bien dirigida e interpretada, con un gran trabajo de montaje y una soberbia fotografía de Alfredo Fraile. El guión, del propio Bardem, desarrolla un argumento de Luis Fernando de Igoa y obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes de 1955.

El argumento es sencillo y al espectador que no conozca los recovecos de la situación sociopolítica de aquella España, se le ofrece un film en el que drama, intriga y denuncia social, se entremezclan en una historia que a base de planos encadenados, nos ofrece una narración ágil, con algunos momentos de tensión que contribuyen de manera eficaz a aumentar la intriga.

En este ámbito cobra especial importancia el personaje de Rafa, a través del cual, el realizador juega con el espectador que desconoce lo que sabe este personaje de los hechos.

Hay una escena cumbre, que se desarrolla en un tablao flamenco, durante la cual Rafa le está contando lo que sabe al marido de Mª José. Nosotros no oímos lo que cuenta, solamente asistimos a una sucesión de primeros y primerísimos planos centrados en los rostros de los cuatro protagonistas del affaire (los dos amantes, el marido y Rafa), las expresiones de las caras nos transmiten una gran tensión, acentuada por las aperturas de cámara en las que incrusta la música y el baile frenético del cuadro flamenco. Una maravilla de composición que se cierra brillantemente con un conato de pelea entre Rafa y Juan y la aparición de la policía en busca del profesor. Rafa tira un botella al suelo y con el ruido de fondo del vidrio roto, se produce un brusco encadenado y el film se reanuda en la facultad, en el momento en que alguien rompe un cristal y se nos aclara por qué fue la policía en busca de Juan.

Como digo, la película es interesante de por sí con esta historia que cualquiera puede apreciar, pero es que hay otras lecturas. La primordial es el valor simbólico de la peli, en la que Bardem (comunista declarado), hace una crítica sociopolítica de la España del momento, reflejando en la pantalla las marcadas diferencias sociales, el nepotismo de la clase dominante y los primero conatos de lucha estudiantil, que comenzaron un año después.

La película quiere ser la manifestación del sueño de que algo va a cambiar muy pronto. Algo que, como sabemos, y pese a lo que digan algunos, no se produjo como Bardem soñaba en la peli. Las cosas cambiaron con el paso de los años y no por otro motivo. El dictador, como todo el mundo sabe, murió en la cama. Si acaso, la presión social valió para que la clase política fuera consciente de que la única salida de futuro para España era un sistema de instituciones democráticas, pero hubo que esperar a que este muriera.

Pese a las cosas que se han dicho, los mayores problemas del film con la censura, fueron los provocados por la relación adúltera de los protagonistas, es curiosa la ceguera de los censores con la parábola política que contiene el film. Bardem quería dar mayor relevancia a la pasión amorosa, pero no fue posible. Los censores no querían besos, ni abrazos, ni mucho menos escenas de cama y deseaban que quedara claro que eran dos los pecados cometidos: El no haber socorrido al ciclista atropellado y el adulterio y que si uno merecía castigo, el otro también.

Hay un montón de escenas sublimes que han sido ampliamente tratadas por la crítica y los estudiosos que me limitaré a citar: Lucía Bosé echando dinero en los cepillos de la iglesia, mientras demuestra absoluta indiferencia por el crimen cometido; el plano del principio, con Alberto Closas acercándose al ciclista atropellado, tomado con la cámara a ras de tierra y con la rueda de la bici dando vueltas; la sucesión de planos/contraplanos entremezclando la visita de Juan a la corrala donde vivía el ciclista (estos planos se tomaron en el número 18 de la madrileña Ronda de Toledo) y la boda y fiesta posterior a la que asiste Mª José, en una lección de lenguaje visual para mostrarnos la contraposición entre riqueza y miseria....

Podría seguir hablando mucho de la peli, pero esto está quedando ya demasiado largo.

Sí debo concluír diciendo que Alberto Closas está fenomenal y Lucía Bosé en este papel de peculiar femme fatale, guapísima y que este film, ideologías políticas aparte, es de esos de los que se puede presumir sin ambages de ningún tipo, pues está a la altura del mejor cine europeo de la época.

DOÑA PERFECTA

2011-12-31T18:18:00.001+01:00

Pepe Rey, ingeniero liberal, culto y librepensador llega a Orbajosa donde su padre y su tía han ideado su casamiento con su prima Rosario.

Al verse por primera vez, los dos jóvenes se enamoran.

En cuanto llega a casa de su tía Doña Perfecta, el pobre Pepe se enfrenta con toda Orbajosa, ciudad horrenda, pobre, sucia, en la cual la mojigatería y la superstición sustituyen a la religión, así como el tradicionalismo castizo más reaccionario a la ética.

El cura don Inocencio, aprovechón y cobarde, hace todo para desanimar a Pepe. Quiere que su sobrino, el pedante y pobre Jacinto, se case con la rica Rosario.

Doña Perfecta teje su tela de araña manipulando a sus conciudadanos con la ayuda del cura.

Tras una riña de antología en la cual Pepe le dice sus cuatro verdades a su tía, el sobrino se marcha de la casa familiar prometiéndo casarse con Rosario.

Orbajosa, ciudad episcopal, poblachón de población mediana, cabeza de la comarca en la que está, se convierte en un personaje más de la novela. Esta imaginaria urbe, puede ser ubicada en cualquier lugar de aquella España del segundo tercio de XIX, que vivía a golpe de levantamiento, de asonada en asonada, pretendiendo defender unas tradiciones que veía amenazadas por cualquier cosa que viniera de fuera.

Galdós ridiculiza la mojigatería de aquella sociedad, su hipocresía, su doble moral, personificada en quienes deben ser (y son) faro y guía, el Penitenciario de la Catedral, D. Inocencio, el tipo que tira la piedra y esconde la mano; Doña Perfecta, la persona más pudiente del lugar, que gasta su dinero en obras pías, pero que lejos de ser una persona ejemplar, es un lobo con piel de cordero, dispuesta a lo que sea para que todo siga tal cual está, chantajeando de forma sibilina a sus deudos y asalariados para que se enfrenten a lo que ella considera el mal.

Orbajosa no es sino el reflejo de la España mostrenca del momento en que fue publicada la novela (1.876), enfrentada a la modernidad, con un tremendo pulso a vida o muerte entre progreso y tradición.

Al contrario de lo que algunos críticos piensan, que Galdós apuesta definitivamente por la modernidad, yo creo, sin negar este extremo, que el autor culpabiliza a ambos bandos de su intransigencia, de pretender llevar al otro a su terreno por la fuerza desterrando toda posibilidad de diálogo.

El mismo Galdós indica que la solución no es fácil, debido al encono en la defensa de sus posturas por parte de cada bando, pero lo que también deja claro es que el camino de la fuerza sólo deja paso a una espiral de violencia y venganzas que ahonda cada vez más el abismo que separa ambas concepciones de cuál debe ser el camino a seguir por el conjunto de la nación.

LA NOCHE DEL CAZADOR

2011-12-30T18:28:00.000+01:00

Tras realizar un atraco, Ben Harper (Peter Graves) regresa a su casa y esconde el botín confiando el secreto a sus hijos John y Pearl (Billy Chapin y Sally Jane Bruce). La policía lo detiene, pero, antes de ser ajusticiado, comparte la celda con Harry Powell (Robert Mitchum), un falso predicador que ha sido detenido por robar un coche y que oye cómo Ben habla en sueños del dinero. Tras su liberación, Powell acude al pueblo de Harper obsesionado por hacerse con el botín, enamora a su viuda (Shelley Winters) y consigue casarse con ella.

A partir de ese momento, su único objetivo será conseguir que los niños le digan dónde está escondido el dinero. Ellos juraron a su padre que no se lo revelarían a ningna persona, incluída su madre y cuando su padrastro asesina a su nueva esposa, logran huír de casa y emprenden una angustiosa huída seguidos de manera implacable por el predicador.

El film se basa en un libro homónimo de Davis Grubb, que no tiene la fama que ha obtenido el film con los años, pero en cuyas páginas se encuentra todo lo que Charles Laughton nos cuenta en la película, incluídas escenas enteras, como la de la madre en el fondo del río con la melena mecida por las aguas.

Al parecer, Grubb se mostraba bastante conforme con el tratamiento dado al adaptar su novela.

La peli, como la novela, describe la época de la gran depresión con toda su crudeza, las desgracias a las que se ven abocados los niños nos recuerdan a cada momento la obra de Dickens, y la huída en un bote por el río Ohio es comparable a las aventuras que narrara Mark Twain.

El film, en su momento, obtuvo un mediocre resultado de taquilla y la crítica no fue nada benevolente, ello provocó que Charles Laughton no volviera a dirigir jamás y eso que no era un neófito, pues aunque era su primera incursión como director de cine, no debemos olvidar su pasión por el teatro donde había dirigido con éxito varias obras.

Quizá se adelantó a su tiempo con esta especie de cuento de hadas, en el que el lobo feroz, el cazador, persigue a los niños hasta que estos encuentran la protección del hada madrina, encarnada por la señora Cooper, a quien da vida una excelente Lillian Gish.

El paso de los años ha convertido a la película en un clásico. Demasiado tarde.

En el film vemos una constante contraposición de opuestos: El bien y el mal, ese amor y odio que lleva tatuados Mitchum en sus dedos; niños y adultos; mentira (en este caso secreto) y verdad; masculino y femenino; luz y sombra...

El espectador ve a través de los ojos de los niños y estos lo ven con sus propios ojos, quiero decir que no están dotados de especiales cualidades, son niños que, muchas veces, no comprenden del todo lo que está ocurriendo y por eso lo ven todo como si fuera una pesadilla de la que sólo desean despertar entre unos brazos maternales. Es muy ilustrativa la escena en la que el pequeño John, acaricia las manos de la Sra. Cooper.

De hecho, toda la persecución a lo largo del río es tratada como una pesadilla infantil en la que animales nocturnos les acechan desde la orilla. Unos animales que parecen de atrezzo y que recuerdan algunas escenas de Alicia en el país de las maravillas, por lo irreales.

Como todo clásico que se precie, el film ha suscitado infinidad de comentarios, entre ellos que, dada la aversión que sentía hacia ellos, los niños fueron dirigidos en muchas escenas por el propio Robert Mitchum. Es una leyenda urbana, hay un libro "Heaven and Hell to play with", en el que su autor, Preston Neal Jones, explica todos los entresijos del rodaje, basándose en entrevistas realizadas al equipo técnico y artístico de la película, pero también ayudándose del material filmado que se quedó en la sala de montaje, como si fuera un verdadero making-of, en él dice, entre otras muchas cosas que se portó muy bien con los niños protagonistas.

Una peli en la que el onirismo es constante, en la que podemos palpar el miedo a través de esa mirada infantil, pero un miedo sin artimañanas ni efectismos, que podríamos definir como perfectamente soportable y con un personaje soberbiamente interpretado por Robert Mitchum, que es la propia encarnación del mal, que nos ofrece una buena variedad de interpretaciones psicológicas. Un mal que no descansa y que nos persigue a todas horas, como dice en una de las escenas el muchacho: ¿No duerme nunca?

LA MONARQUÍA

2011-12-29T12:51:00.000+01:00

Que Iñaki ha metido a la Monarquía española en un buen lío es algo que a pocos se les escapa.

La institución es un residuo de otras épocas que apenas resiste la prueba del algodón democrático. A estas alturas pretender convencer a los ciudadanos que el poder puede ser transmitido por la vía de la sangre, aún atenuado por los límites del parlamento, es una tarea complicada y el equilibrio del que pende es un delgado hilo que pasa, en cualquier caso, por la ejemplaridad de sus miembros, esa es la mínima compensación que se les debe exigir a cambio de tantos privilegios.

D. Iñaki ha tenido un presunto comportamiento que no se le permite a los hombres comunes, pero es que él está casado con una de las hijas de los Reyes de España. Todavía hay algunos (empezando por él mismo) que se escandalizan por las informaciones vertidas, cuando lo verdaderamente importante no es el conocimiento de los hechos, sino los hechos en sí mismos. No se puede ser Casa Real para los beneficios y quitarse de en medio cuando la situación es molesta.

¿No sabía lo que estaba haciendo? ¿No sabía por qué le daban el dinero que pedía? Puede ser, porque al fin y al cabo a él y a todos los miembros de la Casa Real, el dinero se lo daban por lo que se lo dan siempre, por no hacer nada.

Y después está lo del Rey con la publicación del presupuesto y todo eso, ¡sólo faltaba! pero si el dinero es de todos. Lo que tendría que hacer, en lugar de tantos consejitos de honradez, de tanta transparencia, de tanto decir que la justicia es igual para todos, es dar las órdenes oportunas a quien se las tenga que dar para que devuelva todo lo que presuntamente ha sido malversado.

Mal asunto para ellos, porque le han perdido el respeto a la institución, pero el problema se les plantea cuando el ciudadano se pregunta para qué sirve esto de la monarquía y si no sabemos para qué sirve y encima nos enteramos de que alguien anda trincando (presuntamente) aprovechándose de un ente que no sirve para nada, pues eso...

RIFIFÍ

2011-12-28T13:40:00.002+01:00

Tony le Stéphanois (Jean Servais) acaba de salir de la cárcel donde ha cumplido cinco años de condena por un robo.

Su amigo Jo le Suedois (Carl Möhner), al que Le Stéphanois no delató librándole de presidio y un compinche de éste, llamado Mario Ferrati (Robert Manuel), le proponen un atraco a una joyería. Le Stéphanois declina la invitación. Pero una serie de circunstancias, entre ellas que su antigua novia, Mado les Grands Bras (Marie Sabouret), está ahora con un mafioso local, Pierre Grutter (Marcel Lupovici), le hacen ver que la vida le depara pocas salidas, por lo que reconsidera su primera decisión y comienzan la preparación del robo, para lo que llaman a un especialista en abrir cajas fuertes, un italiano de nombre César, apodado El Milanés (interpretado por el propio Jules Dassin).

Lo que resultará ser un atraco perfecto, se complica por la intervención de Pierre Grutter que desea quedarse con el botín, tras haber obtenido una pista de lo ocurrido por culpa de una imprudencia de César.

Rififí es considerada por muchos como una obra capital dentro del género de películas de atracos y similares y a quienes así opinan, no les faltan un buen puñado de razones.

Una magnífica planificación y puesta en escena, con un montaje que no deja resquicios, nos traen una peli de esas que te va atrapando de una manera creciente. Muy bien narrada y dirigida, con una fotografía en la que, por un lado, tenemos algunas postales de una ciudad como París que tanto se presta a ello y, por otro, unos pormenores de los personajes y de las acciones que van realizando que son una maravilla.

La planificación de Dassin resulta a veces incluso excesiva (en el mejor sentido de la palabra), con algunas soluciones visuales en las que se nota un exhaustivo trabajo de composición. Recuerdo ahora algunas de las escenas de la preparación del atraco, con imágenes de los cuatro compinches en los que el director busca fórmulas para ofrecernos imágenes de todos ellos en el mismo plano que te hacen sonreír imaginando las vueltas que daría al asunto hasta colocarlos como los vemos en pantalla.

La peli tiene varias lecturas, desde la exaltación de valores como la camaradería o la lealtad, hasta mensajes más o menos subliminales que muchos relacionan con la situación personal por la que atravesaba Dassin, que se vino a Europa en busca de la libertad que el Macartismo le negaba en su país.

Todo ello teñido por un clima de fatalidad que refleja muy bien con su gran actuación Jean Servais, con su adusto rostro reflejando una especie de constante tristeza e incluso una suerte de desidia como si presintiera que esa fatalidad se acabará imponiendo.

Incluso la escena del music-hall con la canción que da título a la peli, interpretada po una exuberante Viviane (Magali Noël), y que parece como un remanso de frescura en el film, no deja de ser el arranque de la tragedia.

La escena del robo, más de media hora, sin palabras, detalladamente contada en el plano visual, es un clásico que deleita a cualquier aficionado.

A esta escena, que es citada y alabada de forma repetida en cuantas reseñas y críticas del film puedan leerse, yo añado la huida de Le Stéphanois al final del film, con el contrapunto del niño en toda su inocencia apuntándole con la pistola de juguete y ajeno al drama que se está desarrollando.

Un final que pudo haber sido fácilmente edulcorado por Dassin con un leve giro y que sin embargo es duro, como dura, trágica y, sin embargo, tremendamente evocadora, es toda la historia.

EL ÚLTIMO JUDÍO

2011-12-27T13:28:00.004+01:00

A quien ya haya leído algo de él y a muchos que no lo han necho, no hace falta presentarles a Noah Gordon, un periodista norteamericano de origen judío autor de unas cuantas novelas de corte histórico que podemos calificar como best sellers.

Su obra más exitosa es El Médico, escrita en 1986, la primera de la Trilogía de los Cole (junto con Chaman, de 1992 y La Doctora Cole, de 1996).

En esta que hoy comentamos, nos narra la historia de Yonah, un joven judío, hijo de Helkias Toledano, un orfebre de la ciudad del Tajo, al que se le encarga un relicario para guardar una reliquia de Santa Ana. Sin arte ni parte, se ve involucrado en una oscura trama de tráfico de reliquias y otro de sus hijos, el mayor, llamado Meir, es asesinado para robarle el relicario cuando iba a depositarlo en el priorato que hizo el encargo.

La acción se situa en la época inmediatamente posterior al fin de la Reconquista, cuando los Reyes Católicos firman el decreto de expulsión de los judíos.

La familía Toledano sufre las consecuencias de todo este asunto, así como las venganzas personales de quienes no desean que se sepa nada del mencionado tráfico ilegal de reliquías.

El padre es asesinado, el hijo menor, Eleazar sale de España con unos familiares, mientras Yonah ben Helkias Toledano, se ve obligado a errar por diversas regiones de la península, bajo el nombre de Ramón Callicó, decidido, como postrer homenaje a su padre y hermano muertos, a seguir practicando la religión judía.

Conoceremos a algunos personajes que influyen en su vida, el médico Bernardo Espina, el frayle Bonetrusca...

Pero sobre todo, reviviremos los acontecimientos de una época y las circunstancias de un pueblo que se vio sometido a una tremenda injusticia por el simple hecho de profesar una religión diferente, gente como cualquier otro español de aquel tiempo, en quienes se buscó una cabeza de turco para culpabilizarles de cualquier tipo de males que aquejaran a la sociedad en general.

Como es costumbre en él, Noah Gordon nos trae muchos detalles pequeños de la vida diaria de aquellas gentes y, siguiendo los diversos oficios que Yonah se ve obligado a desempeñar en su incesante huída de la Inquisición, sabremos del modo de vida de los pastores, los campesinos, marineros, artesanos del metal, médicos...

De agradecer el gran trabajo de documentación que ha realizado (también nos tiene acostumbrados a ello) para sacar a la luz este libro, no muy extenso, que se lee muy bien y que resulta de lo más entretenido.

EL CERCO

2011-12-26T18:24:00.001+01:00

Cinco hombres van a perpetrar un atraco en una fundición, se supone que en un día de paga, aunque no se mencione expresamente.

La acción se situa cuando ya se dirigen a su objetivo, sin que haya explicaciones del porqué ese lugar concretamente, ni detalle alguno de la preparación.

Cuando ya están en las oficinas de la industria, uno de los atracadores pierde los nervios y dispara contra uno de los empleados.

Será sólo el principio de una serie de imprevistos que dificultan el buen fin de la operación, entre otros las graves heridas de uno de ellos que llevarán a su hermano y cabecilla de la banda a buscar, primero refugio y más tarde un médico para que le cure. Los compinches se han separado y van a sufrir una metódica en intensa persecución por parte de la policía barcelonesa.

Pero entonces, aparte de Berlanga, Buñuel, Nieves Conde, Bardem y poco más ¿había un cine español en los 50?

Lo había, en efecto, la cinematografía no sólo se sustentaba en aquello que no molestaba al régimen o en el posterior landismo, había gente que sabía hacer cine, aunque más de uno, cual es el caso de Miguel Iglesias, hiciera más películas de esas para olvidar que de estas otras para enmarcar.

La peli es el trabajo de un magnífico plantel de profesionales, con escenas bien planificadas y una magnífica ambientación.

Unas actuaciones tremendamente convincentes, con actores entre los que recuerdo (por citar alguno) a José Guardiola, a la portuguesa Isabel de Castro o a ese magnífico secundario del cine español que fue Luis Induni.

Tiene muy buenas secuencias de exteriores y el paso del tiempo le da un valor documental innegable, reconocemos las calles de Barcelona y algunos pueblos de los alrededores, así como el ambiente de la calle en un día cualquiera: Los autobuses, la policía armada, los barrios, la gente en general...

Se me hace imposible ver el film sin citar las sircunstancias políticas del momento.

Empezando por la advertencia que sale al final de los títulos de crédito iniciales, en la que se nos dice que el film tiene como objetivo demostrar que ningún crimen queda sin castigo. Creo que estaba dirigida más a la censura que al público que iba a ver la película.

La película es extremadamente violenta para la época, con varias muertes, pero hay cosas que no se nos dicen: Ni cómo se formó la banda, ni qué piensan hacer con el dinero... Yo creo que, volviendo a la lectura política, son datos que se obvian deliberadamente, pues teniendo en cuenta que se nos indica que los delincuentes no están fichados por la policía española pero sí por la de Marsella, uno no puede por menos que recordar el modus operandi de algunas partidas del maquis que tenían su refugio en Francia, pero venían a Barcelona a dar sus golpes para recaudar dinero. Así que de nuevo la burla a la censura, me parece patente.

Las imágenes que siguen, pertenecen a una de las mejores secuencias del film, en la que el personaje de Induni es perseguido y abatido por la policía.

Muchos creen que está inspirada en la muerte de César Saborit Carrelero, un anarquista que formaba parte de un grupo un tanto peculiar, "Los Maños" y que fue muerto por la policía en Barcelona el 19 de julio de 1951.

EL CERCO, SECUENCIA

LOS CHASQUIS

2011-12-25T14:54:00.002+01:00

Chasqui significa en quechua "el que da o recibe" y era un mensajero al servicio del Imperio de los Incas encargado de llevar las noticias de un lado a otro. Éstos mantenían un complejo sistema de mensajeros que se transmitían unos a otros la información de forma rápida y cubriendo un amplio territorio. Los chasquis eran hombres jóvenes que mantenían un gran estado físico que les permitía andar por los terrenos más diversos, muchas veces muy dificultosos.

El Imperio Inca comprendió un amplio territorio, desde la actual Colombia hasta el centro de Chile (más de 4.000 kilómetros de largo), con una impresionante red de caminos, y todo ello con una tecnología que, dicho sin ningún menosprecio, estaba más cerca de la Edad de Piedra que de sus coetáneos europeos o asiáticos, pensemos que los incas no conocían la rueda ni el caballo.

Por ello este sistema de comunicación era de vital importancia y les daba ventaja sobre posibles enemigos o competidores. La clave del sistema era tener repartidos puntos para repostar cada cierto trecho, llamados tambos. Cuando un chasqui partía en su carrera con un mensaje a un punto distante del imperio, alcanzaba a toda prisa el primer tambo, le pasaba el mensaje a otro chasqui, fresco y descansado, que salía inmediatamente disparado hacia el segundo tambo, mientras el otro podía descansar un tanto, antes de que apareciera otro chasqui al que tuviera que relevar... El mensaje en cuestión era llevado por estos esforzados corredores, en una bolsita que se colgaban alrededor del cuello.

Siempre había chasquis corriendo por los caminos del territorio inca, en una verdadera carrera de postas, con una eficiencia tal que, según se dice, el Sapa Inca, señor del Imperio Inca, podía comer por la tarde en Cuzco, capital del Imperio, un pescado fresco que hubiera sido atrapado aquella misma mañana en la costa, a más de 500 kilómetros de distancia hacia el oeste...

MANOS PELIGROSAS

2011-12-24T19:37:00.000+01:00

Skip McCoy (Richard Widmark), un carterista que acostumbra a “trabajar” en el metro de Nueva York, le roba el billetero a Candy (Jean Peters), que actua como correo de su ex-novio, para hacerle un último favor, sin saber que, en realidad, forma parte de un grupo de espías comunistas. McCoy se lleva la cartera a su domicilio, una mezcla de casa y escondite en los muelles de Nueva York. Pronto descubrirá que, entre otras cosas, contiene un microfilm con una fórmula secreta y se verá acosado por la policía, el FBI y los comunistas quienes pugnan por recuperar el preciado microfilm. Desde los bajos fondos de la ciudad, McCoy y Candy comenzarán una relación en principio violenta y luego apasionada. Uno de los personajes eje de la historia es Moe (Thelma Ritter) una vagabunda de buen corazón que es confidente de la policía y que con un sardónico sentido del humor será el referente de la doble moral de la época.

Una buena banda sonora de Leigh Harline y una magnífica fotografía de Joe MacDonald, acompañan al guión firmado por el realizador del film, Samuel Fuller, sobre una historia de Dwight Taylor. Un guión, por otra parte, claro y conciso que permite seguir la narración sin ningún esfuerzo.

La película tiene algunas peculiaridades, sobre todo por lo que supone la implicación de espías rusos en la trama principal y por las escenas de violencia, de la que casi siempre son víctimas las dos mujeres del film, Candy y Moe.

Las actuaciones, de gran nivel, más que correcta Jean Peters, muy bien Richard Widmark y espléndida Thelma Ritter (nominada para el oscar a la mejor secundaria), con un papel lleno de evocaciones y que nos hace sentir debilidad por ella.

Siendo muy buenas tanto la fotografía como la puesta en escena, donde yo me quito el sombrero es en la maestría de Fuller para traernos sus mensajes en un momento en el que había que ser especialmente cuidadoso, con el macartysmo en plena ebullición y un guión con una historia centrada en el enfrentamiento de la guerra fría.

Bajo la apariencia de un film noir (que lo es), la primera percepción del espectador en que se está lanzando una tremenda invectiva anticomunista y Fuller lo hace, en efecto, cada vez que los actores llaman a alguien comunista es como si le estuvieran colgando el peor sambenito que se pueda poner. Pero si escarbamos un poco, si no nos quedamos en la apariencia, descubrimos que en un momento del film, Macoy lanza una soflama con su opinión sobre el patriotismo (el patriotismo americano, claro), que no deja títere con cabeza. Es cierto que Fuller lo pone en boca de un delincuente, pero ahí queda dicho.

Además, el retrato que nos hace de esa otra sociedad americana, la de los desheredados, es todo un fresco de lo que realmente se escondía bajo el oropel de la superficie, creo que no es gratuito que todo el film se desarrolle en el metro y a nivel del río, es decir, por debajo de la realidad que vemos, hay otra realidad, llena de pobreza y con supervivientes que malviven como pueden.

Moe (¡qué gran actuación de Thelma Ritter!), vende corbatas a gentes que van en camiseta de tirantes y da soplos a la poli a cambio de unos pocos dólares y ¿saben para qué?, para pagarse su lápida.

No menos maestra es la manera en que "utiliza" a Jean Peters, nos presenta sus curvas poderosas, sus ojos maravillosos y sus labios carnosos y sensuales, pero lo hace con elegancia y la sensualidad y el erotismo de alto voltaje que hay en algunas escenas, es una muestra de que no hay que enseñar carne para transmitir pasión, pero hay que saberlo hacer. Algunos le critican el oportunismo de introducir una historia de amor de cara a la taquilla, yo creo que hay algo más, hay un relato de sinceridad, de redención, en el amor de Candy, al que McCoy responde con violencia, la vida le ha hecho desconfiado, pero que acabará triunfando.

Fuller se pone decididamente del lado de los perdedores y consigue que nosotros nos identifiquemos con esa posición.

Manos peligrosas es más que un film con mensaje anticomunista, si ven la peli, lo descubrirán así (espero).

Y para no perderse detalle de la maravillosa escena incial en la que McCoy roba a Candy en el metro, una maravilla

ILUMINACIONES

2011-12-23T17:36:00.000+01:00

Iluminaciones es una colección de poemas en prosa del poeta francés Arthur Rimbaud, publicada por primera vez en la revista literaria parisina La Vogue entre mayo y junio de 1886.

Aunque no puede precisarse exactamente en que momentos escribió cada uno de los poemas, Verlaine los fechó entre 1873 y 1875 y se sabe que la mayoría los escribió durante su estancia en Inglaterra con el propio Verlaine.

Las únicas excepciones a la escritura en prosa, son Marina y Movimiento, que están en verso libre.

Aunque se nota la influencia de Baudelaire, los poemas de Rimbaud son más profundos y son un claro precedente del surrealismo, de hecho pueden considerarse surrealistas, aún cuando este término no estaba inventado, ni había aparecido el movimiento.

Un tema que se repite a lo largo de los poemas, es la protesta, Rimbaud parece protestar de casi todo cuanto ofrece la sociedad actual, no en vano, Albert Camus lo definió como el poeta de la rebeldía.

Textos breves y deliciosos, para disfrutar de esta prosa poética de uno de los grandes renovadores de las letras francesas de finales del XIX.

LOS SOBORNADOS

2011-12-22T13:52:00.000+01:00

Un policía, Tom Duncan, se suicida y deja una carta en la que confiesa haber pertenecido a una banda de gángsters, pero también denuncia la corrupción de altos funcionarios. Su viuda (Jeanette Nolan) esconde la misiva con la intención de sacarle provecho. Mientras, el sargento Dave Bannion (Glenn Ford) trata de resolver la muerte de Duncan.

El asunto se complica ante las sospechas de que ha podido ser más que un simple suicidio y que hay una parte que no ha salido a la luz y más aún cuando el sargento Bannion recibe órdenes tajantes de no seguir la línea de investigación que le conduce a la persona del "hombre de negocios" Mike Lagana (Alexander Scourby).

Bannion es obligado a entregar su placa y además sufre las represalias de quienes no están interesados en que sigan sus pesquisas y su esposa (Jocelyn Brando) es asesinada. Sin embargo encontrará una inesperada aliada en la novia de uno de los socios de Lagana.

La maestria de Fritz Lang queda patente en un film que va aumentando la tensión a medida que se acerca el final. De manera lenta pero inexorable, el realizador nos va conduciendo hacia el climax final en el que los protagonistas, desbordados por las situaciones se lían a tiro limpio entre ellos.

Película de gran violencia, si tenemos en cuenta que se rodó en plena vigencia del Código Hays y en la que, sin embargo, queda espacio para el amor, por un lado y la solidaridad por otro.

Lang consigue, en esta ocasión, que los personajes nos resulten más cercanos, porque en algunas de sus películas, los buenos son tan buenos, que nos resultan demasiado irreales. Aquí, aunque los caracteres están bien definidos, cada uno va a lo suyo, son egoístas y olvidan sus principios en algún momento.

Buenas interpretaciones, incluso de quienes tienen papeles más breves.

Es curioso ver a la hermana de Marlon (Jocelyn Brando) en su papel como esposa del protagonista o a Lee Marvin, vestido de una manera elegantemente hortera, como violento y despiadado mafioso.

Bien Ford y muy bien Gloria Grahame.

Interesante película en la que Lang ataca sin piedad la corrupción en distintos estamentos de la vida pública. Algunos dirán que esto es exagerado, pero yo creo que es tal cual a lo que hoy mismo sucede con todos los tejemanejes que hay en la economía y en la política.

SU ÚLTIMO SALUDO DESDE EL ESCENARIO

2011-12-21T12:51:00.000+01:00

Las ocho historias que componen este volumen recogen otros tantos casos a los que Sherlock Holmes hubo de enfrentarse en el pasado, excepto la última, que da título al libro, en la que un sexagenario Holmes, abandona su retiro para descubrir a un espía alemán que está robando información de alto valor militar.

El libro fue publicado en 1917, pero la acción de este relato postrero, se remonta a los albores de la Primera Guerra Mundial. El comienzo del relato hace referencia a ello: Eran las nueve de la noche de un dos de agosto: el peor agosto de la historia del mundo. Ya entonces podía uno pensar que la maldición de Dios se cernía aplastante sobre un mundo degenerado, pues flotaban un silencio sobrecogedor y una sensación de vaga expectación en el aire sofocante y estancado. El sol se había puesto hacía rato, pero en el occidente lejano, a poca altura, se dibujaba una franja rojo sangre, como una herida abierta.

Aunque posteriormente se publicó otra colección de historias (El archivo de Serlock Holmes), los relatos de Su último saludo desde el escenario, corresponden, en el orden cronológico, a la última etapa de la vida de Holmes y, desde luego, este que da título al volumen es el último y en él se nos detalla, por ejemplo, que el conocido detective vive retirado en el campo y que acaba de escribir un manual sobre apicultura.

Si el inicio del relato evoca esos malos tiempos que se avecinan, el final nos deja, con un cierto regusto poético, metidos de lleno en el drama que se avecina: Pero es cierto que viene un viento del este, un viento que nunca ha soplado aún en Inglaterra. Será frío y crudo, Watson, y quizá muchos de nosotros nos marchitemos al sentir sus ráfagas. No obstante, no por eso deja de ser un viento de Dios, y cuando amaine el temporal brillará bajo el sol una tierra más limpia, mejor y más fuerte.

CARA DE ÁNGEL

2011-12-20T14:24:00.002+01:00

Frank Jessup (Robert Mitchum), trabaja como conductor de ambulancia y un buen día es llamado para una urgencia a una mansión de Beverly Hills, allí conoce a Diane Tremayne (Jean Simmons), hija de los dueños y queda prendado de ella desde el primer momento. Es contratado por los Tremayne como chófer doméstico. Seducido por la dulzura y la apariencia angelical de su hija, Frank queda atrapado en sus redes maléficas. Él es un hombre corriente, bonachón, con novia formal (Mona Freeman) y aspiraciones modestas (montar un taller mecánico de coches). Diane, de 19 años, es caprichosa, solitaria, no tiene amigos, está enamorada de su padre, siente celos obsesivos de su madrastra y bajo una mirada celestial oculta una personalidad manipuladora, fría, malévola y psicótica.

En realidad, la contratación de Frank, se debe a su interés en que este trabaje en la casa. Pero aún hay más, ella ha maquinado un diabólico plan para deshacerse de su madrastra, lo que no entra en sus planes es un imprevisto que cambiará de forma radical las consecuencias que había previsto una vez consumado el crimen.

El resultado de los distintos acontecimientos es bastante previsible y, sin embargo, la película engancha desde el primer momento, claro que estamos hablando de dos actores de esos que te atrapan: Robert Mitchum y Jean Simmons y de una Mona Freeman, que aún con sus breves intervenciones, deja marcado su sello de calidad.

Si además el director es Otto Preminger, por más que esta no sea su mejor película, el innegable saber hacer del realizador, la forma milimétrica en que cada escena está medida y las delicatesenn que nos obsequia a lo largo de la hora y media de proyección, son todo un lujo.

Hay unas escenas hacia el final de la película, sin palabras, con Simmons recorriendo la casa vacía y con la música del maestro Dimitri Tiomkin, que son una delicia.

Igual que las interensatísimas escenas del juicio o la entrevista entre las dos mujeres, Jean Simmons y Mona Freeman, uno de los momentos más conseguidos de la película.

En definitiva, una obra muy bien realizada, con un magnífico trabajo de los actores y un final atrevido, arriesgado y sorprendente.

Esta mezcla de drama, película romántica y un cierto poso de cine negro, consiguen unos entretenidos y gratificantes instantes de buen cine.

CUADERNOS RUBIO

2011-12-19T13:46:00.001+01:00

Creo que no hay nadie en este país antes llamado España que cuando oye hablar de los cuadernos Rubio, no sepa de qué va la cosa.

Este tradicional producto, ha sacado una nueva línea enfocada hacia los mayores que podrá adquirirse también en farmacias. Según dicen, este material está especialmente indicado para personas que se encuentran en las primeras fases de Alzhéimer y se ha comprobado que pueden estimular su memoria.

Aparte de la función social que puedan hacer, también hay una parte muy importante de negocio en este asunto y en estos tiempos que corren, tan difíciles, es encomiable el esfuerzo imaginativo para lograr diversificar el mercado de algo que tradicionalmente era para escolares. Un gran cambio y una gran idea, creo yo.

BRIGADA 21

2011-12-18T20:07:00.001+01:00

¿Qué ocurre un día cualquiera en una comisaria de policía de las muchas que hay en la ciudad de Nueva York?

Ese es básicamente el argumento del film, introducir al espectador en una de ellas y dejarle que mire. Un trabajo rutinario, con un desfile de tipos variados, desde los peligrosos hampones, hasta los paranoicos que van a denunciar situaciones que sólo existen en su imaginación, pasando por raterillos novatos o gente que roba acuciada por la necesidad de dinero.

William Wyler echa mano de una serie de estereotipos para contarnos ese día a día, estereotipos entre los que debemos incluír a los propios policías, ya que en algunos momentos del film las personalidades de delincuentes y servidores de la ley, se entrecruzan, hasta que no quede muy claro si unos son los buenos y otros los malos o, más bien, de todo hay en cada lado de la línea.

El guión se basa en una obra teatral de gran éxito en Broadway, titulada Detective Story (el mismo que en la versión original), de Sidney Kingsley y básicamente sigue las mismas líneas, salvo en el desarrollo de alguno de los personajes a quienes el realizador da más relevancia que en la obra de teatro, realizando de paso unos interesantes retratos psicológicos.

La puesta en escena, también sigue los cánones teatrales a grandes rasgos, casi toda ella se desarrolla en una amplia oficina que comparten policías y detenidos, salvo alguna escena que toma como marco alguna de las dependencias anexas. Eso sin olvidar la imagen que sirve de fondo a los títulos de crédito, un maravilloso picado sobre una calle de Nueva York.

Lo cierto es que bajo la apariencia de ese devenir de situaciones en la comisaría, se desarrolla otra historia, el auténtico centro del relato, el drama que se cierne sobre la vida matrimonial del detective James McLeod (Kirk Douglas) y su esposa Mary (Eleanor Parker), una pareja feliz y enamorada, hasta que un episodio del pasado de ella que ya creía superado, cobra actualidad y con él salen a la luz todas las amarguras que marcan la personalidad de McLeod, un personaje atormentado por los fantasmas de su niñez que le han convertido en un policía duro y despiadado que no cree en la redención de ningún delincuente.

Magnífica interpretación de este gran actor en un papel que le va de maravilla, con la réplica de una bellísima Eleanor Parker, en una actuación más breve, pero llena de instantes en los que se muestra también a la altura.

Mención aparte merece el elenco de secundarios que consiguen redondear un film en el que todo el éxito depende de su trabajo y de la puesta en escena dada la manera en que está concebido el rodaje. Todos ellos están muy bien, quizá, por destacar a alguien, podemos citar a Lee Grant que da vida a una frágil ratera que acaba de llevar a cabo su primer robo y que despierta nuestra ternura y da al film algún momento de humor que contrarresta la tensión dramática.

Magnífico el retrato que hace la vida en la comisaría, con toda su rutina de papeleo, toma de huellas, etc. que el detective de turno está convencido que no van a servir de mucho y que lleva a cabo imbuído de que es su deber, aún sin ningún entusiasmo.

Valiente y delicado el tratamiento que hace sobre el asunto de aborto, algo que asustó a los productores por el rechazo presumible de la puritana sociedad norteamericana.

Y un final en el que, por fin, se produce la redención del atormentado protagonista, que hemos estado esperando durante todo el film.

EL VALLE DEL TERROR

2011-12-17T18:20:00.000+01:00

John Douglas, un acomodado caballero norteamericano, ha sido asesinado en su mansión inglesa de Sussex y se reclama la presencia de Sherlock Holmes para resolver el misterio. Los métodos del detective se muestran una vez más implacables y el caso se resuelve con algunas sorpresas sobre la identidad del cadaver encontrado, el verdadero asesino y sus móviles. A partir de ese momento, la acción retrocede y se traslada a Norteamérica para mostrarnos, en la segunda mitad de la novela, los vínculos entre asesino y asesinado, historia en la que la sociedad secreta irlandesa de inmigrantes mineros Molly Maguires parece jugar un papel relevante, hasta llegar de nuevo al comienzo de la narración.

La novela fue publicada por entregas en el Strand Magazine entre septiembre de 1914 y mayo de 1915. En realidad se trata de dos relatos en uno y aunque el protagonista sea el mismo y los sucesos del primero sean consecuencia del segundo, ambas poseen total independencia y pueden perfectamente considerarse como relatos diferentes.

La sombra del profesor Moriarty, sin aparecer, planea sobre esta novela en la que Conan Doyle juega hábilmente con el lector haciéndonos creer que los personajes son unos, cuando en realidad su identidad es otra.

AL BORDE DEL PELIGRO

2011-12-16T18:28:00.001+01:00

Mark Dixon (Dana Andrews) es un policía de los que pretenden arreglar el mundo por su cuenta, sin atenerse a las convenciones reglamentarias. Atisbamos que su padre fue un hombre al margen de la ley y eso marca su manera de ser, un tanto huraña, conflictivo, enfrentado con sus superiores, como si quisiera hacerse perdonar ser hijo de quien es.

En el transcurso de una investigación, Dixon es atacado por un sospechoso y, al responder a la agresión, le mata accidentalmente ocultando su crimen.

Un taxista llamado Jiggs Taylor (Tom Tully) es acusado como presunto autor del asesinato, mientras Mark se enamora de su bella hija, Morgan Taylor (Gene Tierney).

Dixon tratará por todos los medios de borrar las huellas que le incriminen, sin embargo otro problema, este imborrable, dificultará sus planes iniciales.

Ese otro problema no es sino su propia conciencia. Dixon va quedando al margen de las sospechas, pero todo apunta al padre de su amada, un hombre sin tacha, dedicado en cuerpo y alma a su trabajo y a su hija. Todo lo que el detective no tuvo en su propio padre.

Ese conflicto moral es el que sirve de fondo argumental al film, una lucha que se resolverá de una manera un tanto previsible, pero no exenta de cierta originalidad.

Película correcta pero lejos de aquella Laura en la que los mismos protagonista e idéntico realizador consiguieron un film que no resiste la comparación con este.

Una buena fotografía, con muchas escenas nocturnas, siguiendo el canon clásico del cine negro y buenos trabajos interpretativos que se unen al buen hacer habitual de Otto Preminger.

Una historia de remordimiento, en la que el amor empujará al protagonista hacia su redención, no exenta de cierto encanto y de algunos momentos de tensión e intriga bien conseguidos.

Además podemos ver a Karl Malden, en un pequeño papel, como jefe del protagonista.

EL SIGNO DE LOS CUATRO

2011-12-15T12:28:00.000+01:00

Tras la publicación de Manuscrito Escarlata, el periódico estadounidense Lippincot Magazine, decidió hablar con Arthur Conan Doyle para que escribiera una novela corta de corte similar y con los mismos protagonistas. Así nació El signo de los cuatro, donde Conan Doyle comienza a dibujar algunos de los rasgos que caracterizarán a Sherlock Holmes en adelante: Cierta prepotencia; indiferencia, cuando no misoginia hacia el sexo opuesto (Lo emotivo es opuesto al razonar frío y sereno que yo coloco por encima de todas las cosas); sus vastos conocimientos en algunas materias o su gran maestría para disfrazarse.

Tras asistir a la resolución del caso por medio de las inteligentes observaciones de Holmes, el misterio finalizará con una espectacular persecución en lancha de vapor por el Támesis y el posterior relato del culpable de sus andanzas por la India del periodo colonial.

Como curiosidad, asistimos a una historia de amor entre Watson y la señorita Mary Morstan que es la persona que solicita la intervención de ambos en el caso.

EL DEMONIO DE LAS ARMAS

2011-12-14T13:35:00.001+01:00

Bart Tare (John Dall), es un muchacho enamorado de las armas de fuego, cuya obsesión hace que cometa un delito rompiendo un escaparate de una tienda para robar un revólver y munición. Pillado in fraganti en su huida cuando se cae delante mismo de un guardia, el juez que se encarga de su caso le envía a un reformatorio donde permanece cuatro años. A su vuelta y después de haber estado también en el ejército, acude a una feria que hay en la ciudad con sus dos amigos de la infancia y allí se enamora de una pistolera, Anni Laurie Starr (Peggy Cummins), a la que conoce cuando ella reta a cualquiera que se crea capaz de ganarle en puntería. A partir de aquí empezará una crucial relación entre estos dos personajes ya que él la superará en el reto y será contratado para formar parte del espectáculo. Al final ambos serán despedidos e iniciarán un viaje sin retorno lleno de atracos y persecuciones.

Película de la llamada serie B, en la que su realizador, Joseph H. Lewis, hace un brillante ejercicio que no desmerece de algunas producciones más dotadas económicamente y que convierte al film en una pequeña joya, con algunos detalles técnicos que merece la pena disfrutar, como son algunos de los maravillosos encuadres y una escena que ha alcanzado el aplauso y la admiración de los entendidos, el plano secuencia del robo a un banco ejecutado de forma aparentemente sencilla en el que el espectador se siente partícipe por situarse la cámara en el asiento de atrás del coche, mientras Laurie está al volante y nosotros nos imaginamos el atraco que sucede fuera de cámara.

El argumento, que recuerda en todo momento, incluso por la indumentaria de los protagonistas (sobre todo el de ella) a Bonnie & Clyde, pero que no desmerece en nada, y además aquí todo se cuenta de manera más directa y trepidante, dando menos cancha a la historia romántica, no en vano hay menos tiempo. A pesar de ello, la escena del final, con la pareja acorralada, envuelta en la niebla, es también una pequeña obra de arte.

La narración, no obstante, es bastante previsible, lo que no resulta un inconveniente para que la peli esté bien contada, bien dirigida e interpretada con solvencia, con un buen estudio de los caracteres de los personajes y una conseguida mezcla de clasicismo y modernidad.

LA SOLEDAD DE LOS NÚMEROS PRIMOS

2011-12-13T13:32:00.000+01:00

Este es uno de esos libros que por sí solo te da el espaldarazo del triunfo literario. El que consiguió su autor, Paolo Giordano, un joven físico teórico que, con 27 años, logró el prestigioso premio Strega de narrativa en 2008.

Las historias de Mattia y Alice no nos dejarán indiferentes, ni tampoco la relación tan particular que se establece entre ellos, porque La soledad de los números primos siembra en nosotros una especie de desasosiego que nos invita a mirar hacia nuestro propio interior, a recorrernos en busca de nuestras propias cicatrices, como las que acompañan a los dos protagonistas, todo un símbolo de las cicatrices del alma.

Muy interesante el recorrido vital que hacemos junto a ambos, atractivo y bien construído, de tal manera que cuando empezamos a leerla, ya no podemos sustraernos a seguir avanzando en esta dolorosa y conmovedora historia de dos personas que, aún estando unidas, están destinadas a vivir en soledad, aisladas de la gente que les rodea.

El libro es de rápida y fácil lectura, los personajes se nos hacen tiernos y el relato es bonito y, al tiempo, estremecedor.

EN UN LUGAR SOLITARIO

2011-12-12T13:08:00.000+01:00

Dixon Steele (Humphrey Bogart) es un guionista con un peculiar carácter, violento y cínico. Es, además, el principal sospechoso del brutal asesinato de una chica, Mildred Atkinson (Martha Stewart), cuyo cadaver fue arrojado desde un automóvil y que fue vista en su casa unas horas antes, pues Steel le había pedido que le contara el argumento de un libro sobre el que va a trabajar en su próximo guión. Dados los polémicos antecedentes de Dixon, un hombre vehemente y con un amplio historial de agresiones a sus espaldas, la policía no le quita el ojo de encima. La principal coartada de Steele es una enigmática vecina, Laurel Gray (Gloria Grahame), a la que no conocía de antes y con la que entablará, a partir de ese momento, una relación que se volverá cada vez más complicada.

¿Cine negro? Bueno, ya hemos hablado de estas cosas antes, tiene una cierta envoltura, sobre todo en la primera mitad del film, pero en realidad es un drama, ya que lo que centra la preocupación del director es el retrato psicológico de los personajes y muy principalmente el del protagonista, un espléndido Bogart que interpreta, una vez más, su eterno papel, el del tipo duro y egoísta, pero en este film llevado al extremo, pues hay películas en las que acaba saliendo ese lado tierno o delicado, si se quiere, que acaba reconciliándonos con su personaje. Aquí, la empatía del espectador con Dixon Steele, es imposible, no se deja, su caracter le puede y, como dice su representante, o le tomas, o le dejas, él es así.

El realizador, Nicholas Ray, a base de cuidar los detalles, nos trae algunos momentos de intriga, haciéndonos dudar de la inocencia de Steele y otros maravillosos instantes de romanticismo, con un par de escenas inolvidables. Una de ellas, con ambos protagonistas en la cocina, mientras él prepara el desayuno y habla de cómo se debería rodar una escena romántica que se salga de lo convencional, algo que, mientras tanto, ellos dos están haciendo y otra, cuando nos detalla, a través de primeros planos, alternados con planos generales, las conficencias que se hace la parejita, entre sonrisas cómplices, mientras asisten aldedor del piano a la actuación de una cantante de color que interpreta la melodía que da título al film.

Muchos momentos, tiene la peli, sin duda, con una Gloria Grahame tan atractiva, misteriosa, seductora y todo lo que queramos añadir, como nunca la he visto en otros films, hasta el punto de que uno entiende perfectamente que el personaje de Bogart pierda la cabeza por ella.

Unos decorados muy bonitos, alguno de los secundarios (el agente de Dixon, el actor borrachín...) entrañables y muy bien interpretados y algunas de esas frases que quedan en el recuerdo (Nací cuando ella me besó, morí cuando me abandonó, viví el tiempo que me amó)

Una peli en la que el drama y el suspense, con esa envoltura de cine negro que mencionaba, se mezclan con la amargura, la desesperanza y el desasosiego a través de grandes interpretaciones.

EL SABUESO DE LOS BASKERVILLE

2011-12-11T18:32:00.000+01:00

Este relato, apareció por entregas en el Strand Magazine entre 1901 y 1902. Esta forma de publicación, tan en boga en el siglo XIX, ha dejado algunos rastros indelebles en la forma en la que está compuesto, por ejemplo, al concluir los capítulos, que se corresponden con las diversas entregas publicadas, siempre se trata de algo intrigante o de algún detalle que anuncia futuras acciones de los personajes.

El origen de la novela es curioso: Conan Doyle descansaba en Cromer de su participación en la guerra de los Bóers junto con su amigo Fletcher Robinson. Durante su estancia, Fletcher le refirió una leyenda local que tenía como protagonista una especie de perro infernal. Conan Doyle ve en esa historia una buena materia para crear una narración. Nuestro novelista y su amigo viajan a Devonshire, a la zona de los páramos, en busca de escenarios; la región de Dartmoor, rica en leyendas fantasmagóricas, es el marco ideal. Más adelante, cuando Conan Doyle publique la obra, agradecerá la ayuda de Robinson.

Para muchos es su mejor novela, la más rica desde el punto de vista estilístico, y posiblemente la más curiosa de las que el autor dedicó a su personaje. El protagonismo de Watson es mayor que en ninguna otra, pues Holmes desaparece durante gran parte del relato y será precísamente Watson quien se encargará de sentir por nosotros en el escenario, lo que cualquier ser humano corriente sentiría, enfrentado al páramo, “¡Tan vasto, tan estéril, tan misterioso!”

El libro tiene algunos rasgos de novela gótica y plantea, además, una cuestión que aún hoy día sigue de actualidad: El choque entre la lógica y la ciencia, por un lado y la superstición o lo sobrenatural, por otro. Conan Doyle defiende la primera frente a la segunda, y de hecho podemos descubrir en Holmes y Watson muchos rasgos del autor.

Una gran novela, de lo mejor de Conan Doyle, con unas descripciones maravillosas y algunos momentos en los que la intriga y el suspense alcanzan niveles muy altos y muy bien construídos.

LA JUNGLA DE ASFALTO

2011-12-10T17:31:00.002+01:00

Edwin Doc Riedenschneider (Sam Jaffe), un criminal legendario que acaba de salir de la prisión, tiene un plan brillante para robar una joyería. En busca de apoyo financiero, propone la idea al abogado corrupto Alonzo D. Emmerich (Louis Calhern). Emmerich acepta financiarlo y Doc prepara el golpe sin sospechar de las verdaderas intenciones de su protector. Para llevar a cabo el robo necesita reclutar a varios hombres: El experto en cajas fuertes Louis Ciavelli (Anthony Caruso), el chofer Gus Minissi (James Whitmore) y el pistolero Dix Handley (Sterling Hayden). El robo es todo un éxito y Dix y Doc llevan las joyas a su comprador, Emmerich que, arruinado y en bancarrota como consecuencia de un loco romance con la jovencita Angela Phinlay (Marilyn Monroe), intentará apoderarse de las joyas robadas.

Si en ocasiones, al comentar un film, hablamos de que los personajes no tienen profundidad, desde luego, este no es el caso. Si algo destaca es el estudio psicológico de esos personajes, profundo y conseguido. Transmiten todo lo que el guión (de Ben Maddow y el propio Huston, sobre una excelente novela de W.R. Burnett) y el realizador han querido comunicarnos sobre ellos.

El trabajo de los actores es impresionante, el de todos, las diferencias están en el mayor o menor protagonismo que tienen, pero no en la calidad de sus interpretaciones en las que se nota una excelente dirección y una gran categoría de cada uno de ellos como actor.

Todo ello muy bien envuelto en una excelente fotografía de Harold Rosson (junto al director, guión y mejor secundario en la persona de Sam Jaffe, fueron candidatos al óscar), de la que a mí, en particular, me gustaron mucho los sobresaturados blancos del inicio que, junto a calles vacías y edificios semirruinosos, o las altas columnas rectas tras las que se esconde Sterling Hayden, contribuyen a aumentar la sensación de desolación.

Una historia de perdedores, en la que lo de menos es el atraco. Lo más interesante está antes, en la presentación de los personajes y después, en el cúmulo de complicaciones marcadas por esa fatalidad que les acompaña y sobre la que de vez en cuando filosofa Doc.

Personajes que Huston nos retrata cercanos y alguno de ellos entrañable, hasta el punto de que simpatizamos con ellos y estamos deseosos de que todo salga bien, algo que no va a ocurrir.

Precisamente ese tratamiento de los delincuentes fue lo que desató mayores críticas en la época. El propio Huston se rebeló, diciendo que lo que ocurria es que la gente llegaba a entender el porqué de la manera de conducirse de estos hombres y se hacía cómplice ellos y eso no gustaba a sus propias conciencias porque les hacía sentirse culpables.

Vista hoy, nos puede parecer un tanto ingenua en algunos de sus pasajes, pero la peli sigue vigente y lo que sí está claro es que marca el inicio de una nueva manera de ver a estos personajes. Ya no estamos ante unos malos perversos y amorales, sino ante personas de carne y hueso, con unas vidas al margen del delito, en las que tienen familia, amores e incluso vicios. A veces incluso alguna jugada injusta del destino que hace que sintamos que su deriva hacia el crimen está justificada.

Quizá lo peor de todo sea el recurso a la participación de Marilyn en la peli. Apenas hace un pequeño papel y me ha costado muchas vueltas encontrar un cartel en el que no aparezca su foto. Evidentemente todo eso vino después, que es cuando ella adquirió fama y al film no le hace falta para nada promocionarse de esa manera, pero lo entiendo.

La película tiene muchos momentos geniales. Las perlas cómicas de Doc, son impagables, así como algunos diálogos; o la historia de amor entre el tosco Sterling Hayden y Dolli Conovan (Jean Hagen); las filosofías sobre el sino ya mencionadas, de Doc, que encuentran su momento culminante en la preciosa escena del baile de la chica en el bar donde le van a detener, una escena llena de erotismo en la que no vemos ni un centímetro de piel (a eso le llamo yo elegancia) y, sobre todo, el maravilloso final, una escena en la que lirismo y tragedia se dan la mano.

Muy buena peli, con un argumento que, además, la hace muy entretenida. Excelente.

Un par de frases, entre varias, que me hicieron gracia:

- Doc: La experiencia nos enseña que hay que desconfiar de los policías. A veces les da por ponerse del lado de la ley.

- Cuando la poli va a detener al abogado Emmerich, su amante (interpretada por Marilyn), le dice: Pero aún queda en pie lo del viaje a Cuba, ¿verdad?

Él responde: A ti te quedan varios viajes aún, querida.

E-MASARY

2011-12-09T18:35:00.000+01:00

Hay cosas que todo el mundo sabe, porque están a la vista de todos, en las que unos pocos ven negocio y que solamente uno es capaz de poner en práctica como tal. Es decir, convertir la evidencia en negocio. Eso que decimos todos: Si estaba claro. Sí es cierto que, a veces, como es el caso que nos ocupa, se necesita una cierta preparación para poder hacer la idea atractiva a quien pone la pasta.

El 75% de la población egipcia tiene un móvil, pero sólo el 6% tiene una cuenta bancaria. Este dato fue la semilla para que Omar El Shanoury y Moatasem Osam lanzaran E-Masary, una plataforma tecnológica que permite un sistema de pago vía móvil sin necesidad de pertenecer a ninguna entidad bancaria.

Tras conseguir que un socio capitalista invirtiera 360.000 euros, hicieron un plan de negocios que comprendía tres fases: Desarrollaron la tecnología necesaria para vender recargas a una red de clientes sin cuenta bancaria. Después aumentaron la red y ofrecieron otros servicios adicionales. Y, por último, obtuvieron una licencia para operar como banco y permitir a sus clientes abrir una cuenta E-Masary que, básicamente, convertiría los móviles en tarjetas de crédito y débito.

Tienen competidores, claro, pero ellos son los únicos que no exigen tener una cuenta en el banco. Resultado: Este periplo se cerrará con 14 millones de euros en ingresos.

ASALTO AL FURGÓN BLINDADO

2011-12-08T18:19:00.001+01:00

Dave Purvis es un meticuloso y cauto atracador que prepara su próximo golpe: Robar el dinero de un furgón blindado. Purvis goza de cierto prestigio en el mundo del hampa a la hora de organizar estos "trabajos", pues tiempo atrás llevó a cabo un golpe con bastante éxito. Pero durante el atraco, algo falla, la policía se presenta en el lugar del crimen antes de lo previsto y se produce un tiroteo. Uno de los compinches resulta gravemente herido, mientras un policía muere; aprovechando la confusión, el grupo consigue huir. A partir de ese momento la maquinaria policial se pone en marcha de manera meticulosa e inexorable. Al frente de la investigación, el teniente Cordell intentará encontrar a los forajidos y vengar la muerte de su compañero asesinado.

Richard Fleischer es un director conocido, sin embargo no puede decirse que a lo largo de su prolífica carrera nos haya dejado obras maestras, a pesar de lo cual, no podemos negar su talento y su manera eficaz de plasmar en pantalla las historias que quiere contarnos.

Además, en este caso, estamos hablando de un producto de la llamada serie B, con actores desconocidos y, se supone, un presupuesto más bien escaso. Estos condicionantes no contribuyen precisamente a que la peli tenga un atractivo especial, pero hay que tenerlos muy presentes en el momento de valorarla, porque son todas esas cosas las que hacen que el filme tenga la relativa importancia que cobra y es que no podemos juzgar con el mismo rasero una superproducción y uno de estos productos en los que lo más atractivo para el aficionado es precisamente ese regusto artesanal que destila por todos lados y que resulta encantador.

Las actuaciones no es que estén a un gran nivel, cumplen y poco más. No así la fotografía, por ejemplo, tan importante en este tipo de filmes que tiene algunos momentos muy interesantes.

Nada de profundizar en los personajes ni cosas por el estilo, el metraje es corto (apenas sobrepasa la hora) y no hay demasiado tiempo para florituras y eso que algunas cosas de las situaciones que apunta darían para mucho, con el villano de turno (William Talman), obsesionado por no dejar rastros de su identidad (hasta corta las etiquetas de sus camisas); una triángulo amoroso que queda totalmente en segundo plano, cuando ahí hay mucho material para sacar partido; y unos personajes que apenas quedan apuntados.

Sin embargo, todo ello contribuye a que la historia no tenga pausa y que el ritmo no decaiga en ningún instante, acaparando eficazmente nuestra atención.

Magníficamente conseguido el retrato que hace la labor policial, haciendo un recorrido por todos los eslabones de la cadena (telefonistas, policías de tráfico, agentes que realizan controles, policía científica y detectives), poniendo en valor el trabajo de cada uno de ellos y la importancia que sus cometidos, grandes o pequeños, tranquilos o peligrosos, tienen en el control de la delincuencia.

También muy conseguidas algunas de las escenas de suspense durante la complicada y larga persecución de los delincuentes, muy bien planificadas y realizadas de un modo que dan cierto empaque al film.

Película que no fue estrenada en España en salas comerciales y que, sin ser gran cosa, es muy entretenida y que va al grano de los hechos, contándolos de manera breve y eficaz.

LA DEUDA DE EE.UU.

2011-12-07T14:07:00.002+01:00

Que todo este maremagnum económico que estamos padeciendo, huele a cuerno quemado, es algo que cada vez duda menos gente. Hay cosas que el ciudadano de a pie, el que sabe que no le llega el parné a fin de mes y lo demás son cuentos, osease, Vd. y yo mismo, no entendemos.

Más de cuatro billones de dólares alcanzaría la deuda de los Estados de EE.UU. Han leído bien, no es una repetición, son los estados que componen la Unión.

El más endeudado sería California, que rondaría los 612.000 millones de dólares. Este enorme agujero estaría ocasionado principalmente por los fondos de pensiones.

Sin embargo las agencias de calificación de riesgo no les bajan el rating.

EL PERRO RABIOSO

2011-12-06T19:05:00.001+01:00

Ambientada en el Japón de la postguerra, del que Kurosawa nos trae algunas imágenes que, con el tiempo, han devenido, casi en documentales. Con la estructura del thriller americano pero sabiamente adaptado (como sólo el maestro podía hacerlo) a las formas y mentalidades japonesas, el film narra la historia de un detective novato, Murakami (un joven Toshiro Mifune) al que roban su pistola. Agobiado por un sentimiento de deshonor más que de pérdida, algo que en occidente nos resulta chocante, pero no así bajo los parámetros de la cultura oriental, emprenderá una frenética e incansable búsqueda para recuperar el pequeño colt, descendiendo a los bajos fondos de Tokyo junto a un veterano compañero, el detective Sato (Takashi Shimura).

Una peli que recuerda mucho al neorrealismo italiano, pero con una estructura de film noir. La evocación no es vana y no sólo por la estética, sino por el tratamiento que se da a la historia y lo que vemos en segundo plano. No en vano ambos países viven una situación similar en la época de la que hablamos. Salen de una guerra que han perdido, se ven tutelados por el vencedor y, en cierto modo, esa presencia del ganador, supone una cierto cambio en la propia cultura. En la peli, ese detalle lo retrata muy bien el realizador con las imágenes del partido de baseball (o béisbol, como prefieran), los cortes musicales que escuchamos (a veces en la radio) a lo largo del film e incluso las imágenes del cabaret, las chicas bailan ritmos propios de occidente, pero es de lo más descriptiva la escena del descanso tras la actuación, en la que todas ellas hacinadas en un minúsculo espacio, reposan de cualquier manera, tiradas en el suelo, todas mezcladas y con la sonrisa que exhibían en el espectáculo perdida y trastocada en un gesto de cansancio y desesperanza.

Es sólo una parte de los varios retratos que Kurosawa nos trae de ese Japón humillado que intenta, más que levantarse (que también), buscar su propia identidad y una nueva ubicación en el nuevo orden que se establece tras el conflicto perdido. La gente no sabe muy bien qué ha ocurrido, por qué peleaban y por qué han perdido y no saben lo que les espera. Los únicos que parecen tenerlo claro son esa tropa de desheredados, prostitutas, rateros, delincuentes de poca monta, para los que la supervivencia es el eje de su día a día. Se trata de llegar a mañana como se pueda.

En medio de todo esto, Murakami se desvive por encontrar su arma. Su personaje es patético, todo su afán es recibir el castigo que cree merece y lavar el deshonor en el que considera ha caído. No sabe desenvolverse en el submundo del hampa y la miseria y choca con las dificultades externas y con las que él mismo se crea.

A su lado, Sato, el veterano, el hombre que ha vivido mil batallas, cuya experiencia (no sólo profesional, sino de la vida misma), le hace ver las cosas de una manera más sosegada, sabe que aquello hay tomárselo con calma, que llevará su tiempo y que de nada vale intentar hacer girar más rápidas las manecillas del reloj. Él sí domina el mundillo en el que van a trabajar, conoce a cada delincuente, su modus operandi, pero también comprende su mentalidad.

Curiosa la frase que le dice a su joven compañero: Dejemos que los escritores descubran la personalidad de los delincuentes, yo simplemente les odio.

Una de las características de Kurosawa es su gusto por emplear en sus filmes los fenómenos metorológicos (la lluvia, el viento...), aquí el personaje elegido es el calor. Ese calor agobiante, cargado de humedad tan propio de las islas, como es el caso. Realmente lo llegamos a sentir, su constante presencia, hasta el sudor de los personajes se nos pega.

Las actuaciones de los dos protagonistas, son impagables, si hablamos a veces de la química que se establece entre parejas de distinto sexo, en este caso, la que se establece entre estos dos hombre es increíble. Aparte del gran nivel interpretativo, es muy entrañable el personaje de Shimura. Nada vamos a descubrir de Toshiro Mifune, a gran altura también, algo que ha hecho de él uno de los grandes de la escena internacional de todos los tiempos.

Muy buena también la tensión dramática que logra en algunas escenas, consiguiendo un suspense casi demesurado. Recuerdo, por ejemplo, la escena del hotel, cuando Sato ha encontrado al criminal y el director alarga de manera crispante la llamada de teléfono que le hace a su compañero. Genial, como si este hombre no hubiera hecho otro tipo de pelis en su vida, qué gran dominio.

Magnífica peli, técnicamente de gran nivel y con una historia que no ha perdido nada de vigencia. Puede ser contemplada, entendida y disfrutada por nuestros ojos occidentales, incluso por quienes no gustan de otros filmes del maestro japonés, porque además es muy entretenida.

ALCIBIADES

2011-12-05T13:52:00.001+01:00

Este hombre que, por cuna y educación había nacido para desempeñar un cargo importante en la política de Atenas, emprendió en el año 415 a.C. una expedición marítima con el fin de atacar Siracusa, en Sicilia, aliada de Esparta y, por tanto enemiga de Atenas.

Por circunstancias diversas, la expedición fue un fracaso y las naves tuvieron que darse media vuelta. Los atenienses esperaban a Alcibiades para someterlo a juicio, pero éste se escapó durante el viaje y se refugió en Esparta. Para demostrar su total cambio de bando, no tuvo ningún inconveniente en indicar a los espartanos cuáles eran los puntos débiles de Atenas que él, por su puesto prominente, conocía de sobra.

Sin embargo el tío, seguramente un poco harto de eso que se conoce como la vida espartana (ya sabéis, muy frugal y todo eso), sedujo a Timée, la esposa del rey Agis que, además, era su protector.

Cuando se descubrió el asunto, Alcibiades salió por pies hacia Persia, refugiándose en la corte del sátrapa Tisafernes. Allí se dedicó a los manejos en los que ya había adquirido cierta pericia, pues los persas eran enemigos tradicionales de los griegos y él se dedicó a meter cizaña.

Al final, la nostalgia le pudo y volvió a Atenas, les convenció de que había estado trabajando en la sombra para enfrentar a persas y espartanos y fue tratado como un héroe y encima le dieron el mando su escuadra. Alcibíades venció a los espartanos en Abydos (411 a.C.) y en Cízico (410 a.C.). Estos triunfos reanimaron a Atenas, que se negó a oír las propuestas de paz que Esparta le hacía.

Sin embargo perdió, de nuevo, el apoyo de su ciudad y viéndose en peligro marchó de nuevo al exilio. Alcibiades había cambiado de bando tantas veces que ya nadie le daba crédito y pronto una banda de sicarios le cercó y dio buena cuenta de él a puñaladas. El más grande, único y mejor triple jugador de la Historia tenía 46 años...